Dans les studios où elle intervient, Caroline Frank fait un constat récurrent :
« Les méthodes de production sont généralement bien structurées, mais c’est bien le management d’équipe qui reste souvent très intuitif. Beaucoup de choses sont très processées autour du projet. En revanche, tout ce qui concerne les relations humaines est souvent plus informel et trop implicite.”

Cela peut s’expliquer par le fait que dans les studios de jeux vidéo, on devient souvent manager parce que l’on est reconnu pour son expertise métier. Ainsi, un développeur expérimenté devient lead, un artiste senior commence à encadrer une équipe.

Si l’évolution semble logique, elle change en fait profondément le rôle : il ne s’agit plus seulement de contribuer au projet, mais aussi d’accompagner une équipe. Et la transition n’est pas toujours évidente.

Ce que montre bien les témoignages recueillis lors des formations : “On passe parfois du statut de collègue à celui de manager. On travaillait, on allait boire un verre ensemble… et tout à coup il faut aussi poser un cadre, prendre des décisions, parfois recadrer.”

Passer de la camaraderie entre collègues à la responsabilité hiérarchique peut être inconfortable et demander un ajustement délicat, notamment dans la posture relationnelle. Du fait du manques de repères, cela peut entraîner un sentiment d’isolement, même pour ceux qui sont motivés par leur métier et passionnés par leur travail. Trouver l’équilibre entre proximité et responsabilité devient alors un enjeu central.

Pour Caroline Frank, il n’existe pas de recette miracle pour manager une équipe.

“On ne gère pas les personnes comme on gère un projet. Il y a quelque chose de vivant dans le management.”

Manager demande d’écouter, de s’adapter et parfois de réajuster sa posture. C’est aussi ce qui rend ce rôle particulièrement riche.

Caroline, elle, accorde une grande importance à la convivialité et aux rituels, comme les repas partagés ou les moments d’échange informels, qui favorisent la confiance et l’entraide.

C’est souvent ce qui fait la différence dans un parcours professionnel : “certains managers, comme certains professeurs, laissent une empreinte durable, parce que pour être inspirant, il faut être soi-même inspiré”.

La philosophie qui guide le travail de Caroline Frank est « qu’il n’y a pas de formule magique ». Par essence le management est vivant, riche et passionnant du fait même de son caractère imprévisible et confrontant. C’est grâce aux liens que l’on crée et aux relations que l’on tisse que l’on peut espérer un impact positif sur le développement de ses collaborateurs.

Début décembre, Bertie était à Montpellier pour rencontrer plusieurs studios de jeu vidéo et d’animation. L’objectif n’était pas uniquement de présenter son approche, mais surtout d’écouter : rendez-vous individuels ont permis de comprendre les projets du moment, les difficultés rencontrées, les compétences qui doivent évoluer, et les leviers qui peuvent aider les équipes à gagner en efficacité.

En fin de journée, une soirée organisée chez Plug In Digital a accueilli une vingtaine de professionnels. L’occasion de présenter la philosophie de Bertie : des formations conçues avec des experts du secteur, et pensées pour répondre aux réalités concrètes de production.

Le témoignage de Lola Arseguet, Office Manager chez Playdigious, a illustré concrètement cette approche. Elle a expliqué comment les formations sur mesure de Bertie avaient soutenu ses équipes tout en s’adaptant à leur disponibilité et à leur rythme de travail.

Ce temps d’échange, organisé avec l’aide de l’association Push Start, a permis aux studios présents de repenser l’importance du développement des compétences pour leurs équipes et la compétitivité de leur structure.

La peur est une émotion universelle, puissante et profondément ancrée dans notre psyché. Elle déclenche l’adrénaline, aiguise notre attention et nous pousse à anticiper chaque danger. Dans la vie réelle, elle protège ; dans le jeu vidéo, elle stimule la curiosité, l’exploration et l’immersion. Le joueur ressent la peur tout en étant en sécurité, et c’est ce paradoxe qui rend l’expérience si captivante.

Les jeux d’horreur exploitent ce paradoxe avec brio. Dans Phasmophobia, par exemple, une immense communauté de joueurs se plonge dans la chasse aux fantômes, équipée seulement d’outils rudimentaires. Le simple fait de s’aventurer dans une maison hantée, accompagné de coéquipiers, fait monter la tension. Chaque bruit, chaque objet qui tombe, chaque porte qui grince devient un déclencheur d’émotions. Le cerveau alterne entre peur, anticipation et excitation, ce qui transforme le jeu en expérience immersive et collective. La peur devient alors un moteur psychologique qui renforce la concentration, les réflexes et la complicité entre joueurs.

Avant de se lancer dans un projet, il est essentiel de définir le périmètre, les objectifs et les parties prenantes. Sans cela, même une tâche simple peut générer des retards. Par exemple, si le marketing commence une campagne alors que la date de sortie du jeu a changé, tout le travail peut être annulé ou décalé. De même, un animateur qui commence à créer des assets sans validation du concept artistique risque de devoir tout recommencer. Poser ces bases permet à chaque équipe de savoir où concentrer ses efforts. Cela facilite un travail plus efficace et ordonné.

Les compétences techniques évoluent vite, mais ce sont les compétences humaines qui font la différence dans la durée. Dans un secteur en mutation comme celui du jeu vidéo et de l’animation, renforcer le management et les soft skills, c’est donner à vos équipes les moyens de mieux travailler ensemble et de gagner en efficacité sur des projets complexes.

Dans les jeux de versus fighting, l’animation doit être limpide. Quand un joueur perd un round, il ne doit jamais se dire qu’il n’a pas vu venir l’attaque. C’est pour cette raison que Street Fighter ou Tekken construisent chaque mouvement avec une précision chirurgicale. 

Dans Street Fighter V, l’iconique Hadoken de Ryu est annoncé bien avant de partir. Ses bras se rapprochent, l’énergie s’accumule, puis le projectile fuse. En un instant, le joueur comprend ce qui arrive et peut réagir.

Dans Tekken 8, l’Electric Wind God Fist des Mishima fonctionne de la même manière. Le coup est fulgurant et terriblement puissant, mais il reste identifiable. Un mouvement d’épaule, un bras qui s’élance, et l’adversaire attentif sait déjà qu’il doit se préparer. 

Les animations de ces jeux sont pensées pour être lisibles tout en restant spectaculaires, garantissant un gameplay compétitif équilibré et précis où chaque phase du mouvement a sa fonction précise.

Avec son gameplay nerveux, ses niveaux générés procéduralement et ses combats millimétrés, Dead Cells est la valeur sûre pour passer le temps sans s’ennuyer.

Une partie peut durer dix minutes… ou bien plus si vous tombez dans la boucle du « encore une dernière ».
En bonus : il tourne très bien sur console portable ou mobile. Pratique pour jouer partout.

Les joueurs passionnés sont souvent les premiers à devenir des ambassadeurs d’un jeu. Sur Reddit, Discord, Twitch ou YouTube, ils partagent leurs expériences et produisent du contenu : fan arts, vidéos, théories ou memes. Ce bouche-à-oreille numérique booste la visibilité d’un jeu, parfois plus efficacement qu’une campagne marketing coûteuse.

Among Us illustre parfaitement ce phénomène. Passé inaperçu à sa sortie en 2018, le jeu a explosé en popularité lors de la pandémie de Covid-19 en 2020 grâce aux lives Twitch viraux et aux memes qui ont inondé les réseaux sociaux. Ce succès met en lumière l’impact des plateformes de streaming : plus un jeu favorise les interactions entre joueurs et les moments mémorables, plus il a de chances d’être propulsé par des influenceurs, dont le soutien peut en faire un véritable phénomène mondial. La même année, Fall Guys a connu une ascension similaire pour les mêmes raisons.

Bien avant que Twitch ne devienne un acteur central, Five Nights at Freddy’s avait déjà su tirer parti de l’engouement communautaire. Sorti en 2014, ce jeu d’horreur à petit budget a rapidement gagné une immense popularité grâce à fanbase passionnée. En effet, les joueurs ont produit une multitude de théories, de vidéos de gameplay, de fan arts et même de chansons. YouTube a joué un rôle clé dans cette ascension, avec des créateurs de contenu comme Markiplier ou Squeezie partageant leurs réactions face aux jumpscares. Ce phénomène UGC a non seulement renforcé la notoriété du jeu, mais a aussi permis à Five Nights at Freddy’s de devenir une franchise multimédia à succès, incluant livres, films et nouveaux jeux.

L’influence des joueurs ne se limite pas à la promotion d’un jeu, elle s’étend aussi à son évolution. Une communauté engagée ne se contente pas de consommer du contenu, elle participe activement à sa création.

L’onboarding de Super Mario Bros. est souvent cité comme un modèle d’excellence en matière de game design intuitif. Dès les premières secondes, le joueur comprend instinctivement les bases du jeu sans avoir besoin de tutoriel écrit.

Par exemple, Mario est placé à gauche de l’écran, une position qui incite naturellement à avancer vers la droite. Un choix simple mais efficace qui guide immédiatement le joueur.
La rencontre avec un Goomba dès le début force à réagir et à expérimenter le saut, une mécanique centrale. Les blocs mystères, en revanche, attisent la curiosité : en les frappant, le joueur découvre des pièces ou des champignons, récompensant ainsi l’exploration. Les champignons eux-mêmes sont placés de manière à être souvent ramassés même par accident, enseignant les avantages des power-ups sans frustration.

Le niveau introduit aussi progressivement des défis, comme les plateformes à franchir ou les trous à éviter, qui encouragent à affiner son timing et sa précision.

Ce premier niveau reste un exemple intemporel de design simple et efficace encore étudié dans les écoles de game design. En combinant simplicité, tutoriels implicites et progression naturelle, il démontre comment un bon game design peut transformer l’apprentissage en une expérience fluide et engageante.

Les technologies immersives, telles que la réalité virtuelle (VR), la réalité augmentée (AR) et le métavers, redéfinissent l’expérience de jeu en offrant des expériences plus fluides et captivantes. En 2025, les casques VR deviennent de plus en plus accessibles, permettant une immersion totale dans les jeux. La réalité augmentée, quant à elle, enrichit l’environnement réel avec des éléments virtuels, créant de nouvelles dynamiques de jeu.

Le métavers, cet univers virtuel collectif, gagne également en popularité. Des plateformes comme Fortnite ou Roblox ne sont plus seulement des jeux, mais des espaces sociaux, avec des concerts en ligne et des événements en direct.