Foto: Silken Weinberg

Foto: Joey Clough

Darcie Haven steht exemplarisch für eine neue Generation von Pop-Artists, die ihre Karriere unmittelbar aus dem eigenen Alltag heraus entwickeln. Ihre Songs funktionieren nicht nur als klassische Releases, sondern vor allem auch als digitale Momentaufnahmen, die sich auf Plattformen wie Spotify und TikTok schnell verbreiten. Gerade bei einem jungen Publikum trifft sie mit ihrer direkten, ungefilterten Art einen Nerv: Ihre Texte lesen sich wie persönliche Einträge, ihre Themen kreisen um Selbstzweifel, Beziehungen und mentale Zustände – nahbar, konkret und ohne große Inszenierung. Dieser Zugang spiegelt sich auch in ihren Streaming-Erfolgen wider. Innerhalb kurzer Zeit hat sich Darcie Haven eine stetig wachsende Hörerschaft aufgebaut, ihre Songs finden sich in relevanten Indie- und Pop-Playlists und entwickeln sich organisch über Empfehlungen und Community-Dynamiken. Tracks wie „Hounds“ oder „I Wanna Be“ stehen beispielhaft für diesen Ansatz: emotional aufgeladen, klar erzählt und gleichzeitig offen genug, dass sich viele darin wiederfinden können. Gerade diese Mischung aus Intimität und Wiedererkennbarkeit macht sie für viele Hörer zu einer Künstlerin, die man nicht nur konsumiert, sondern begleitet.

Auch live überträgt sich diese Nähe. Was zunächst in kleinen Settings begann, hat sich schnell zu größeren Bühnen entwickelt, bis hin zu Auftritten am Sydney Opera House und einer restlos ausverkauften ersten Headline-Tour in Australien. Mit der EP „Angel of the Apocalypse“, die direkt hoch in die Charts einstieg, hat sie diesen Weg weiter gefestigt und sich zugleich künstlerisch noch einmal geöffnet. Mit den kommenden Shows in Europa, darunter der Termin in Berlin, steht nun der nächste Schritt an. Darcie Haven bringt dabei nicht nur ihr bisheriges Material mit, sondern auch neue Songs, die bereits andeuten, wohin sich ihr Sound als Nächstes entwickeln wird. Wer erleben möchte, wie sich eine Künstlerin zwischen wachsender Reichweite, starker Community und künstlerischer Weiterentwicklung live positioniert, sollte sich diesen Abend vormerken!

Foto: Matthew Daniel Siskin

Die Live-Shows des US-Amerikaners Matt Maeson sind eine Wucht – und das trotz des stellenweise sanften Singer/Songwriter-Sounds. Es sind vielmehr die Geschichten seines turbulenten Lebens, die der Künstler in seinen Songs und Erzählungen offen mit seinem Publikum teilt. Denn Matt Maeson hat in seinem Leben schon einige Höhen und Tiefen erlebt. Während er in seiner Jugend viel in Gefängnissen unterwegs war, um mit seiner Gitarre dort Musik zu machen, geriet er nach seinem Highschool-Abschluss selbst auf die schiefe Bahn und war in Drogenhandel und -konsum verwickelt.

Die Musik war es, die den in Virginia geborenen Musiker schließlich wieder auf den richtigen Pfad brachte, gemeinsam mit seinem Glauben an Gott.

Von hier an läuft alles wie geschmiert: Nach vereinzelten Singles und EPs bringt der Sänger 2019 sein Debütalbum „Bank On The Funeral“ und katapultiert sich quasi über Nacht in die musikalische Oberliga. Er bricht mit den Singles „Cringe“ und „Hallucinogenics“ den Rekord als erster männlicher Solokünstler, der mit einem Debütalbum zwei Alternative-Hits auf Platz 1 landete. Daraufhin veröffentlichte er letzteren Track sogar erneut als Feature-Version mit keiner Geringeren als Lana Del Rey und erreichte darüber hinaus mit dem Album gleich mehrfachen Platin-Status. Auch mit dem Nachfolger „Never Had to Leave“ überzeugte Maeson 2022 gleichermaßen Fans wie Kritik und kombiniert den intensiven Gitarren-Sound mit komplizierten Gefühlen und rohen Emotionen. Mit „That’s My Cue: A Solo Experience“ folgte 2024 dann ein Live-Album, bevor im September 2025 das aktuelle Studioalbum „A Quiet and Harmless Living“ erschien. Diese neuen Tracks wird Matt Maeson nun im Oktober live auf die Bühne bringen.

Es beginnt nicht mit einem Knall, sondern mit einem Sog. Ein kaum greifbarer Moment, in dem sich Klang verdichtet, ohne je ganz Form anzunehmen. Als würde Musik hier nicht entstehen, sondern bereits existieren und nur freigelegt werden. She Her Her Hers aus Tokio beherrschen diese Kunst der Andeutung mit einer Souveränität, die selten geworden ist. Ihr Sound, irgendwo zwischen Shoegaze, Dream Pop und psychedelischer Elektronik, entzieht sich der schnellen Kategorisierung und gewinnt gerade daraus seine eigentümliche Kraft.

Im Zentrum steht die Stimme von Hiroyasu Takahashi, die sich nie in den Vordergrund drängt, sondern sich in das Geflecht aus Gitarren, Synthesizern und Rhythmus einfügt. Gemeinsam mit Tomasong (Synthesizer) und Taiki Matsuura (Schlagzeug) entwickelt er Klangräume, die gleichzeitig präzise konstruiert und offen genug sind, um sich darin zu verlieren. Spätestens mit „Location“ (2019) wurde deutlich, dass diese Band nicht für den Moment arbeitet, sondern für eine langfristige Verdichtung ihres Sounds. So ist es nur logisch, dass diese Ästhetik weit über Japan hinaus Anklang findet: Es folgte eine ausgedehnte Tour durch sieben Städte mit ausverkauften Shows und einem Publikum, das diese Musik intuitiv versteht. In den Jahren darauf wuchs eine Präsenz, die sich über ganz Asien erstreckt – von Taiwan über Thailand bis nach Südkorea.

Mit „Afterglow“ (2022) und „Diffusion of Responsibility“ (2023) wurde der Sound noch feiner justiert. Elektronische Schichten greifen ineinander, Melodien wirken wie ferne Erinnerungen, die sich erst allmählich schärfen. Die große Asientour 2023/24 mit 17 Shows in 16 Städten war dabei weniger Triumph als Konsequenz: eine Band, die ihren Radius stetig erweitert, ohne sich dabei zu verlieren. Gerade auf der Bühne zeigt sich, wie sehr diese Musik auf Immersion angelegt ist. Die Konzerte sind keine Abfolge von Songs, sondern eine zusammenhängende Dramaturgie. Licht, Lautstärke, Wiederholung, alles ist darauf ausgerichtet, das Publikum in einen Zustand zu versetzen, in dem Zeit und Raum kurzzeitig ihre Konturen verlieren.

Nach „Pathway“ (2024) legten She Her Her Hers mit „Fibril“ im vergangenen Jahr eine weitere Schicht ihres Klangkosmos frei, mit dem sie nun auch auf UK- und Europatournee gehen.

Foto: Hamish Morgan

Ob in Barber-Shops, im Kellergewölbe von Kirchen oder in leerstehenden Lounges: 2021 versammelten sich in vielen von Aucklands vier Wänden immer häufiger dieselben drei Musiker, bei denen es keineswegs selbstverständlich sein sollte, dass sie sich doch noch finden würden: Rassani Tolovaa (Bass), Mitchell Innes (Schlagzeug) und Kane Strang (Gesang/Gitarre) fingen erst seit ihrem Umzug von Dunedin in die neuseeländische Hauptstadt an, gemeinsam zu musizieren und Songs zu schreiben. Dass sich die Drei zur Indie-Rock-Band namens Office Dog zusammentun würden, ist rückblickend ebenso unwahrscheinlich wie prophezeit, denn zu Beginn des neuen Projekts steckte der spätere Office-Dog-Frontmann Kane Strang noch knietief im Sog seiner erfolgreichen Solokarriere. Noch im März 2021 erschien Strangs dritte und (vorerst) letzte Soloplatte „Happy to Perform“. Gemeinsam mit seinen neuen Bandkumpanen Tolovaa und Innes schuf Strang dann Office Dogs Debütalbum „Spiel“, produziert von De Stevens (School Fair, Marlin’s Dreaming). 2023 erschien der Longplayer, veröffentlicht via Flying Nun Records, zuerst ausschließlich in Australien und Neuseeland; 2024 feierte die Band mit dem Label New West Records den weltweiten Release von „Spiel“ – laut Pitchfork „ein Album über die Freude des Zusammenspielens“. Die VISIONS verweist in ihrer Kritik auf „Indie- und Noiserock-Tradition der 90er von Bands wie Hum oder Superchunk“, das Ox-Fanzine betont die „abgehackte Rhythmik von PAVEMENT“. Noch im selben Jahr erschien in Form einer 7-Track-EP namens „Doggerland“ ein Nachfolger, der versierter und experimenteller im Sound als die LP daher kam. Ihren Namen fand die EP in einem Stück Land, auf dem erst Menschen lebten und welches dann sinnflutartig vom Meer verschlungen wurde. Passenderweise geht es in den Songs um den Moment des Verlusts und den Akt des Sich-Zurückkämpfens. Paste Magazine schreibt über die EP: „Kathartisch und offenbarend werden der Kampf und der Groll des Sich-beinahe-Selbst-Verlierens dargelegt und mit einem Schritt in die Zukunft hinter sich gelassen“. Aktuell arbeiten Office Dog an ihrem zweiten Album. Aber auch live ist das Trio umtriebig: Neben einem Gig bei dem renommierten Showcase-Festival The Great Escape in Brighton kommen Office Dog 2026 für ihre Deutschland-Premiere am 28. Mai nach Berlin.

Foto: Christina Gotz

Nach einer Ruhephase, in der er den Wert der kleinen Dinge – Familie, Zeit, Achtsamkeit – neu entdeckt hat, kehrt Gentleman mit frischer Energie und einem tieferen Bewusstsein für das Wesentliche zurück und teilt mit seinem neuen Album im Herbst 2026 dieses Gefühl mit seinen Fans in 14 Städten in Deutschland und der Schweiz! Begleitet von seiner erfahrenen Band, verbindet Gentleman traditionelle Reggae-Roots mit globalen Einflüssen und einer authentischen, persönlichen Tiefe: „Ich habe beschlossen, nur noch Dinge zu machen auf die ich Bock habe“, sagt der international gefeierte Reggae-Artist – und genau so hört sich sein kommendes Album an:

Frei, organisch und getragen von Dankbarkeit. Als einziger europäischer Reggae-Exportschlager schreibt der Kölner Künstler seit dreißig Jahren Musikgeschichte. Durch Kollaborationen mit u.a. Sean Paul, Pink oder Shaggy ist Gentleman seit Jahrzehnten ein weltweit anerkannter Star des Genres. Die Tour begleitet sein nächstes Studioalbum „GRATITUDE“, das auf Mallorca, Jamaika und in Miami entstanden ist und eine Rückkehr zur Essenz seines Sounds markiert – wer dieses Stück Reggae-History live erleben möchte, sollte sich die kommenden Shows auf keinen Fall entgehen lassen!

Manchmal beginnt eine lange Musikgeschichte mit etwas so Unscheinbarem wie einer Kassette. 1997 sitzt der Student Ben Gibbard in Bellingham im US- Bundesstaat Washington und verarbeitet eine gescheiterte Beziehung – nicht mit großen Gesten, sondern mit neun Liedern. Die Songs, aufgenommen mit Freunden und einfachen Mitteln, erscheinen auf der Kassette „You Can Play These Songs With Chords“. Was zunächst wie ein typisches College- Radio-Projekt wirkt, wird bald zu etwas Größerem: Death Cab for Cutie sind geboren.

In den späten Neunzigern gehört die Band zu jener Generation von Indie-Rock-Gruppen, die ihre Inspiration aus den melancholischen Gitarrenwelten von The Smiths und The Cure ebenso beziehen wie aus der introspektiven Songkunst von Elliott Smith. Die frühen Alben bauen eine treue Fangemeinde auf, zunächst im Untergrund, dann darüber hinaus. Der große Moment kommt 2003 mit dem Album „Transatlanticism“, dessen Songs wie „The Sound of Settling“ oder „Title and Registration“ den Indie-Rock der Nullerjahre entscheidend prägen.

Es ist die Zeit, in der Gitarrenmusik plötzlich wieder Mainstream wird – und Death Cab for Cutie mit ihr. Spätestens mit „Plans“ (2005) und der stillen Ballade „I Will Follow You into the Dark“ erreichen sie ein Millionenpublikum. Doch der erstaunlichste Teil dieser Geschichte ist vielleicht ihre Dauer. Während viele Bands der Indie-Explosion verschwinden, bleiben Death Cab for Cutie. Zehn Studioalben, Grammy-Nominierungen, Kollaborationen mit Künstler aus ganz unterschiedlichen musikalischen Welten und eine Karriere, die inzwischen fast drei Jahrzehnte umfasst.

Wer die Band live erlebt, versteht schnell, warum. Die Konzerte sind weniger Rockshow als kollektive Erinnerung. Wenn Gibbard die ersten Akkorde anstimmt, verwandelt sich ein Saal in eine Art Zeitmaschine. Songs werden zu Markierungen im Leben der Zuhörer: erste Liebe, erste Wohnung, erste große Abschiede. „Musik bringt dich zurück an Orte deiner Vergangenheit“, sagt Gibbard einmal. Vielleicht ist genau das das Geheimnis dieser Band, ihre Lieder erzählen nicht nur Geschichten, sie begleiten Biografien.

Auch deshalb füllen ihre Jubiläumstourneen zum zwanzigsten Geburtstag von „Transatlanticism“ und „Plans“ wieder große Hallen. Und während viele Nostalgie-Touren wie ein Blick zurück wirken, scheint es bei Death Cab eher um ein Weitergehen zu gehen. Neue Songs sind bereits angekündigt, veröffentlicht werden sie erstmals beim Indie-Label ANTI-Records.

Vor allem aber bleibt das, was diese Band seit jeher am besten kann: auf die Bühne gehen und ihre Songs mit Menschen teilen. Wer wissen möchte, wie sich drei Jahrzehnte Indie- Rock in einem Abend anfühlen, bekommt dazu bald Gelegenheit: Anfang Oktober spielen Death Cab for Cutie ein Konzert in Berlin.

Foto: Sebastian Madej

Vor über zwei Jahrzehnten schufen Afrob und Ferris MC „Reimemonster“. Einen Song, der schnell zu einem der prägendsten Werke der deutschen Hip-Hop- Geschichte avancierte. Die Gegensätze ihrer Persönlichkeiten und Stile fanden in diesem Song eine gemeinsame Sprache und die markante Hook wurde zum kollektiven Ruf einer ganzen Generation. Ohne zu wissen, welchen Einfluss sie damit auslösen würden, kreierten die beiden Rapper einen Track, der bis heute als Symbol der Golden Era des deutschen Rap gilt.

Nun schreiben Afrob und Ferris ihre gemeinsame Geschichte fort und bringen den Song wieder live auf die Bühne, als Teil einer umfassenden Hip-Hop-Show. Ihr neues Album bündelt Erfahrung, künstlerische Reife und ihre Liebe zum Handwerk. Mit Afrob x Ferris MC entsteht ein Projekt, das Vergangenheit und Gegenwart vereint. Zwei charismatische Rapper, die deutsche Hip-Hop-Geschichte mitgeschrieben haben, liefern ein Werk, das Oldschool-Wurzeln mit zeitloser Relevanz verbindet – authentisch, energiegeladen und wegweisend.

Auf Deutsch zu texten, sich vollends zu öffnen, das erfordert Mut. Vor allem, wenn die Themen und Emotionen in den Songs komplexer, oft dunklerer, sind, als man es von herkömmlichen Songwritern gewöhnt ist. Doch hört man, mit welcher Intensität sich MICHÈL VON WUSSOWs Stimme beim Singen immer wieder überschlägt, spürt man sofort: Das hier ist anders.

Denn der junge Songwriter aus Hamburg versteckt sich in seinen Texten hinter gar nichts. Im Gegenteil, er begibt sich auf die ersten Schritte seiner eigenen Traumabewältigung, besingt Generationenkonflikte und errichtet den wichtigen Menschen in seinem Leben musikalische Denkmäler. Eine in jeder Zeile aufrichtiger getextete Platte. Hoffnung und Trauma sind die zwei großen Pole.

„Ich bin ein Mensch, der in seiner Kindheit und in der Vergangenheit viel Müll erlebt hat, aber trotzdem immer mit ganz viel Liebe groß geworden ist“, erzählt Michèl. Er veröffentlichte seine ersten Singles unter seinem bürgerlichen Namen erst vor vier Jahren, und seitdem nahm alles rasant Fahrt auf.

Kaum ein Monat verging ohne Konzerte, Songwriting oder Veröffentlichungen. 2022 wurde Olli Schulz auf seinen Song Narbenherz aufmerksam, den Michèl für seine Mutter geschrieben hatte. Dank der Fest & Flauschig-Playlist erreichte der Song Tausende von Zuhörer. Nur kurz später performt Michèl den Song bei Inas Nacht, wieder ein paar Wochen später wird er zusammen mit seiner Band auf ein paar der größten Bühnen des Landes eingeladen. Seine ersten beiden Headline-Touren waren ein voller Erfolg. Mittendrin erscheint auch noch das Debütalbum Angst gegen Vertrauen. Nur gut anderthalb Jahre später, folgt bereits 2024 das zweite Album Traum B. „Vor allem die Texte auf der zweiten Platte unterscheiden sich im Vergleich zur ersten – Ich drücke mich heute viel klarer und direkter aus, darauf bin ich wirklich stolz“, erzählt Michèl.

Das Ergebnis ist ein nach vorne preschender, krachiger Sound, der viel mehr Indie als Pop ist, und so auch jedem modernen UK-Songwriter aus Vororten von Newcastle oder Manchester enorm gut zu Gesicht stehen würde. Dabei sind die Songs stets frei von Ballast produziert und bieten dennoch zahlreiche Details.

Foto: Fioni Versace

Was fühl ich? Wie geht`s mir? Bin ich happy oder fehlt mir etwas zum Glücklichsein? Fragen wie diese haben JAS’ Musik von Anfang an geprägt. Doch aus dem inneren Kopfchaos ist inzwischen ein größerer Blick geworden. Einer, der nicht nur das eigene Herz abklopft, sondern auch die Welt da draußen. Mit Songs wie „Die Jugend hat Angst“ öffnet JAS sein bisher persönlichstes Projekt in eine neue Richtung. Die Unsicherheit bleibt. Aber sie ist nicht mehr nur privat. Sie ist politisch, gesellschaftlich, kollektiv. Krieg, Klimakrise, Machtstrukturen, eine Diskussionskultur, die immer öfter kippt. JAS beschreibt das Lebensgefühl einer Generation, die zwischen Dauerkrisen erwachsen wird – und trotzdem nicht aufhört, an Veränderung zu glauben. Im Winter geht es dann auf „So schön verloren“-Tour.

Foto: Zeitfang

Mit ihrem unverwechselbaren Sound und ihrer klaren Botschaft hat sich Becks als eine der wichtigsten Künstlerinnen der deutschen Musikszene etabliert. Sie steht für Authentizität, Diversität und Veränderung – und beweist, dass Musik mehr kann, als nur gut zu klingen. Nun kehrt sie zurück – und das mit einem Knall! Nach Hits wie „June“ (über 20 Millionen Streams), einer riesigen TikTok-Community mit über 800.000 Follower und mehr als 52 Millionen Likes, ist klar: Becks gehört zu den spannendsten Künstlerinnen in Deutschland. Sie ist nicht nur eine der wichtigsten Stimmen der LGBTQI+-Community, sondern auch ein echtes Vorbild. Jetzt macht sie sich bereit, mit neuer Musik, neuen Vibes und einer komplett neuen Bühnenshow auf ein neues Level zu heben. Das Motto? Weiterentwicklung und Next Level. Becks’ Sound wird erwachsener, frischer – und eins steht fest: Sie hält ein paar Überraschungen bereit.

Das Highlight des Sommers werden ihre vier exklusiven Open-Air-Shows. Neue Musik, neue Bühne, neue Energie – Becks liefert ab! Aber sie bringt nicht nur ihre Musik mit. In Berlin will sie mit dem Verein Frauenhaus Koordination (FHK) zusammenarbeiten, um auf wichtige soziale und gesellschaftliche Themen aufmerksam zu machen: der Verein setzt sich dafür ein, Gewalt gegen Frauen zu verhindern. FHK unterstützt bundesweit Frauenhäuser und Fachberatungsstellen bei ihrer Arbeit, zum Beispiel durch Information, Austausch und Vernetzung. „Das wird mein Jahr der Veränderung“, sagt Becks. „Ich will mit meiner Musik nicht nur unterhalten, sondern auch Themen ansprechen, die uns alle betreffen. Es geht um mehr als nur Musik – es geht um Haltung.“ Becks bringt nicht nur neue Songs, sondern auch neue Perspektiven. Fans dürfen sich auf ein Jahr voller Power, Emotionen und echten Messages freuen. Eins ist sicher: Becks is back – und besser denn je!

Mit ihrem entspannten, groovigen Indie-Rock haben sich No Cigar weltweit eine wachsende Fanbase erspielt. Im November 2026 kommt die Band aus Aotearoa, Neuseeland, für drei Konzerte nach Deutschland. Nach ausverkauften Tourneen in Großbritannien und Neuseeland bringt das Quintett damit erstmals eine eigene Headline-Tour nach Deutschland.

Seit ihrer Gründung in Auckland hat sich die Band mit ihrem lässigen, zugleich treibenden Gitarrensound Schritt für Schritt über Neuseeland hinaus Bekanntheit erspielt. No Cigar verbinden Indie-Rock, Surf-Einflüsse und Alt-Pop-Melodien zu einem Sound, der gleichermaßen leichtfüßig wie rhythmisch nach vorne geht. Willy Ferrier (Leadgesang), Josh Morrice (Gitarre und Gesang), Arthur Gillies (Gitarre und Gesang), Sam Benson (Bass) und Ned Gow (Schlagzeug) entwickelten diesen lässigen Sound und lassen dabei immer wieder Raum für atmosphärische Momente und Klangexperimente. Songs wie „Cool“ oder „These Are The Days“ zeigen exemplarisch, wie mühelos die Band zwischen lockerem Indie-Rock und emotionaler Tiefe wechseln kann.

Mit bislang drei Studioalben haben No Cigar ihren Stil kontinuierlich weiterentwickelt. Nach dem Debüt „Bienvenido“ (2022) und dem 2023 erschienenen Nachfolger „The Great Escape“, das der Band auch international größere Aufmerksamkeit einbrachte, folgte 2025 mit „Under The Surface“ ihr bislang ambitioniertestes Werk. Große Teile dieses Albums entstanden während einer Europatour der Band in Chantilly, einer kleinen Stadt nördlich von Paris. Dort probten, schrieben und nahmen die Fünf neue Musik auf, während sie quer durch Europa unterwegs waren. Fertiggestellt wurde das Album während ihrer letzten Tournee durch Neuseeland gemeinsam mit Produzent Connor Jaine.

Gerade auf der Bühne zeigt sich, warum No Cigar in kurzer Zeit eine so treue Fanbase aufbauen konnten. Ihre Konzerte leben von der Mischung aus treibenden Gitarrenriffs, dynamischem Songwriting und der spürbaren Energie einer Band, die sich live besonders wohlfühlt. Bei drei Konzerten im November haben Fans in Deutschland nun die Gelegenheit No Cigar live zu erleben und sich von ihrer ansteckenden Spielfreude überzeugen zu lassen.

Das Warten hat ein Ende. Die Gebete wurden erhört. Viele lange Jahre nach ihrem letzten Besuch und kurz nach der Veröffentlichung ihres von der Kritik gefeierten Albums „Love Changes Everything“ im Jahr 2024 kehren Dirty Three endlich nach Europa zurück. Mick, Jim und Warren werden ihre geballte Energie im Herbst 2026 in europäischen Konzerthallen entfesseln. Meine Damen und Herren, aus Melbourne, Australien, Dirty Three!

Foto: Steve Gullick

Dreißig Jahre sind in der Popgeschichte oft eine Ewigkeit. Für die schottische Band Mogwai jedoch wirken sie eher wie eine fortlaufende Bewegung: ein stetiges Anschwellen, Abebben und erneutes Aufbäumen von Klang. Seit Mitte der neunziger Jahre bauen die Musiker aus Glasgow an monumentalen Instrumentalstücken, die mehr Landschaft als Lied sind. Weite, düster schimmernde Klangräume, in denen Gitarren plötzlich zu Stürmen anschwellen und ebenso abrupt wieder in Stille zurückfallen.

Begonnen hat alles 1996 mit der Single „Tuner“, veröffentlicht über das bandeigene Label Rock Action Records. Was zunächst als pragmatische DIY-Lösung gedacht war – die eigene Musik selbst herauszubringen – entwickelte sich über die Jahre zu einer festen Institution der unabhängigen britischen Szene. Mehr als 150 Veröffentlichungen sind inzwischen über Rock Action erschienen; Bands wie Arab Strap oder The Twilight Sad fanden hier ein Zuhause. Zum dreißigjährigen Jubiläum hat die Band nun ein neues Video zu „Tuner“ veröffentlicht – zusammengeschnitten aus bislang unveröffentlichtem Archivmaterial, das drei Jahrzehnte Bandgeschichte umfasst. Es zeigt junge Musiker in verrauchten Clubs, Tourbusse auf endlosen Straßen, und schließlich eine Band, die längst zu einer der prägendsten Stimmen des Post-Rock geworden ist. Auch wenn Mogwai selbst mit dieser Genrebezeichnung stets gefremdelt haben.

Elf Studioalben später ist ihr Sound unverwechselbar geblieben. Brachiale Gitarrenwände, fragile Elektronik, dazwischen Momente von fast schmerzlicher Schönheit. Spätestens mit dem Album „As The Love Continues“ erreichte die Band auch kommerzielle Höhen: Platz eins der britischen Charts, eine Nominierung für den Mercury Prize. Ihr jüngstes Werk, „The Bad Fire“, knüpft daran an und klingt zugleich rauer, unmittelbarer. Produzent John Congleton hat dem vertrauten Mogwai-Kosmos eine kantigere Oberfläche verpasst – Synthesizer blitzen wie Neonlichter auf, Gitarren kratzen und flirren, während sich die Stücke weiterhin mit der geduldigen Dramaturgie entfalten, die zum Markenzeichen der Band geworden ist.

Doch wer Mogwai wirklich verstehen will, muss sie live erleben. Ihre Konzerte gleichen physisch spürbaren Klangritualen, minutenlang schichten sich Gitarrenflächen übereinander, bis der Raum zu vibrieren beginnt. Dann plötzlich ein Moment der Ruhe, als würde jemand das Licht dimmen, bevor die nächste Welle anrollt. Kaum eine Band beherrscht diese Dynamik so meisterhaft. Nach einem Festivalsommer rund um den Globus gehen Mogwai im November 2026 erneut auf Europatournee. Auch Deutschland steht auf dem Plan: Am 06. November spielt die Band in der Hamburger Elbphilharmonie, drei Tage später im Theater des Westens in Berlin. Zwei Abende, an denen sich zeigen dürfte, warum diese Musik seit drei Jahrzehnten so viele Menschen in ihren Bann zieht.

Mit María José Llergo erwacht Flamenco zu neuem Leben – geboren aus andalusischem Schmerz und Widerstand, trifft er auf elektronische Beats, Soul und urbane Rhythmen. So erschafft sie einen Soundtrack für das 21. Jahrhundert, kraftvoll, verletzlich und grenzenlos.

Geboren 1994 im ländlichen Pozoblanco, Córdoba, wuchs Llergo mit den Liedern ihres Großvaters und der ungezähmten Natur Südspaniens auf. Von Anfang an war ihre Welt durchdrungen von der Romani-Kultur ihrer Familie – geprägt von Stolz, aber auch von den Wunden historischer Ausgrenzung. Mit 19 zog sie nach Barcelona, um an der renommierten Escola Superior de Música de Catalunya zu studieren. Dort lernte sie bei Großmeister José Miguel „Chiqui“ Vizcaya die Feinheiten des traditionellen Flamencos, dekonstruierte diesen aber schon bald, um ihn mit Einflüssen aus Gospel, Jazz und elektronischer Musik zu verbinden.

2018 machte sie mit ihrer Debütsingle „Niña de las Dunas“ erstmals auf sich aufmerksam. Ihre 2020 veröffentlichte erste EP „Sanación“ (Heilung) war ein Manifest der Transformation: intime, sphärische Klanglandschaften, die Schmerz und Verletzlichkeit in Poesie und Stärke verwandelten. Es folgten gefeierte Auftritte bei COLORS sowie ein Tiny Desk Concert und eine KEXP Session, die ihre Stimme weit über Spaniens Grenzen hinaus bekannt machten.

2023 erschien ihr Debütalbum „Ultrabelleza“, ein künstlerischer Befreiungsschlag und eine Liebeserklärung an die Schönheit und Vielfalt der Welt. Rolling Stone zählte es zu den besten spanischsprachigen Alben des Jahres, Pitchfork lobte es als „mutig, zärtlich und revolutionär“.

Llergo singt von patriarchalen Strukturen, queerer Zärtlichkeit, Kindheitsarmut, ihrer Identität als Romani-Frau in einem oft vorurteilsbehafteten Spanien. Es ist Musik als Selbstermächtigung, voller Spiritualität und Hoffnung.

Auf der Bühne vereint María José Llergo mühelos alle Facetten ihres Schaffens: flammende Intensität, intime Momente und eine Stimme, die mal flüstert, mal explodiert. Ihre Konzerte sind emotionale Reisen – tief verwurzelt im Flamenco und gleichzeitig offen für die ganze Welt. Im Herbst kommt María José Llergo für ein exklusives Konzert nach Berlin. Ein Abend zwischen Tradition und Avantgarde, Intimität und Ekstase. Ein Abend, den man nicht verpassen sollte.

María José Llergo is a standout voice in contemporary flamenco, blending traditional roots with modern, urban sounds. Born in rural Pozoblanco, Córdoba, her music is deeply emotional, honoring flamenco tradition while embracing new, innovative directions. In 2021, she recorded two sessions for A Colors Show: La Luz and Tu Piel.

Just a year later she became the face of a campaign for fashion brand Loewe alongside Rossy De Palma, establishing her status as a national flamenco icon. In 2024, she starred in a Tiny Desk Session, amassing over 388,000 views in just two months. Her latest album, Ultrabelleza , was selected by Rolling Stone as one of the 50 best Spanish-language albums of 2023.

Foto: tba

Zwölf Jahre sind es her, seit die kanadische Künstlerin Kiesza mit ihrem Hit „Hideaway“ Geschichte geschrieben hat. Der Deep-House-Track hat bis heute über eine Milliarde Streams gesammelt und für Kiesza schon früh in ihrer Karriere für den ganz großen Durchbruch gesorgt. Dabei sah es lange Zeit gar nicht danach aus, dass die aus Calgary, Kanada, stammende Künstlerin auf musikalischen Pfaden wandeln würde. Denn Kiesa Rae Ellestad, wie Kiesza mit bürgerlichem Namen heißt, startete bei der kanadischen Marine ins Erwachsenenleben. Weil die Musik sie aber nie so richtig losließ, studierte sie später am Berklee College in Boston – eine der renommiertesten Musikhochschulen weltweit – und kam so schließlich zum Songwriting. Spätestens mit der Veröffentlichung von „Hideaway“ im Jahr 2014 war klar, dass der neue Weg goldrichtig war. Ein Track, der nicht nur für seine gutgelaunten, treibenden Beats, sondern auch für das One- Shot-Musikvideo mehrfach hervorgehoben wurde. Noch im selben Jahr erschien das Debütalbum „Sound Of A Woman“, das weltweite Spitzenpositionen in den Charts erreichte und sich über eine Million Mal verkaufte. Danach folgte erstmal eine mehrjährige Schaffenspause, zu der Kiesza durch einen schweren Autounfall gezwungen wurde. Umso bemerkenswerter, dass die Kanadierin mit ihrem Comeback 2020 mit „Crave“ nicht nur wieder ein Album lieferte, das von der Kritik hochgelobt wurde, sondern auch eine gänzlich neue Vision für ihre Kunst an den Tag legte. Nämlich die Grenzen der Dance-Musik weiter vorantreiben und als weibliche Künstlerin in diesem Genre ein Zeichen setzen. So ruft Kiesza die Dance-Music-Reihe „Dancing and Crying“ ins Leben, von der bislang zwei EPs erschienen sind. Auch Volume 3 dieses Herzensprojekts der Sängerin ist schon in der Mache und wird am 8. Mai veröffentlicht. Bei all den Dance-Einflüssen in der Kunst von Kiesza ist es wohl nicht nötig zu erwähnen, dass die Live-Shows der Kanadierin einer Dance-Party entsprechen, die ihresgleichen sucht. Kurz nach Veröffentlichung ihrer „Dancing and Crying: Vol.3“ EP geht es für Kiesza auf Europatournee, mit der sie auch einen Stopp in Berlin macht.

Foto: Mark Cameron

Buffalo Tom, 1986 in Massachusetts gegründet, bestehen aus Bill Janovitz (Gitarre/Gesang), Chris Colbourn (Bass/Gesang) und Tom Maginnis (Schlagzeug). Die Band entstammt derselben überaus fruchtbaren Musikszene in Massachusetts, die auch Bands wie Dinosaur Jr., die Lemonheads, die Pixies und Belly hervorgebracht hat. Schnell erwarben sich Buffalo Tom mit ihrem besonderen, mitreißenden Gitarrensound, ihren eingängigen Melodien und emotionalen Texten einen weitreichenden Ruf.

Nach ihrem Debütalbum bei SST Records gelang dem Trio mit Alben wie „Let Me Come Over“, „Big Red Letter Day“ und „Sleepy Eyed“ bei Beggars Banquet Records der internationale Durchbruch. Diese Alben waren in den 1990er-Jahren feste Größen im Alternative-Rock-Radio und auf MTV. In fast vier Jahrzehnten hat sich Buffalo Tom stetig weiterentwickelt und zehn Alben veröffentlicht, darunter das 2024 erschienene „Jump Rope“. Dabei sind sie ihrem charakteristischen Mix aus poetischen Texten und kraftvollem, hymnischem Sound treu geblieben und zählen bis heute zu den beständigsten und weltweit angesehensten Indie-Rock-Bands.

Foto: Nick Delisi

Rostam is a GRAMMY® Award-winning songwriter, producer, and composer. One of the founding members of Vampire Weekend and producer of their first three albums, he has been described as one of the great pop and indie-rock producers of his generation, having produced for some of the most important artists of the last decade including Frank Ocean, Clairo, Charli XCX, Maggie Rogers, HAIM, Solange, Lykke Li, Santigold, Carly Rae Jepsen, Hamilton Leithauser and many others. In recent years, he has maintained an astonishingly varied and intensely busy career, releasing two critically acclaimed solo albums—2017’s Half-Light and 2020’s Changephobia—while also producing records for HAIM (2020’s Women in Music Pt. III, nominated for Album of the Year at the 63rd GRAMMY® Awards and 2025’s I quit, nominated for Best Rock Album at the 68th GRAMMY® Awards), Clairo (2019’s Immunity), Vagabon (2023’s Sorry I Haven’t Called), Leith Ross (2025’s I Can See the Future), and Georgia (2023’s Euphoric), as well as composing for film and television, including 2016’s The OA and 2023’s The Persian Version. This year, Rostam released his original version of Vampire Weekend’s beloved single “Campus”. His third studio album American Stories arrives on May 15. The album’s first single “Like a Spark” is out now.

Foto: Dominik Friess

Mit dem Release von zwei Tapes in 2024 wird der Welt klar, warum maïa eine der besten Beobachterinnen im Pengame ist. Doch jetzt ist maïa bereit, eine Facette von sich zu zeigen, wie sie noch niemand gesehen hat. Auf dem Weg zu ihrem Debütalbum, welches im März nächsten Jahres erscheinen wird, findet sie neue Stimmen und neue Einflüsse, die ihre Musik durchdringen wie Wellen. Grenzen zwischen Französischem Chanson und deutscher Sprache verschwimmen – Melodien legen sich auf straßenmusikerartige Instrumente, und werden ummantelt von harten Drums und schwebenden Harmonien. Doch maïa verliert ihren Kern nicht. Ihre Texte sind ganz genau, spielerisch und bleiben doch auch melancholisch. Es sind „Liebesbriefe“, so nennt maïa all das was sie schreibt, ob an einen Menschen, ein Gefühl oder an eine Erinnerung.

Bereits die erste Single des Albums „Aschenbecher“ zeigt, wohin die Reise geht. Zwischen Zärtlichkeit und flehendem Appell singt maïa die Worte aus sich raus, die einer verlorenen Liebe gewidmet sind. „Hinter Meiner Zunge“ heißt maïa’s kommende Album – und wer hinhört, der wird schnell merken: maïa’s neue Songs sind nie verschickte Liebesbriefe, die zwischen den Seiten ihres Notizbuches blieben. Sie schreibt, als würde sie sich erinnern und vergessen zugleich, ob Wirklichkeit oder Erinnerung bleibt ungeklärt, maïa bleibt nur stiller Beobachter. Zwischen französischer Leichtigkeit und deutscher Direktheit entsteht ein Sound, der vertraut wirkt und doch neu klingt. maïa öffnet Räume, in denen Verletzlichkeit kein Widerspruch zur Stärke ist. Und jedes Wort ein Echo, ein verlorener Liebesbrief.

Foto: Pedro Soler

Informed by internet culture, fashion, video games and the unbound energy of punk icons like the Sex Pistols and Fugazi as well as DIY hero Glaive, h3nce describes his sound as „hyper-rock“. Its scrim of high drama allows the 19-year-old to explore how ideas of identity are being mediated by an ever-changing world, playing out like an intimate diary set to an adrenaline rush. In the past year alone, he has garnered over 16 million streams while building an adoring cult following on platforms like Discord and Instagram, who revere h3nce for his emotional honesty. His debut EP WRITE IT ON YOUR FLAGS — six tracks produced by Leon Laguna — lives in a world between frozen Warsaw nights and rain-soaked London streets: rough, grey, and restless, but still reaching for light.

These songs lurch from chaos to intimacy, circling themes of losing yourself and watching friends slip away, yet always pushing toward defiance: pain turned into a white flag, meant to be carried together. h3nce’s commitment to creative courage has made him one of his generation’s most compelling new voices, unafraid to dismantle genre boundaries and rebuild them on his own terms. After a packed headline debut in Berlin — where fans lined up early and opened the pit from the first song — a support slot for Internet Girl, and a European run alongside scene-leader ThxSoMch, h3nce now returns to Europe for his most ambitious headline run to date: the VS. EUROPE TOUR. Joined on stage by drummer Noah Anderson, expect emotionally charged, high-energy shows that blur the line between screen and stage — a tour built for a generation raised online.

Das norwegische Sextett Kaizers Orchestra komponiert kathartische Rocksongs, die sich stark an die Melodien von Tin Pan Alley und osteuropäischer Volksmusik orientieren. Seit ihrem ersten Album im Jahr 2001 haben sie die norwegische Musikszene aufgewirbelt: Sie gewannen für die Veröffentlichung drei Preise, darunter einen norwegischen Grammy, erhielten gleichzeitig kritischen Beifall von der landesweiten Presse und kreierten dadurch das meistverkaufte Rock- Debüt, das jemals in norwegischer Sprache veröffentlicht wurde. Seitdem waren sie mit jedem Studioalbum die Nummer 1 in den norwegischen Album-Charts, hatten ausverkaufte Shows, gewannen drei weitere norwegische Grammys (für Musikvideos, Rock, Künstler des Jahres) und hatten mit zahlreichen Tourneen kommerziellen Erfolg in Europa und Festivalauftritte, wie zum Beispiel ihr dreimaliger Auftritt auf der Hauptbühne von Roskilde. Die Band erlebt gerade in Norwegen einen neuen unerwarteten Aufstieg in den Charts, nachdem eine neue Generation von Fans auf TikTok ihre Single „Hjerteknuser“ (2010) für sich entdeckt und gepostet hat. Nach einer zehnjährigen Pause ist die Band nun wieder zusammengekommen.

As part of their return to the stage, Norwegian alt-rock band Kaizers Orchestra head out on an extensive European tour in October 2026. Since the release of their landmark debut Ompa til du dør in 2001, Kaizers Orchestra has built a cult fan following across the globe. Emerging from The Resistance a quarter of a century ago, the band seamlesslyblend rock energy with theatrical cabaret and avant-garde percussion. They have built a reputation for themselves as one of the most electrifying live acts in the world, with fans screaming back their Norwegian lyrics (even if they don’t speak the language!). Kaizers Orchestra’s run of dates across the continent this October marks the culmination of their highly anticipated comeback tour. The tour celebrates the band’s 25 year legacy, with a setlist spanning the entirety of their illustrious career to date. The band invites The Kaizer Family across Europe to join them for what promises to be the most ambitious tour of their career.

Die Situation in Rojava / Nord- und Ostsyrien hat sich zuletzt erneut dramatisch zugespitzt: zivile Infrastruktur wird angegriffen, Städte belagert, Fluchtwege blockiert. Trotz eines kürzlich geschlossenen Waffenstillstandsabkommens bleibt die Lage äußerst fragil. Besonders betroffen sind Kurden, Frauen und religiöse Minderheiten und damit genau jene Errungenschaften, für die Rojava in den letzten Jahren stand: demokratische Selbstverwaltung, Gleichberechtigung und Solidarität.

„Berlin für Rojava“ ist eine zivilgesellschaftliche Initiative, die Spenden für die humanitäre Versorgung der Zivilbevölkerung dort sammelt. Alle gesammelten Spenden werden über medico international für die Arbeit von lokalen Partnerorganisationen, wie dem Kurdischen Roten Halbmond, eingesetzt. Sie kümmern sich um die medizinische Notversorgung von Vertriebenen, Ausstattung von Notunterkünften und die Dokumentation von Menschenrechtsverbrechen.

Unser gemeinsames Ziel ist es, mindestens 100.000 Euro an Spenden zu sammeln. Gleichzeitig wollen wir mit dem Abend ein klares Zeichen setzen: Kultur als Stimme. Musik als Verantwortung. Solidarität als konkrete Handlung.

„Berlin für Rojava“ steht für Zusammenhalt und Menschlichkeit und möchte durch Musik verbinden, einen Raum für Anteilnahme und Engagement schaffen und gemeinsam ein deutliches Zeichen gegen Unterdrückung setzen.

Die Initiative lehnt jede Form von Diskriminierung entschieden ab, ob aufgrund von Herkunft, Geschlecht, Identität, Religion, politischer Überzeugung oder sexueller Orientierung – und distanziert sich klar von allen militanten Gruppen und Institutionen.

Spendeninfos: medico.de/spenden/berlin-fuer-rojava

Als im Jahr 2019 beim belgischen Nachwuchswettbewerb ein Gitarrist krankheitsbedingt ausfiel, sprang Amber Piddington kurzerhand ein. Was als Notlösung begann, wurde zur Initialzündung für Kids With Buns – jenes Duo, das heute zu den spannendsten Indie-Stimmen Europas zählt. Marie Van Uytvanck und Amber Piddington tauften sich nach dem Song „Kids With Guns“ der Gorillaz und fanden in der Reduktion ihre Kraft: zwei Gitarren, eine ungewöhnlich tiefe Stimme, Texte, die nicht ausweichen.

Frühe Singles wie „Bad Grades“ und „1712“ machten rasch die Runde, der Sieg bei „De Nieuwe Lichting“ von Studio Brussel 2021 katapultierte sie ins Rampenlicht. „Bad Grades“ kletterte an die Spitze der Radiocharts und sammelte Millionen Streams. Doch Zahlen erzählen nur die halbe Geschichte. Entscheidend ist, wie diese Lieder klingen: wie leise Geständnisse im Halbdunkeln eines Jugendzimmers und zugleich wie Hymnen für jene, die sich „out of place“ fühlen.

Mit dem Debütalbum „Out of Place“ verschob sich der Fokus. Wo früher Bedroom-Pop flüsterte, dröhnt nun Indie-Rock. Inspiriert von Nick Drake, Ben Howard und der kompromisslosen Offenheit von Girl in Red, wagen Kids With Buns den Schritt ins Lautere. Seit sie von einer festen Band begleitet werden, mit Stijn Konings am Bass und Dajo Vlaeminckx am Schlagzeug, haben ihre Songs auf der Bühne ein neues Gewicht bekommen. „Wir wollten mehr rocken“, sagt Amber. Und tatsächlich: Stücke wie „Nothing New“ oder „The Balance“ tragen eine Wucht, die live erst ihre volle Dringlichkeit entfaltet.

Wer eines ihrer Konzerte erlebt, spürt, dass es hier nicht um Pose geht. Es geht um Teenage-Angst, um queeres Aufwachsen in einer oft noch homophoben Umwelt, um das Gefühl, Erwartungen nicht zu genügen. Nach Shows erzählen junge Fans von Trost und Halt. Vielleicht liegt darin das Geheimnis dieses Duos: Sie romantisieren nichts. Sie sagen, dass das Erwachsenwerden manchmal schlicht weh tut und dass genau darin eine eigentümliche Schönheit liegt. Im Herbst 2026 kommen Kids With Buns nach Berlin. Eine gute Gelegenheit, sich von diesen „sad bangers“ live durchrütteln zu lassen.

Wahnsinn! Schon 20 Jahre gibt es Kein Bock auf Nazis. Das wollen wir mit euch feiern! Wir laden ein zum großen Fest des Widerstands in die Berliner Columbiahalle. Nachmittags buntes Familienfest, abends großes Konzert. Wer alles spielen wird? Das verraten wir noch nicht. Aber ihr kennt uns. Ihr wisst mit was für Bands wir immer zusammenarbeiten. Wir können nur empfehlen, sehr schnell Karten zu holen 😁 – es gibt nur 3500 Tickets. Dann ist Schluss.

(Das Familienfest am Nachmittag – ab 14 Uhr auf dem Hof – ist kostenlos. Für das Konzert abends braucht ihr ein Ticket.)

20 Jahre „Kein Bock Auf Nazis“ – Das große Fest!

In a world gone mad it’s hard to think right

Eine Drohne schlägt in einen Unterstand ein, verrauschte Bilder zeigen die letzten Sekunden eines Soldaten, unterlegt von kämpferischer Phonk-Musik. Schnitt. Ein Rapper hält seinen ersten, eigenen Eistee in die Kamera und grinst. Schnitt. Eine nächtliche Großstadt, grünstichig. Hell und klar hebt sich der Schweif einer Rakete ab, die in ein Hochhaus einschlägt, man hört die Detonation, Alarmsirenen und aufgeregtes Hundegebell. Ein etablierter Indiepop-Artist singt seinen bekanntesten Song, die Kamera schwenkt, auf einmal kommt der Crazy Frog ins Bild, gut gelaunt und nur mit seiner prägnanten weste bekleidet. Er legt den Arm um den bekannten Sänger und beide stimmen den Refrain ihres neuen, gemeinsamen Songs ein. Schnitt. Schnitt. Schnitt.

Das neue Album von Grim104,„No Country For Old Grim“, ist eine irrwitzige, finstere Collage aus all diesen Bildern, die in den letzten Jahren sowohl das Weltgeschehen als auch unser persönliches Empfinden beeinflusst haben:

Mit den Kriegen und Gräueln der letzten Jahre hat sich die relative Gemütlichkeit der Zehnerjahre endgültig aufgelöst, das Gefühl von politischer und wirtschaftlicher Sicherheit ist in den letzten Jahren erodiert. Und auch im Nahbereich beginnen die Dinge zu rutschen: Die „Arm, Aber Sexy“-Utopie von Berlin ist ausgeträumt und eine obskure, neue Klassengesellschaft ist entstanden – die, die den Smoothie bestellen und die, die den Smoothie in einem kaputten Mitsubishi Colt liefern. Dazwischen all die Überlegungen, die man sich als Mittdreißiger macht, wenn man es nicht mehr in die Smoothie-Klasse geschafft hat: Oder doch nochmal was Richtiges machen? Oder doch noch mal wegziehen? Oder nicht?

Diesen Tanz auf Messers Schneide bringt Grim104 ab April 2026 auch auf die Bühne. In 10 Städten entladen sich Wut und Ekstase in einer energetischen, rohen Live-Show, in der immer wieder melancholische und irrwitzige Lichter aufblitzen. Wer die Konzerte der vergangenen Touren besucht hat, weiß dass Grim104 sein Publikum auch mit diesem Album zum Toben bringen wird – und wer zum ersten Mal vorbeischaut, kann sich auf einen denkwürdigen Konzert-Abend freuen.

Foto: Stu Larsen

In einer unermüdlichen und rastlosen Welt machte sich der australische Singer-Songwriter Stu Larsen auf die Suche nach Stille und innerer Einkehr – in einigen der abgelegensten Winkel unseres Planeten. Einsamkeit bedeutet für ihn nicht, dem Leben zu entfliehen, sondern es bewusst zu verlangsamen, um es wieder klarer wahrnehmen zu können. Genau aus dieser Haltung heraus entstand „Solitude“: Zwölf Songs, geschrieben über zwölf Monate hinweg, aufgenommen an zwölf verschiedenen Orten rund um den Globus. Ausgestattet mit nichts weiter als einer Gitarre, einigen Kameras und minimalem Recording-Equipment begab sich Larsen auf eine einjährige Reise ins Unbekannte. Im Verlauf dieses außergewöhnlichen Projekts entdeckte er erneut, wie viel Magie darin liegt, sich vollständig von der permanent vernetzten Welt zu lösen. Wenn äußere Ablenkungen verstummen, entsteht Raum für Gedanken und Emotionen, für ehrliche Texte und reduzierte Arrangements.

„Solitude“ steht für authentisches Storytelling, für Bilder eines entschleunigten Lebens und für die Sehnsucht nach Weite und Verbindung. Songs wie „Solitude“ spiegeln genau diese Atmosphäre wieder: leise, eindringlich und getragen von Larsens warmer, klarer Stimme. Stu Larsen, der ursprünglich aus Dalby in Queensland stammt, hat sich über Jahre hinweg vor allem durch intensives Touring eine internationale Fanbase erspielt. Als langjähriger Wegbegleiter von Passenger stand er bereits auf großen Bühnen in Europa und Nordamerika und gewann insbesondere in Deutschland eine treue Anhängerschaft. Seine Konzerte sind keine lauten Spektakel, sondern besondere Zuhörmomente, in denen Geschichten, Melodien und Stille gleichermaßen ihren Platz finden. Wer sich nach einem Moment der Ruhe inmitten einer lauten Welt sehnt, sollte sich diesen intimen Abend voller Ruhe, Tiefe und erzählerischer Kraft nicht entgehen lassen!

Foto: Nicholas O Donnell

After touring their 2023 debut *Exit Strategy*, Galway-born, London-based quartet The Clockworks closed a defining chapter. The move to London led to work with Bernard Butler and support tours with Pixies and Johnny Marr. Back in the writing room, they shifted focus outward, addressing social alienation driven by modern technology. Their second album, *The Entertainment*, formed quickly with a clear identity. The band call it a “work of friction,” built on tension and contrast. Unlike the fast, collaborative process of the debut, this record was produced by Sean Connelly and recorded in isolation over months. Each member tracked parts separately, later assembling them to heighten tension—mirroring the album’s themes.

The sound expands beyond guitar rock to include piano, synths, strings, and experimental textures. Influences range from Little Simz to Ennio Morricone. Cinematic references shape the mood, with nods to La Dolce Vita and critiques of Big Tech framed through The Magnificent Seven. Production choices reinforce the concept: dense, manipulated openings contrast with raw live takes left unpolished. The artwork echoes a vintage cinema image, underscoring the album’s central duality—technology’s spectacle versus real human connection. With their second, The Clockworks are highlighting that duality but they’re also offering a tangible reason to support the alternative: a group of mates, making music to get you off a screen and into the world. That, after all, is really entertainment.

Der Durchbruch gelang Davina Michelle 2017, als ihr Cover von P!NKs „What About Us“ viral ging. P!NK selbst adelte die Interpretation mit den Worten: „Now I know how it’s supposed to sound.“ Kurz darauf stellte Davina mit „Duurt Te Lang“ einen historischen Rekord in den niederländischen Top 40 auf: elf Wochen in Folge auf Platz Eins, fünffach Platin und der Titel als erfolgreichste Künstlerin in der Geschichte der niederländischen Top 40. Seither folgten zahlreiche Hits wie „Skyward“, „Better Now“ und „Beat Me“, der offizielle Song des Formel- 1-Grand-Prix in Zandvoort. Mit der emotionalen Nummer-Eins-Single „17 Miljoen Mensen“ wurde sie während der Pandemie zur Stimme eines ganzen Landes. Ihr Debütalbum „My Own World“ (2020) erreichte Goldstatus, der gefeierte Nachfolger „Higher“ (2024) knüpfte daran an und brachte unter anderem „Heartbeat“, „I SAID NO SIR“ sowie die Zusammenarbeit mit Armin van Buuren „Hold On“ hervor.

Live hat sich Davina Michelle als einer der eindrucksvollsten Acts Europas etabliert. Zwei ausverkaufte Konzerte in der Rotterdamer Ahoy Arena, Auftritte bei Festivals wie Pinkpop und ein Millionenpublikum beim Eurovision Song Contest 2021 – als Intervall-Act mit dem Track „Sweet Water“ – unterstreichen ihre enorme Strahlkraft.

International stand sie als Special Guest mit Maroon 5 in Lissabon und Berlin auf der Bühne und supportete Robbie Williams sowie P!NK, unter anderem vor 50.000 Menschen auf dem Malieveld in Den Haag. Mit der „Higher Tour“ erweiterte sie 2024/2025 ihren Radius auf zahlreiche europäische Länder. Im Herbst 2025 schlug Davina Michelle mit dem Song „What A Woman“ ein neues Kapitel auf. Damit lieferte sie eine kraftvolle Hymne über Stärke und Selbstbewusstsein, die europaweit im Radio lief und sie unter anderem zu „The Voice of Poland“ führte.

Neben der neuen Single „Still Champagne“ ist nun ihre Europatournee für Herbst 2026 angekündigt. Wenn die Musikerin im November nach Berlin kommt, dürfen sich Fans auf eine energiegeladene Show, große Emotionen und eine Stimme freuen, die unter die Haut geht. Mit spektakulärer Live-Energie und einer beeindruckenden Hitdichte verspricht die niederländische Ausnahmekünstlerin Abende, die eindrucksvoll zeigen, warum ihr Heimatland längst nicht mehr groß genug für ihr Talent ist.

Foto: Charlie Rees

Elton John als Fan im Rücken, Support für Acts wie Joy Crookes oder Nora Jones und von Publikum wie Kritik als eine der spannendsten neuen Stimmen Großbritanniens gehandelt – Nectar Woode hat sowas wie einen Senkrechtstart in der Musikwelt hingelegt. Und das ist kein Wunder: Denn wenn die britisch-ghanaische Soulsängerin die Bühne betritt, ist es so, als würde sich eine lange, warme Umarmung über das Publikum ausbreiten. Die positive Energie und Leichtfüßigkeit, die von der glockenhellen, lebensbejahenden Stimme der Sängerin ausgeht, ist förmlich ansteckend und gibt dem Retro-Pop/Soul- Entwurf von Nectar Woode eine persönliche, freundschaftliche Note. Mit ihrem Umzug in die britische Hauptstadt London aus Studienzwecken hat Nectar mittels Open-Mic-Abenden und kleineren Bandprojekten langsam, aber sicher ihren Weg in die Musikwelt gefunden. 2021 begann die Britin dann, vereinzelnd Singles zu veröffentlichen. Die in der Regel selbstproduzierten, geschriebenen und gesungenen Stücke fanden schnell Anklang. Mit dem 2023 veröffentlichten Song „Good Vibrations“ kam dann der erste größere Durchbruch, in dessen Zuge sich unter anderem Musiklegende Elton John in seiner Sendung Rocket Hour als Fan outete und Nectar Woode mit Sängerin Nina Simone verglich. Neben dem einnehmenden Sound sind es von Beginn an vor allem die Inhalte, welche Nectars Musik so besonders machen. Themen wie Herkunft, Identität und Selbstfindung werden vor dem Hintergrund der britisch-ghanaischen Wurzeln der Sängerin behandelt und in der jüngsten EP „it’s like i never left“ an Erfahrungen einer Reise nach Ghana gekoppelt, die Nectar Woode unternommen hat. Auch neben ihrer eigenen Musik setzt sich Nectar als Radiomoderatorin bei der renommierten Plattform Women in Jazz im Übrigen für weibliche und nicht-binäre Soulstimmen ein. Sie selbst gilt als eine der aufstrebendsten Künstler ihres Genres, deren bisherige Single- und EP- Veröffentlichungen Großes erahnen lassen. Ebenso die renommierten Live-Auftritte, die Nectar Woode in ihrer jungen Karriere bereits vorweisen kann: Vom Great Escape Festival bis hin zum legendären Glastonbury hat die Sängerin bereits Slots gespielt. Höchste Zeit also auch für Solokonzerte, mit denen Nectar Woode uns bereits Ende Mai bereichern wird. Für einen Stopp kommt die Soulsängerin dafür auch nach Deutschland ins Berliner Mikropol.

Portugal. The Man erreichte 2017 mit der Veröffentlichung ihres mittlerweile mit Platin ausgezeichneten Albums „Woodstock“ neue Höhen. Das Album war geprägt vom überwältigenden Erfolg ihrer mitreißenden Single „Feel It Still“, die der Gruppe einen Grammy für die „Beste Pop-Duo/Gruppen- Performance“, siebenfache RIAA-Platin-Auszeichnung, einen rekordverdächtigen 20-wöchigen Platz 1-Platz im Alternative-Radio und eine unausweichliche Präsenz in den Top 40 einbrachte. Die Single wurde beeindruckende 1.5 Milliarden-mal auf Spotify gestreamt.

Neben ihrer unzähligen musikalischen Erfolge ist die Band für ihren langjährigen Einsatz im Bereich soziale Gerechtigkeit bekannt. Genau an dieser Schnittstelle glänzt Portugal. The Man. Im Laufe ihrer Karriere hat die Band stets beispielhaft gezeigt, wie sich Kunst und Aktivismus miteinander vereinen lassen. 2020 gründen sie die Pass The Mic Foundation, deren Fokus auf universellen Themen wie Menschenrechten, der Gesundheit und Umweltschutz liegt. Der Schwerpunkt ist dabei auf Anliegen, die indigene Völker direkt betreffen. Die Band engagiert sich außerdem dafür, das Bewusstsein für die DHDDS-Community zu schärfen,

Betroffene von einer seltenen Genmutation. Hier sammeln sie durch die Kampagne „Frances Changed My Life wichtige Gelder für die Forschung. Die Kampagne wurde zu Ehren von Gourleys Tochter Frances ins Leben gerufen und zielt darauf ab, von DHDDS betroffene Familien zu unterstützen. In den letzten Jahren hat die Band über eine Million Dollar für beide Wohltätigkeitsorganisationen gesammelt und gespendet.

Portugal. The Man kooperieren außerdem mit zahlreichen weiteren Organisationen wie der National Coalition Against Censorship, The Skatepark Project (Unterstützung von Gemeinden beim Bau öffentlicher Skateparks für Jugendliche in unterversorgten Gemeinden), March for Our Lives (Waffenreform), Keep Oregon Well (Psychische Gesundheit) und Protect Our Winters (Klimawandel), um nur einige zu nennen. 2022 setzte die Band ihre Leidenschaft für Aktivismus fort, als sie die Initiative NIGHT OUT ins Leben rief, die Fans mit Behinderungen unterstützt.

Neben ihrem sozialen Engagement vergessen Portugal. The Man ihre Musik nicht. Die Anfang September veröffentliche Single ‚Denali‘ ist der erste Vorbote des kommenden Albums, das erste seit 2023, inklusive Welttournee.

Foto: Gideon Rothmann

Liedfett stehen für Musik, die verbindet: eine wilde Mischung aus poetischen Texten, packenden Melodien und einem Sound, der sich nicht festlegen lässt – irgendwo zwischen Punk, Pop, Indie und Songwriter-Soul. Egal, ob in intimen Clubs oder vor großem Publikum, sie schaffen es, jeden Saal in einen vibrierenden Ort der Freude zu verwandeln, wo Euphorie und Ekstase garantiert sind. Wo Liedfett spielt, wird nicht nur getanzt, sondern das Leben gefeiert.

Die Hamburger Ausnahmeband bringt ein musikalisches Feuerwerk auf die Bühne, das weit über Konventionen hinausgeht – ehrlich, kraftvoll und immer mit dem Herzen am richtigen Fleck. Ihre Lieder sind wie Anker im Chaos – voller Optimismus und Lebenslust, mit einem Augenzwinkern und der unerschütterlichen Überzeugung, dass die kleinen Momente der Freude manchmal alles verändern können. Liedfett beweisen: Musik kann Herzen öffnen und die Realität für einen Abend auf Pause setzen.

Foto: Iris Chia

Kimmortal is renowned for their highly conceptual genre-bending musical explorations and lyrical intricacies. The queer, non-binary, filipinx artist flows between singing and rapping; their signature subversive gusto only complemented with a down-to-earth, human vulnerability. Their 3rd album “Shoebox” (2023) expresses the journey of healing intergenerational trauma and celebrating the 2SLGBTQ+ community – “Sunniest of Days” EP (2025), processes both personal and collective grief while exploring the strangeness of being human. The EP sat on the earshot! national hip hop charts for 13 weeks, spending 8 weeks at #1, in addition to 10 weeks on the national Top 50 charts with 5 weeks in the Top 20. Kimmortal won the 2025 Leo Award for Best Original Composition for their work in CBC’s Animal Pride and is the lyricist and voice behind the theme song for The Unstoppable Jenny Garcia. Their music has been featured widely, with the single This Dyke appearing in The L Word: Generation Q and On My Way in Apex Legends. They also contributed original music to the TV series Sort Of (HBO, CBC) and are currently writing for another series (TBA). Their music video Blue and Orange, directed by Aya Garcia and co-written with Tin Lorica, won Best Music Video at the 2024 Disorient Asian American Film Festival. On stage, Kimmortal has performed alongside Thundercat, Saul Williams, Ruby Ibarra, Superknova, Saba, Shad K, and more.

Foto: Svenja

Mit der „Die schönste Tragödie“-Tour schlägt Serpentin ein neues Kapitel ihres musikalischen Kosmos auf. Nach der energiegeladenen „Blutrote Sonne“-Tour, die im Herbst 2024 ausverkaufte Clubs füllte und sich in das Gedächtnis eines wachsenden Publikums brannte, kehrt die Künstlerin nun mit einer neuen Intensität zurück – roher, aufrichtiger und näher an sich selbst als je zuvor. Mit der begleitenden EP „Die schönste Tragödie“ erscheint neue Musik, die Serpentins Schaffen auf eindringliche Weise fortschreibt – verletzlich und kompromisslos zugleich. In den Monaten bis zur Tour wird sie weitere Songs veröffentlichen, die diesen inneren Bogen weiter spannen: vom Chaos zur Klarheit, von der Schwere zur Katharsis.

Serpentins Musik ist kein bloßes Stilbekenntnis, sondern ein seelischer Prozess: elektronische Klanggewalten und fragile Melancholie verschmelzen zu einem kathartischen Strom, der Körper und Inneres zugleich erfasst. Ihre Konzerte sind Rituale der Befreiung – Orte, an denen man seine Widersprüche nicht ablegt, sondern sie in Bewegung verwandelt. Hier wird Zerrissenheit zum Takt, Schmerz zu Energie, Verletzlichkeit zu etwas Feierbarem. „Die schönste Tragödie“ ist weniger eine Tour als eine Erfahrung: ein Tanz auf der Schwelle zwischen Kontrollverlust und Erlösung. Serpentin lädt ihr Publikum ein, sich mit ihr in dieses Spannungsfeld zu begeben – dorthin, wo das Chaos plötzlich Sinn ergibt und wo Schönheit entsteht, weil nichts mehr versteckt werden muss

Ein Abend mit Serpentin ist kein bloßes Konzert. Es ist das, was bleibt, wenn die Musik längst verklungen ist – ein Gefühl von Freiheit.

Sängerin, Songwriterin, Produzentin, aber auch Comic- Autorin, Illustratorin und DJane – es gibt kaum eine kreative Sparte, welche die kanadische Multiinstrumentalistin Valerie Anne Poxleitner, besser bekannt als Lights, nicht bespielt. Sie lässt sich nicht in eine Schublade stecken, weder kreativ noch was ihre Profession angeht – eine Vielfalt, die sich auch und vor allem im reichhaltigen Sound der Kanadierin widerspiegelt. Von ihrer selbstbetitelten Debüt-EP aus 2008 an kombiniert Lights in ihren Tracks kompromisslos Elemente des Pop, Dance, Indie, Electro und auch Rock. Eine Mischung, die eine enorme Intensität und Eindringlichkeit verbindet. Ein Jahr später folgte nicht nur der Juno Award als „Beste Neue Künstlerin“, sondern auch das Debütalbum „The Listening“, ein Synth-Pop-Werk, das mit persönlichem Songwriting überzeugt. Sechs weitere Alben sind über die Jahre erschienen – Longplayer, die mit kreativen Ansätzen und teils unkonventionellen Umsetzungen überzeugten, darunter das 2017 erschienene Werk „Skin & Earth“, in dessen Begleitung eine gleichnamige Graphic-Novel-Serie erschien. Das aktuelle Werk „A6EXTENDED“ wird Ende Januar dieses Jahres veröffentlicht und ist eine Erweiterung des im vergangenen Jahr erschienenen „A6“. Das musikalische Talent von Lights schlägt sich übrigens nicht nur in den eigenen Releases, sondern auch in den vielen Zusammenarbeiten nieder. Von Steve Aoki über Travis Barker bis hin zu Linkin Park hat Lights bereits mit vielen namhaften Artists kollaboriert – und ihr eigenes musikalisches Repertoire, das mittlerweile über 100 Millionen Streams verzeichnet, so zeitgleich geschärft und bereichert. Das zeigt sich auf „A6EXTENDED“ beispiellos. Die Deluxe-Version mischt 80er-Jahre Retro-Pop-Klänge und eingängige Melodien in den Lights-typischen Synth-Sound und ergänzt das Original mit acht zusätzlichen Tracks. Mehr als genug Material also, um eine Welttournee damit zu füllen – und genau das hat Lights in diesem Jahr vor. Bereits im Mai kommt die Kanadierin mit ihrer „Come Get Your Girl“-Tour nach Europa und macht auch für drei Termine in Deutschland Halt.

Das Duo aus Wien und Linz erschafft eine eigenständige Klangwelt, in der sich Post-Punk, Neue Neue Deutsche Welle, Pop, New Wave und Punk auf organische Weise verbinden. Ihre Musik lebt von Kontrasten und schafft es, zwischen Härte und Zerbrechlichkeit eine spannende Balance zu halten. Gitarren, Drum Machines und Synthesizer verschmelzen zu einem dichten, druckvollen Sound, der unmittelbar berührt und gleichzeitig zum Tanzen einlädt.

ENDE singen von kaputten Beziehungen, wütenden Nächten und versteckten Fluchten. Ihre Songs erzählen Geschichten von Menschen, die müde sind, die verschwinden wollen oder zu zweit allein bleiben. Es geht um Schatten, Signale, Angst und Sehnsucht. Die Sprache bleibt reduziert und direkt, ohne Pathos, aber voller Gefühl.

Live wird aus dem Duo eine vierköpfige Band. Auf der Bühne entfalten die Songs eine neue Dynamik – etwas verspielter, roher und noch energetischer. Konzerte von ENDE sind intensiv, laut, schweißtreibend und gleichzeitig verbindend. Sie erreichten Top-Platzierungen in den FM4-Charts. Das mediale Echo wuchs ebenso wie eine stetig größer werdende Fangemeinde, die den eigenständigen Stil der Band schätzt. ENDE stehen für einen Sound, der sich nicht anbiedert und trotzdem hängen bleibt, für eine Haltung, die unbequem sein darf, und für Musik, die Raum für Wut, Trauer und Hoffnung schafft.

Wiener Frust als Zuflucht für alle, die fühlen und doch ein bisschen hoffen wollen. Gemeinsam gegen den Strom. Das Warten hat ein Ende.

Foto: Bahng Entertainment

Zwischen Bedroom-Pop und weltumspannender Bühne bewegt sich die Musik von Hannah Bahng mit einer erstaunlichen Selbstverständlichkeit. Die australische Künstlerin mit koreanischen Wurzeln gehört zu jener Generation junger Popmusiker, die nicht mehr zwischen Authentizität und Inszenierung wählen müssen, weil sie beides zugleich sind. Ihre Songs wirken wie Tagebucheinträge, direkt und verletzlich, zugleich aber präzise gebaut und klanglich bis ins Detail durchdacht. Dass sie nahezu jeden Schritt ihres kreativen Prozesses selbst steuert, vom Songwriting bis zur visuellen Erzählung, verleiht ihrem Werk eine beeindruckende Geschlossenheit.

Schon früh begann ihre musikalische Reise am Klavier, ermutigt von der Mutter, doch erst das eigene Schreiben eröffnete ihr eine künstlerische Stimme. Über Vlogs und Coverversionen auf YouTube baute sie sich ab 2021 eine Community auf, ohne großes Label, aber mit einem klaren Gespür für Nähe und Ehrlichkeit. Mit Singles wie „perfect blues“ und der dunkleren B-Seite „OLeander“ zeigte Bahng früh eine Handschrift, die zwischen Melancholie und Dringlichkeit pendelt. Ihr Debütprojekt „The Abysmal EP“ legte 2024 den Grundstein für eine Karriere, die heute längst über Social-Media-Phänomene hinausgewachsen ist.

Mit dem Nachfolger „The Misunderstood EP“ (2025) schärfte sie ihr Profil weiter: eine vielschichtige Reflexion über Identität, emotionale Reife und die stille Kraft, sich selbst zu definieren. Das Projekt landete auf einer Bestenliste des Rolling Stone und machte endgültig deutlich, dass hier eine Stimme heranwächst, die mehr will als Streamingzahlen. Kritiken von Teen Vogue bis zur internationalen Musikpresse vergleichen Hannah Bahng bereits mit Künstler wie Billie Eilish oder Conan Gray – nicht wegen stilistischer Kopien, sondern wegen der kompromisslosen Offenheit ihrer Texte.

Die Bühne ist dabei längst kein Nebenraum mehr, sondern zentraler Bestandteil von Hannah Bahngs künstlerischer Identität. Wer die Musikerin live erlebt, spürt sofort diese Mischung aus spielerischer Leichtigkeit und emotionaler Intensität. Bei Konzerten interagiert sie mit dem Publikum, macht Witze, fordert Fans zu Rubik’s-Cube-Duellen heraus, und schafft es gleichzeitig, in stillen Momenten eine beinahe intime Atmosphäre zu erzeugen. Die erste Headline-Tour war binnen Minuten ausverkauft und der Rolling Stone führte sie beim 2025 SXSW-Showcase als Zukunftsversprechen der Popmusik. Die aktuelle „Misunderstood World Tour“ bringt ihr atmosphärisches Live-Set in größere Hallen rund um den Globus und zeigt, wie stark ihre Musik in kollektiver Erfahrung funktioniert: als gemeinsames Innehalten, als leiser Widerstand gegen Oberflächlichkeit. Und so wächst die Geschichte von Hannah Bahng weiter: leise, selbstbestimmt, international. Im April kommt sie nach Berlin und wird dort erneut zeigen, warum sie derzeit als eine der spannendsten neuen Stimmen des Alt-Pop gilt.

Foto: Giulia McGauran

Es gibt Stimmen, die sich in den Gehörgängen festsetzen, weil sie nicht glatt sind, sondern Ecken haben. Stimmen, die erzählen, bevor sie Worte formen. Tash Sultana besitzt eine solche Stimme. Warm und rau, verletzlich und gleichzeitig voller Kraft. Dazu eine Virtuosität, die selten geworden ist: Gitarre, Bass, Saxofon, Percussion – kaum ein Instrument, das Tash nicht beherrscht. Und doch ist Tash Sultana niemand, der sich mit technischer Perfektion zufriedengibt. Alles an der Musik ist Gefühl, Spontaneität, Freiheit.

Seit fast einem Jahrzehnt begeistert Tash Sultana, aus Melbourne stammend, ein weltweites Publikum. Über eine Milliarde Streams, Headliner-Slots bei großen Festivals, ausverkaufte Arenen: Tash gehört zu den einflussreichsten Artists Australiens– ohne sich jemals an Genregrenzen zu halten. Folk trifft auf Funk, Reggae auf Jazz, elektronische Beats auf soulige Melodien. Ein Kaleidoskop an Klangfarben, das Tash mit einer einzigen Loopstation und grenzenloser Kreativität erschafft.

Mit „Return to the Roots“ schlägt Tash Sultana nun ein neues Kapitel auf. Das jüngst erschienene EP-Projekt ist ein Bekenntnis zur Reduktion: roh, ehrlich, introspektiv. Sechs Songs, die sich um Selbstfindung, mentale Gesundheit und die stille Kraft der Authentizität drehen. Es ist ein Werk, das zurückblickt, um nach vorn zu gehen – eine Hommage an die frühen Tage des Loopings, gepaart mit der Reife von zehn Jahren Bühnenerfahrung.

Wer Tash Sultana schon einmal live erlebt hat, weiß, dass hier keine gewöhnlichen Konzerte stattfinden. Da steht eine einzelne Person im Licht, umringt von Instrumenten, und erschafft Klangwelten, die klingen wie ein ganzer Kosmos. Mit atemberaubender Präzision baut Tash Loops, Schicht um Schicht, bis sich ein Song wie ein lebendiger Organismus erhebt. Und dann dieser Moment, wenn Stimme und Melodie alles durchdringen – roh, direkt, unverkennbar.

Nun kommt Tash endlich zurück nach Europa. Fan-Favoriten, neue Songs, ein radikal überarbeitetes Bühnendesign. Diese Shows werden nicht nur Konzerte sein, sondern Erlebnisse. Wer verstehen will, was musikalische Freiheit bedeutet, sollte sich diese Gelegenheit nicht entgehen lassen. Denn wenn Tash Sultana spielt, dann geschieht genau das, was große Kunst ausmacht: Sie entzieht sich jeder Erklärung – und lässt einen einfach fühlen.

Foto: Tom Jackson

Mit More, ihrem ersten neuen Album seit We Love Life (2001), meldeten sich Pulp 2025 eindrucksvoll zurück. Das bei Rough Trade Records erschienene Werk entstand aus der erneuten Nähe zur Bühne – und aus dem Gefühl, dass diese Band noch etwas zu sagen hat. Produziert von James Ford (Arctic Monkeys, Fontaines D.C.), verbindet More die unverwechselbare Eleganz, den Witz und die Melancholie von Pulp mit hymnischen Arrangements, Streichern und großer emotionaler Offenheit.

Die erste Single „Spike Island“ ist eine Hommage an einen Mythos der britischen Popgeschichte und zugleich ein Song über Erinnerung, Projektion und das Weiterleben von Ideen.

In nur drei intensiven Wochen in London aufgenommen, ist More ein zutiefst menschliches Album – bewusst ohne künstliche Intelligenz entstanden und dem verstorbenen Bassisten Steve Mackey gewidmet.

Fast ein Vierteljahrhundert nach ihrem letzten Album und erstmals seit den 1990er-Jahren kehren Jarvis Cocker und seine Band PULP nun nach Deutschland zurück. Pulp live 2026 bedeutet: Songs, die Generationen geprägt haben – und neue Stücke, die zeigen, warum diese Band auch heute noch relevant ist. Zwei Abende zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen britischer Popgeschichte und gelebter Gegenwart.

Foto: ca. 2021

Being a band for 20 years doesn’t just change you—it reshapes how you see the world and your place in it. For Toronto punk veterans The Flatliners, their new album New Ruin became a chance to confront both the legacy they’ve inherited and the one they’ll leave behind. “This record is us sitting in an uncomfortable moment, with the world around us falling apart, and trying to learn from it,” says vocalist and guitarist Chris Cresswell. It’s an imperfect reckoning, but not without hope.

Musically, New Ruin is the band at their heaviest and most direct. Fueled by pointed lyrics and ferocious performances, the album lashes out at outdated institutions and ideologies with a sharpness that may surprise longtime fans. From its discordant opening to the thesis-like “Heirloom,” the record channels a new level of anger—focused, deliberate, and unflinching.

Yet amid the aggression, the band sounds more in control than ever. Self-produced and recorded in Toronto with longtime collaborators, the album blends post-hardcore intensity with the anthemic instincts of their punk roots. With mixing by Anton DeLost and mastering by Jason Livermore, New Ruin balances pop ambition and raw power, giving space to both melody and grit.

At its core, the album wrestles with generational frustration—“Heirloom,” as Cresswell puts it, is “hate mail to the previous generation”—while still searching for light in the wreckage. Closer “Under A Dying Sun” offers a sense of hard-earned solace. Despite its darkness, New Ruin also captures the band rediscovering joy after time apart, embracing the belief that while it may be “almost too late,” art and honesty can still push things in the right direction.

Foto: Kasey Makal

Sie ist ein wahres Genre-Chamäleon: Die US- Amerikanerin Jordana wechselt mühelos zwischen Bedroom-Pop, Indie-Rock und Folk – und verliert dabei nie ihren ganz eigenen Charme.

Aufgewachsen ist die 2000 geborene Jordana Nye im ruhigen Bundesstaat Maryland inmitten einer musikalischen Familie. Ihr Vater ermutigte sie schon früh, ein Instrument zu lernen und Jordana spielte einige Jahre Geige, bevor sie in ihrer Jugend zur Gitarre wechselte. Mit gerade einmal 18 Jahren veröffentlichte sie ihr Debütalbum „Classical Notions of Happiness”. Die ruhigen, in ihrem Kinderzimmer entstandenen Lofi-Pop-Songs brachten ihr einen Plattenvertrag beim renommierten Label Grand Jury Music ein. Nach zwei EPs brachte sie 2022 mit „Face The Wall“ ihr zweites Album heraus, auf dem sie mit Indie-Rock experimentierte und sich mit ihrem Aufwachsen und Selbstverwirklichung beschäftigte.

Ihr drittes Album „Lively Premonition“ (2024) bezeichnete sie selbst als ihre „Yacht Rock Era“ – ihr neues Zuhause Los Angeles beeinflusste ihre Musik, die nun mehr an klassischen Folk angelehnten Instrumente und ihre kristallklare Stimme brachten einen warmen, sonnigen Sound hervor. Auch thematisch entwickelte sie sich weiter: Jordana singt von zerstörten Beziehungen, ihren Problemen mit Alkohol und die Suche nach einer Heimat in einer neuen Stadt.

Mit ihrer neuesten EP „Jordanaland“ eröffnet sie in einer verträumten Utopie ihr eigenes Land – eine Oase ohne Chaos, in der alles immer einfach ist und Tampons für alle kostenlos. Gemeinsam mit ihren Produzenten Charlie Kilgore und Julian Kaufman (bekannt durch die Band MICHELLE) wollte sie einen selbstbewussten Pop-Sound schaffen. Das ist definitiv gelungen: Während sie sich inhaltlich ernsten Themen annimmt, strotzen die Songs nur so vor Optimismus und spielerischer Leichtigkeit. Auch bei ihren Konzerten baut sie sich ihre eigene Welt, verblendet alle Genres und Seiten ihrer Persönlichkeit zu einer herausragenden Bühnen-Energie, die alle sofort verzaubert.

Foto: Erik Weiss & Verena Brüning

Die Gruppe Muff Potter hat ein neues Album aufgenommen. Es heißt KLEPTO und ist so gut wie fertig. KLEPTO ist das insgesamt neunte Studioalbum der 1993 im westfälischen Rheine gegründeten und seit vielen Jahren in Berlin ansässigen Band und das erste nach dem Comeback-Album »Bei aller Liebe«, das 2022 auf dem bandeigenen Label Hucks Plattenkiste erschien und auf Platz 8 der Deutschen Albumcharts einstieg.

Sobald das Album fertig ist, wird es ein Cover und ein Veröffentlichungsdatum geben. Angepeilt ist, so viel sei schon mal verraten, das späte dritte Quartal 2026. Im November diesen Jahres wird die Band mit ihrem neuen Album auf Tour gehen. Nach zwei Shows zum 30-jährigen Bandjubiläum im Herbst 2023 sind Muff Potter in den letzten Jahren kaum live aufgetreten. Zum Jahresende 2025 spielte die Band ein kurzfristig anberaumtes Fundraiser-Konzert in der ausverkauften Neue Zukunft in Berlin-Stralau, bei dem auch zum ersten Mal vier neue Stücke gespielt wurden.

In den Liedern von Elio Mei scheint die Welt größer zu sein als das Zimmer, in dem sie entstehen. Fantasievolle Bilder, poetische Sprachspiele und eine Stimme von eigentümlicher Klarheit verbinden sich zu einem Sound, der Indie-Folk, Bedroom-Pop und leise Melancholie mühelos verschränkt. Was einst als TikTok-Phänomen begann, hat sich in erstaunlicher Geschwindigkeit zu einem eigenständigen künstlerischen Kosmos entwickelt: Debütalbum, mehrere EPs, zahllose Singles – alles in kaum mehr als zwei Jahren, geschrieben und aufgenommen im Schlafzimmer in Arizona. Mei baut kein Image, sondern eine Welt: verspielt, tröstlich, leicht entrückt, dabei so offen und nahbar, dass man sich in ihr sofort wiederfindet. Mit der ersten LP „A Thousand Song About It All: Act 1” kommt Elio Mei im Juni nach Berlin.

Diese Offenheit zeigt sich nicht nur musikalisch, sondern auch biografisch. Mit der bevorstehenden Tourankündigung wird aus dem Artistnamen Madilyn Mei offiziell Elio Mei werden, ein Schritt, der weit mehr ist als ein Rebranding. Es ist ein Akt der Selbstbehauptung, der Identität und künstlerische Wahrheit miteinander verbindet. Eine neue Single, die am Freitag, den 13. Februar erscheint, wird diese Entscheidung musikalisch vertiefen.

Der Sound dieses Projekts lebt von Kontrasten. Zarte Akustikgitarren treffen auf versponnene Bedroom-Pop-Produktionen, märchenhafte Motive auf intime Selbstbefragung. Die Songs erzählen von Selbstsuche, von queerer Identität, von Zugehörigkeit und Ausgrenzung, von Kindheit, Verlust und Hoffnung. Nie pathetisch, nie plakativ, sondern mit einer leisen, literarischen Präzision, die man im Pop selten findet.

Spätestens auf der Bühne zeigt sich, dass dieses Projekt über das Studio hinauswächst. Elio Meis Konzerte sind keine konventionellen Indie-Abende, sondern sorgfältig komponierte Erzählräume. Kostümierte Figuren, kleine theatrale Gesten und bewusst reduzierte Arrangements schaffen eine Atmosphäre, die zwischen Märchen, Rollenspiel und Bekenntnis oszilliert. Tourneen heißen hier folgerichtig „Side Quests“, das Publikum wird Teil einer gemeinsamen Reise, die irgendwo zwischen Eskapismus und Selbstbefragung verläuft. Kritiker*innen rühmen die emotionale Präzision dieser Auftritte, die berührende Präsenz und eine Stimme, die selbst in der Distanz eines Saals eine eigentümliche Intimität bewahrt. Man spürt: Diese Musik ist weniger Produkt als Erfahrung, weniger Playlist als Begegnung.

Leise, fast unauffällig hat sich néomí in den vergangenen Jahren in die europäische Poplandschaft eingeschrieben – und genau darin liegt ihre Stärke. Die niederländisch-surinamische Singer/Songwriterin, bürgerlich Neomi Speelman, gehört zu jenen Künstlerinnen, deren Musik nicht laut um Aufmerksamkeit wirbt, sondern sich langsam, beharrlich ins Bewusstsein ihrer Hörer*innen schiebt. Ihre Songs sind keine großen Gesten, sondern präzise Beobachtungen und offenbaren intime Momentaufnahmen zwischen Herzschmerz, Selbstzweifel und vorsichtiger Hoffnung.

Mit ihrer neuen, via Nettwerk erscheinenden Single „Didn’t I“, dem ersten Release des Jahres 2026, öffnet néomí ein weiteres, besonders verletzliches Kapitel. Der Song erzählt von der stillen Erschöpfung, wenn man in einer scheiternden Beziehung die Last für zwei trägt und am Ende mit Schuldfragen zurückbleibt. Musikalisch bleibt sie ihrer Ästhetik treu: reduzierte Arrangements, schwebende Harmonien, eine Stimme, die nicht überwältigen will, sondern Nähe sucht.

Ethereal Folk trifft auf cineastischen Minimalismus, irgendwo zwischen Phoebe Bridgers, Laura Marling und Daughter, ohne je zur bloßen Referenz zu werden.

Seit den frühen EPs „before“ (2022) und „after“ (2023), über das gefeierte Debütalbum „somebody’s daughter“ (2025) bis hin zur introspektiven EP „Another Year Will Pass“ (2025) hat sich néomí als eine der feinfühligsten Stimmen ihrer Generation etabliert. Ihre Texte wirken wie Tagebuchnotizen, ihre Musik wie ein geschützter Raum, in dem Verletzlichkeit keine Schwäche, sondern eine Form von Stärke ist.

Gerade live entfaltet diese Musik ihre besondere Kraft. Im Herbst 2026 bringt néomí ihre Songs wieder auf die Bühne: reduziert, konzentriert, nahbar. Im Rahmen dessen kommt die Musikerin neben Shows in den Niederlanden und Belgien auch nach Deutschland und spielt am 24. Oktober in Berlin. Ein Abend, der weniger Spektakel als Begegnung verspricht, und genau deshalb so lange nachhallt.

Foto: Tom Jackson

Mit More, ihrem ersten neuen Album seit We Love Life (2001), meldeten sich Pulp 2025 eindrucksvoll zurück. Das bei Rough Trade Records erschienene Werk entstand aus der erneuten Nähe zur Bühne – und aus dem Gefühl, dass diese Band noch etwas zu sagen hat. Produziert von James Ford (Arctic Monkeys, Fontaines D.C.), verbindet More die unverwechselbare Eleganz, den Witz und die Melancholie von Pulp mit hymnischen Arrangements, Streichern und großer emotionaler Offenheit.

Die erste Single „Spike Island“ ist eine Hommage an einen Mythos der britischen Popgeschichte und zugleich ein Song über Erinnerung, Projektion und das Weiterleben von Ideen.

In nur drei intensiven Wochen in London aufgenommen, ist More ein zutiefst menschliches Album – bewusst ohne künstliche Intelligenz entstanden und dem verstorbenen Bassisten Steve Mackey gewidmet.

Fast ein Vierteljahrhundert nach ihrem letzten Album und erstmals seit den 1990er-Jahren kehren Jarvis Cocker und seine Band PULP nun nach Deutschland zurück. Pulp live 2026 bedeutet: Songs, die Generationen geprägt haben – und neue Stücke, die zeigen, warum diese Band auch heute noch relevant ist. Zwei Abende zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen britischer Popgeschichte und gelebter Gegenwart.

Foto: Theresa Legerer

Nach der restlos ausverkauften ‚Alles-Endet-Tournee ’25‘ durch Deutschland spielen LEFTOVERS nun noch im Frühjahr (!) die restlichen Teile der Bundesrepublik – mit vielen neuen Songs im Köcher und den alten Narben im Gepäck. Die Instrumente sind noch feucht vom Schweiß des letzten Herbstes, die Nächte noch nicht ganz verdaut. „STADION-TOUR“ nennen sie das: halb Ironie, halb Manifest. Denn Stadien brauchen sie keine, nur Räume, in denen es laut genug ist. Im März geht es los: zehn Städte, zehn Nächte, zehnmal Herzrasen. Keine Show gleicht der anderen, doch jede fühlt sich an wie Heimkommen.

Im Sommer kreuzen LEFTOVERS dann tatsächlich durch die Stadien, als Opener für DIE TOTEN HOSEN auf deren ‚Trink aus! Wir müssen gehen‘-Tour. Und ihre eigene „STADION-TOUR“ setzen sie dann im Oktober fort, Teil 2 sozusagen. Im Tourbus mit dabei dann schon ihr neues Album, das im September veröffentlich wird. Die erste Single daraus: ‚Absturz‘. Zwischen Selbstbehauptung und Stillstand sagt der Song: ‚Niemand rettet dich, niemand hält dich auf.‘ Das gilt auch für diese furiose Viererbande aus Wien. Also genehmigen sich LEFTOVERS noch einen heißen Herbst. 12 Städte, 12 Nächte in Deutschland und Österreich, 12x Schweiß, Ektase, Euphorie im circle pit – und immer Abriss galore!

And Your Song is Like a Circle, the second album from New York-based artist Skullcrusher, a.k.a. Helen Ballentine, winds its way into an everchanging, unstable core. Recorded piecemeal over a period of years following the release of her celebrated 2022 debut, Quiet the Room, And Your Song is Like a Circle does not capture experience – it gestures toward the imprint of an experience that is uncapturable. Swaying between vaporous folk and crystalline electronics, landing somewhere in the snowfields shared by Grouper and Julia Holter, Circle probes the ways that grief turns itself inside out. Loss itself becomes as real and substantial as what’s been lost.

Ballentine began writing Circle after leaving Los Angeles, a city she’d called home for nearly a decade. She ended up returning upstate to New York’s Hudson Valley, where she was born and raised. Several years of intense isolation followed, and Ballentine immersed herself in films, books, and art that reflected the rupture of relocating cross-country and its dissociative aftershocks.

Throughout the record, the line between human and machine blurs. On „Maelstrom,“ voices crash between echoing drumbeats like water through a cavern. The vocal filigrees on „Exhale“ fan out into a haze of synthesizers and strings. „Dragon“ lets piano echo over tight, gritted percussion.

If Skullcrusher’s first album rendered the detailed intimacies of domestic space, Circle finds itself vaporized across the landscape: swirling, drifting, searching. It skirts an event horizon in long, slow strokes. These are songs that vibrate with the fervency of an attempt to capture a moment, to draw a circle around it. „I like thinking about my work as a collection,“ Ballentine says. „Eventually it might form a circle. Each time I make something, I’m putting another line around the body of work. It feels like I’ll be trying to trace it for my whole life.“

Free Throw aus Nashville haben seit ihrer Gründung im Jahr 2012 eine klare Philosophie: weitermachen. Neue Musik, längere Tourneen, größere Venues. Vom Debütalbum „Those Days Are Gone“ (2014), das mittlerweile als prägend im Emo-Punk-Genre gilt, bis zu ihrem aktuellen Werk „Moments Before The Wind“, hat das Quintett immer wieder bewiesen, dass sie in Bewegung bleiben, wachsen und neue musikalische Wege erkunden. Im Sommer kommen Cory Castro (Gesang), Larry Warner (Gitarre), Jake Hughes (Gitarre, Gesang), Justin Castro (Bass) und Zach Hall (Schlagzeug, Gesang) nach Köln, Berlin, Nürnberg und Stuttgart. Auf ihrem kommenden, sechsten Album haben sich die Bandmitglieder auf das Thema Liminalität konzentriert, das Gefühl des Feststeckens zwischen Gedanken, Momenten und Lebensabschnitten. Songs wie „A Hero’s Grave“, „The Need for a Post-Credits Scene“ oder „The Waters of Life“ spiegeln persönliche Umbrüche, Lebensentscheidungen und überraschende Wendungen wider. Während der Aufnahmen des Albums erfuhr Sänger Castro, dass er Vater wird, was die emotionale Tiefe und Intensität des Materials noch verstärkte. Zusammen mit ihrem langjährigen Produzenten Brett Romnes entstanden elf Tracks, die spontan, frisch und eindringlich zugleich sind, geprägt von der Energie des Augenblicks und der klaren Handschrift von Free Throw. Die Deutschlandtermine der Tour führen die Band durch vier Städte. Dabei dürfen sich Fans auf ein intensives Live-Erlebnis freuen. Nach einer erfolgreichen Doppel-Headlinetour im Herbst 2025 mit Prince Daddy & The Hyena werden sie diesmal von Saturdays At Your Place unterstützt. Saturdays At Your Place stehen für dynamischen, mitreißenden Emo-Punk mit melodischen Gitarren und energiegeladenem Schlagzeug und liefern so den perfekten Support für Free Throw. Fans können sich auf intensive Gitarren, treibende Rhythmen und den unverwechselbaren Gesang von Cory Castro freuen. Free Throw sind bereit, ihr Publikum auf eine Reise zwischen Reflexion und Aufbruch mitzunehmen und zeigen, dass der Weg nach vorne nie gerade, aber immer lohnenswert ist.

Wer sagt eigentlich, dass queeres Leben „Special Interest“ sei? Vielleicht die selben Leute, die Ricarda Hofmanns Podcast „Busenfreundin“ jahrelang in eine Nische einsortieren wollten. Ricarda nennt das, was andere „Special Interest“ nennen, schlicht: Alltag.

Ihr Live-Programm „Special Interest“ zeigt, dass vieles, was vermeintlich besonders wirkt, in Wahrheit einfach das echte Leben ist – nur eben mit besseren Geschichten. Und genau die bringt sie jetzt auf die Bühne: ehrlich, unterhaltsam und (un)angenehm absurd.

Als lesbische Frau Anfang/Mitte/Ende dreißig blickt Ricarda auf ihr Leben und fragt sich: Hat meine Therapeutin eigentlich genug Material, um mich für immer zu erpressen? Zwischen Podcast-Aufnahmen und Patchwork-Proben, zwischen analoger Nostalgie und digitalem Overload, zwischen Bravo und Burnout erzählt sie von den kleinen Momenten, in denen das Leben kurz mal nicht so laut ist – und von der Erkenntnis, dass man mit Ende dreißig plötzlich mehr Zeit damit verbringt, Dinge einzuvakuumieren als Entscheidungen zu treffen. Ein Abend, der gleichzeitig tröstet, überrascht und nachdenklich macht. Ein bisschen wie Therapie. Nur billiger.

Foto: Hollie Cunningham

Tyler Ballgame glaubt noch an die Liebe. Die besingt er in seiner neuen Single „I Believe in Love“ von seinem Debütalbum „For the First Time, Again“, herrlich betörend. Mit charismatischer Leichtigkeit singt der in Los Angeles lebende Künstler von den kleinen und großen Dingen im Leben auf eine Art, die direkt ins Herz trifft. Bereits beim Entstehungsprozess wusste Ballgame, dass die Platte sein Leben verändern würde. Nicht mehr als den größten Song der Welt möge er schreiben, riet ihm sein Produzent. Gesagt, getan. „I Believe in Love“ hat eine hinreißende Wirkung, trifft in seiner sanften Rohheit einen Nerv, der die Seele im überstimulierten Alltag beruhigt. Mit zwölf Songs bestückt ist das Debütalbum das kleine Meisterwerk eines talentierten Sängers, dessen faszinierende Stimmfarbe eine direkte Wirkung beim Hören erzielt. Bei seiner überbordend erfolgreichen Tour durch UK und Europa und einem Auftritt beim diesjährigen Reeperbahnfestival konnte sich das Publikum bereits von der einnehmenden Bühnenpräsenz des amerikanischen Singer-Songwriters hinreißen lassen.

Inspiriert von Sänger*innen der 60er und 70er Jahre wie John Lennon, Roy Orbison oder Leonard Cohen lässt sich Tyler Ballgame in seiner Musik von Americana bis Indie Pop beeinflussen. Bei Rough Trade Records fand er sofort Begeisterung und wurde direkt unter Vertrag genommen. Als Sohn einer klassisch ausgebildeten Musiklehrerin war die Musik schon immer ein zentraler Punkt im Leben des Tyler Ballgame. Sie war es, die ihn dazu ermutigte, sich in der Musik auszuleben. Während der Pandemie stieß die triste Weltenlage Ballgame in eine depressive Phase, doch er wusste dort bereits, dass die Musik ihn herausziehen würde. Und so wurde die Musik zu einer Erweckung, einem vorbestimmten Weg, denn wie Ballgame sagt, ist er dafür auf der Welt: „Ich glaube, ich bin dafür bestimmt, für Menschen zu singen“. Umgeben von talentierten Musiker*innen fand Ballgame seine Stimme, sein Album handelt von dem Weg aus der Dunkelheit heraus und dem hoffnungsvollen Finden eines Sinns im Leben. Wer sich von seiner wundervollen Musik mitnehmen lassen möchte, hat im April nächsten Jahres an zwei exklusiven Terminen in Köln und Berlin die Möglichkeit dazu.

Foto: Nat Michele

“Erwarte das Unerwartete”: So lässt sich die Karriere von Seafret wohl am besten beschreiben. In über 15 Jahren Bandgeschichte hat das britische Indie-Rock-Duo so einiges erlebt – und dabei mit herzerwärmender Musik immer mehr Fans gewonnen.

Kennengelernt haben sich Sänger Jack Sedman und Gitarrist Harry Draper 2011 in einer kleinen Bar in ihrer Heimatstadt Bridlington. Beide waren noch schüchterne Teenager, die bei einem Open-Mic- Abend zum ersten Mal vor Publikum spielten – und sich einander sehr sympathisch waren. Schnell fand sich auch der Bandname: Seafret bezeichnet einerseits einen speziellen Nordsee-Nebel in ihrer Heimat – und ist andererseits ein Wortspiel mit dem Fretboard einer Gitarre. Nachdem sie gemeinsam nach London gezogen waren, veröffentlichten sie 2014 ihre Debüt- EP “Give Me Something”, mit der sie bereits erste Erfolge feiern konnten. Ihr 2016 erschienenes erstes Album “Tell Me It’s Real” schaffte es auf Anhieb in die britischen Album- Charts. Für ihr zweites Album “Most of Us Are Strangers” (2020) nahmen sie sich im Vergleich zum Vorgänger sehr wenig Zeit:

In nur sieben Wochen schrieben und produzierten sie das Album – das Ergebnis war ein dynamisches, erwachseneres Album, ohne die raue Authentizität vom Anfang zu verlieren. Der Beginn der Pandemie veränderte ihre bisherigen Pläne. Trotz räumlicher Distanz schrieben sie weiter – für ihr 2023 veröffentlichtes Album “Wonderland”. Und noch etwas passierte während diesen Pandemie-Jahren: Ihr schon 2016 erschienener Song “Atlantis” ging auf TikTok viral – erneute Chart-Einstiege, über eine Milliarde Streams und eine Menge medialer Aufmerksamkeit inklusive.

Jetzt – 10 Jahre nach dem Release von “Atlantis” – fühlen sich Seafret wie eine wiedergeborene Band. Der unerwartete Erfolg der Single erlaubte es ihnen, sich für ihr viertes Album “Fear of Emotion” genau so viel Zeit zu lassen wie nötig. Das hat sich gelohnt: Das im März 2026 kommende Album ist ihr bisher Mutigstes, in jedem Song hörbar ist die gemeinsame Kameraderie und kreative Freude. Und das neue Album muss natürlich gebührend gefeiert werden: Seafret kommen endlich auf die Bühnen Europas zurück.

Bratakus are two sisters from the Highlands of Scotland who play politically charged punk rock ’n‘ roll. They are fast, furious and full of righteous rage. Kicking out the jams with minimal nonsense and maximum ragged attitude.

Foto: Zoe Prinds-Flash

Von Bon Iver als die beste Band aller Zeiten bezeichnet zu werden, das ist eine große Ehre. Und im Falle von Poliça absolut gerechtfertigt – die US- amerikanische Indie-Rock-Band mischt ihre Szene schließlich seit fast 15 Jahren ordentlich auf. Gegründet wurde Poliça von Sängerin Channy Leaneagh und Produzent Ryan Olson. Die beiden kannten sich bereits aus der Underground-Szene in Minneapolis und der Zusammenarbeit im Supergroup- Projekt Gayngs. Für Poliça holten sie sich Bassist Chris Bierden und die beiden Schlagzeuger Drew Christopherson und Ben Ivascu ins Boot – diese besondere Konstellation fiel von Anfang an auf.

Auf dem 2012 veröffentlichten Debüt-Album “Give You The Ghost” erschufen sie mit der Mischung aus Electronic, Indie-Rock, R’n’B und Goth-Pop ihren ganz eigenen Sound: Immer geprägt vom musikalischen Wechselspiel zwischen Wärme und Distanz, dunken Synthesizern, pulsierenden Rhythmen und der unverkennbaren Stimme Leaneaghs. Mit den folgenden Alben “Shulamith” (2013), “United Crushers” (2016), „Music for the Long Emergency” (2018), “When We Stay Alive” (2020) und “Madness” (2022) bewiesen sie ihr Talent und ihre Fähigkeit zur Weiterentwicklung wieder und wieder – und konnten immer mehr Erfolge feiern.

Ihr im September 2025 veröffentlichtes siebtes Album “Dreams Go” ist ihr vielleicht persönlichstes und emotionalstes: Es entstand, nachdem bei Bassist Chris Bierden ein bösartiger Hirntumor diagnostiziert worden war. Die acht Songs sind eine ergreifende Auseinandersetzung mit Verlust, Resilienz und der fragilen Schönheit des Lebens – ein Versuch der Konservierung, während sich die Band in einer monumentalen Veränderung befand. Obwohl “Dreams Go” aus einem traurigen Gefühl heraus entstanden ist: Das Album ist lebendig, warm und beweist einmal mehr, wie aus Schmerz Kunst werden kann.

Und auch wenn Chris Bierden nicht mehr live performen kann, wird Poliça mit diesem besonderen Album auf Tour gehen: Mit Alex Nutter am Bass kommen sie zurück auf Europas Bühnen. Und spielen dabei auch direkt dreimal in Deutschland – es versprechen besondere Abende zu werden.

Foto: Gideon Rothmann

Liedfett stehen für Musik, die verbindet: eine wilde Mischung aus poetischen Texten, packenden Melodien und einem Sound, der sich nicht festlegen lässt – irgendwo zwischen Punk, Pop, Indie und Songwriter-Soul. Egal, ob in intimen Clubs oder vor großem Publikum, sie schaffen es, jeden Saal in einen vibrierenden Ort der Freude zu verwandeln, wo Euphorie und Ekstase garantiert sind. Wo Liedfett spielt, wird nicht nur getanzt, sondern das Leben gefeiert.

Die Hamburger Ausnahmeband bringt ein musikalisches Feuerwerk auf die Bühne, das weit über Konventionen hinausgeht – ehrlich, kraftvoll und immer mit dem Herzen am richtigen Fleck. Ihre Lieder sind wie Anker im Chaos – voller Optimismus und Lebenslust, mit einem Augenzwinkern und der unerschütterlichen Überzeugung, dass die kleinen Momente der Freude manchmal alles verändern können. Liedfett beweisen: Musik kann Herzen öffnen und die Realität für einen Abend auf Pause setzen.

„Warum sollte man schon einsam und alleine herumreisen, wenn am Ende sowieso alle Freunde mit im Boot sitzen? Diese Frage stellte sich Hot-Water-Music-Sänger Chuck Ragan nach einer seiner zahlreichen Touren und entwickelte sogleich das Konzept für ein Bandprojekt der etwas anderen Art.“

(Zitat Rockpalast (2011))

Foto: Beau Sorenson

Nachdem Bob Mould mit Hüsker Dü bereits die Zukunft des Rock maßgeblich geprägt hatte, gründete er Ende 1991 zusammen mit Bassist David Barbe und Schlagzeuger Malcolm Travis die Band Sugar. Ihr Live-Debüt gaben sie Anfang des darauffolgenden Jahres im legendären 40 Watt Club in Athens, Georgia. Das Debütalbum „Copper Blue“ von Sugar, das vom NME zum „Album des Jahres 1992“ gekürt wurde und heute als Klassiker gilt, wurde sofort zum Sensationserfolg und erlangte weltweite Anerkennung und Meilensteinstatus für die melodische Kraft und die tiefgründige, kathartische Pop-Kunst von Songs wie „A Good Idea“, „Helpless“ und dem Alternative-Rock-Radio-Hit und MTV-Favoriten „If I Can’t Change Your Mind“. Das Trio spielte schnell auf immer größeren Bühnen, darunter ein legendärer Auftritt beim Great X-pectations Festival im Londoner Finsbury Park, bei dem sie die Show stahlen.

Mit Rückenwind veröffentlichten Sugar 1993 „Beaster“ und feierten damit einen fulminanten Einstieg auf Platz 3 der britischen Albumcharts sowie auf Platz 4 der US-amerikanischen Billboard-„Heatseekers“-Charts.

Obwohl die sechs Songs umfassende Mini-LP in denselben Sessions wie „Copper Blue“ aufgenommen wurde, zeugte sie von einer deutlich roheren Energie und düstereren Melancholie als ihr Vorgänger, was sich in so vernichtenden, sakrilegischen Wutausbrüchen wie „Judas Cradle“ und „JC Auto“ widerspiegelte. Das zweite Studioalbum von Sugar, „File Under: Easy Listening“, erschien 1994 und stürmte erneut die Top 10 der britischen Albumcharts. Diesmal erreichte es sogar die oberen Ränge der Billboard 200. Auf dem Album beschritt Sugar mit Songs wie dem Country-angehauchten „Believe What You’re Saying“ und dem mitreißenden „Gee Angel“ erneut musikalische Grenzen und erkundete ein breiteres Spektrum an Stilen, ohne dabei ihre charakteristische Intensität und ungezügelte Energie einzubüßen.

Trotz dieser Erfolge lösten sich Sugar nach einer Japan-Tournee Anfang 1995 auf. Zahlreiche Live-Aufnahmen, Wiederveröffentlichungen und Anthologien trugen in den folgenden drei Jahrzehnten dazu bei, das Vermächtnis der Band zu festigen und Sugar als unbestrittene Meister des lauten, gitarrenlastigen Rocks für die Ewigkeit zu etablieren.

Die Originalmitglieder von Sugar kamen im Juni 2025 wieder zusammen. Der erste neue Song seit über drei Jahrzehnten, „House Of Dead Memories“, wurde am 15. Oktober 2025 veröffentlicht.

Alexander Veljanov ist die unverwechselbare Stimme von ‚Deine Lakaien‘. Seit knapp vier Jahrzehnten prägen sie die nationale und internationale Musikszene im Spannungsfeld von Avantgarde und Dark Wave. Seit 1998 ist Veljanov auch auf Solo-Pfaden unterwegs, charakterisiert durch einen neuen, unverwechselbaren Sound. Erhalten bleiben sein poetischer Charme und die fesselnde Ausstrahlung seiner Stimme, untermalt durch Texte über Liebe, Hingabe und Vergänglichkeit. Mit seinen drei sehr verschiedenen Studioalben zeigt der Frontmann immer wieder, dass er sich musikalisch nicht festnageln lässt und nutzt auch dieses Musikprojekt als Spielwiese für seine Stimme und einen musikalischen Ausdruck außerhalb des Lakaien-Kosmos.

Foto: Daniel Nguyen

Die aus Bochum stammende Newcomerin macht es anders und hat sich dazu entschieden, sich nicht entscheiden zu müssen – zwischen Punchlines und Poesie, Reflexion und Kampfgeist, Schwermut und Selbstermächtigung, unmissverständlichen Ansagen und metaphorisch- verschlüsselten Botschaften. Mit der „Perle im Pott“-Tour 2026 geht MARNELE auf ihre erste eigene Headliner-Tour. MARNELE-Musik, das ist zeitlose Dichtkunst, die in zeitgemäßem Rapgesang Ausdruck findet; das ist ein scharfer, nachdenklicher, weltverschmerzter, manchmal aber auch augenzwinkernder Blick nach Draußen und ins Selbst; das ist ein bisschen Ruhrpott und ein bisschen Paris. Meistens spielt MARNELE-Musik in abgedunkelten Räumen und nächtlichen Settings, fast immer ist sie umhüllt von einer abgründig-geruhsamen Text-, Sound- und Bild-Ästhetik. Gleichzeitig ist da – trotz aller Comfyness – immer eine unbändige Energie, die nur selten ins Verträumte kippt; und eine vor Dringlichkeit strotzende lyrische und stimmliche Schärfe, die surreal in ihren Bann zieht.

Foto: Massimo Vitali

Dolce vita totale! Live, Open Air und Record Release!

Der Sternenhimmel und die italienischen Tollkühnheiten der Crucchi Gang werden Berlin-Weissensee im schönsten Azzuro leuchten lassen, Plattenbau und Adria Hand in Hand durch die Nacht schlendern, Amore, Anfiteatro und weiche Abendluft die schönsten Lieder der Crucchi Gang umschmeicheln! Denn Berlin ist in italien, Italien ist in Berlin. File under: Italo-Pop-Gewitter, Anti-Schlager, Musik am Stil, Due Lettini e un Ombrellone, Live, Open Air und Record Release! Sonnenbrand am Weißenseeer Strand – Die Crucchi Gang lädt zum sommerlichen Picknick der musikalischen Extravaganzen. Wir feiern den Release eines neuen Crucchi-Gang-Albums mit einem Abend unter den Sternen.

Die Crucchi Gang gibt sich nach langer Zeit in Berlin mal wieder die Ehre mit ihrer ersten Open-Air-Show überhaupt. Gäste sind neben den bewährten und allseitsgeliebten Lina Maly und Sven Regener auch die fantastischen Tristan Brusch und Tobias Bamborschke und unser brillanter Neuzugang Dilla. Es gibt deutsche Hits auf italienisch, italienische Hits auf italienisch, und einen Gastgeber der Extraklasse mit Francesco Wilking, der gewohnt fröhlich über die Bühne tänzelt und dabei die besten 5 Spaghetti-Western-Szenen nachstellt, mindestens! Begleitet von der Band, die Liebesfilme und Rollschuhdiscos im Gedächtnis von Moroder und Morricone bespielen können, also der fantastischen Crucchi-Gang-Band.

Mehr Dolce Vita geht nicht, versprochen!

Foto: Fred Odede

(IGGY SWAGGERING UNGRATEFUL INCESSANT LITTLE PEEEAAAAAAAA)

Was das Publikum erwartet, ist kein gewöhnliches Konzert, sondern ein mitreißender Kreislauf aus Überwältigung und Befreiung: moderne Pop-Energie trifft auf Marschrhythmen, hymnische Chöre und ekstatische Bewegung, eingebettet in eine theatralische, surreal aufgeladene Atmosphäre. Hämmernde Trommeln, spannungsgeladene Orchesterklänge und KABEAUSHÉS vielschichtiger Gesang treiben eine Performance voran, die unvorhersehbar, intensiv und vom ersten Moment an fesselnd ist. Jede Show entfaltet ihre eigene Dynamik – roh, kraftvoll und voller emotionaler Wucht. Mehr als eine Live-Show erschafft KABEAUSHÉ ein narratives Universum und lädt das Publikum ein, Teil der sich entwickelnden Saga von Herr Iggy zu werden. Spontan, atemberaubend und unaufhaltsam oszilliert die Performance zwischen Exzess und Erhabenheit, zwischen Überzeichnung und purer Emotion. Das Ergebnis: eine fieberhafte Art-Pop-Odyssee, in der die Grenzen zwischen Musik und Theater verschwimmen – intensiv, befreiend und absolut einzigartig.

Foto: Kate Meakin

Aldous Hardings letztes und aktuelles Studioalbum „Warm Chris“ erschien im Frühjahr 2022 und erreichte Platz eins der neuseeländischen Album-Charts. John Parish durfte nach dem 2019er „Designer“ auch diesen Langspieler produzieren, der Reminiszenzen an Velvet Underground und die Zeit der 70er hat. Das Album wurde musikalisch als Barock-Pop, Freak Folk und Psychedelic Folk beschrieben, Aldous Harding selbst betitelt ihre Musik sehr passend als Gothic Folk. Pitchfork lobte das Werk als ihr bis dato bestes Songwriting.

2026 startet das Jahr für Aldous Harding Mitte Januar als Support von Nick Cave & The Bad Seeds durch ihre Heimat Neuseeland und das benachbarte Australien. Des Weiteren arbeitet die Tochter einer Folksängerin aktuell an neuer Musik und man darf davon ausgehen, dass sie das neue Material im Juni und Juli mit im Gepäck haben wird. Ein Konzert der Neuseeländerin ist jedes Mal eine besondere Erfahrung, ihre Auftritte sind theatralische Inszenierungen, in denen sie ihr Publikum mit auf eine Reise in ihre Welt der Musik nimmt. Eine Gelegenheit, die man sich nicht entgehen lassen sollte.

Foto: Matthew Henderson Newbury

YOUNG REBEL SET waren ein, und dafür gibt es kein besseres Wort, Phänomen. Man kann die Geschichte der Band im Nachhinein natürlich romantisieren und nostalgisch verklären, aber es war so. Sieben Freunde Anfang 20 gründen in der KuBar in Stockton-on-Tees, im Nordosten Englands, eine Band und schreiben ihren ersten Song, der heißt „If I Was“. Und der findet, durch heute nicht mehr zurückverfolgbare Rock’n’Roll-Magie, seinen Weg zum Schweizer Konzertveranstalter Martin Schrader. Der weiß genau, wer den als nächstes hören muss, und schickt ihn an Danny Simons, der für Grand Hotel van Cleef in Deutschland die Konzerte bucht. Das Feuer ist gelegt. Wenig später fliegt Thees Uhlmann nach Newcastle, um eins der ersten Konzerte der Band zu sehen. Er lernt die Band kennen, und noch in dieser Nacht wird die Sache klar gemacht.

Anfang 2010 spielen YOUNG REBEL SET ihre ersten Konzerte in Deutschland, über Grand Hotel van Cleef erscheint eine erste EP mit den ersten Stücken der Band. Die Shows sind wild, unberechenbar, hedonistisch, auch mal chaotisch. Im April 2011 erscheint das Debüt „Curse Our Love“, in UK kommt die Band bei Ignition Records (u.a. Oasis, Primal Scream, Hard-Fi, …) unter Vertrag. Natürlich gab es das Internet bereits, aber „Hype“ funktionierte damals eben anders. Über die Musik, über die Konzerte. Durch Mund-zu-Mund Propaganda werden die Konzerte immer größer und Ende 2011 stehen in Berlin und Hamburg bereits gut 1.000 Fans vor der Bühne, wenn Sänger Matty Chipchase und die Brüderpaare Parmley und Evans sie betreten. 2013 folgt das zweite Album „Crocodile“, und 2015 endet die Geschichte vorerst mit einer Pause auf unbestimmte Zeit. Die letzten fünf Jahre waren intensiv, vielleicht eine Spur zu sehr.

Es soll vier Jahre dauern, bis Matty Chipchase seine Gang wieder zusammentrommelt: Neue Songs liegen bereits in der Schublade, es werden Reunion-Konzerte geplant. Im Dezember 2019 verstirbt Matty mit nur 35 Jahren, zu den Konzerten kommt es nicht. Im September 2024, am Tag, an dem Matty seinen 40. Geburtstag gefeiert hätte, treten seine Bandmates mit der Unterstützung der lokalen Musikszene in der KuBar in Stockton auf. Sie feiern Mattys Texte, ihre gemeinsamen Songs, ihre Freundschaft. Wieder brennt ein Feuer. Und so entscheiden sich die Gründungsmitglieder Andy und Chris Parmley und Luke Evans dazu, die Gang doch noch einmal zu versammeln: Mit weiteren ehemaligen Besetzungsmitgliedern und Wegbegleitern touren YOUNG REBEL SET im September 2025 erneut durch Europa, und spielen nicht nur ihre unzerstörbaren Songs „If I Was“, „Lion’s Mouth“, „Walk On“, „Measure of a Man“ und wie sie alle heißen, sondern auch neue Stücke, die für das dritte Album geschrieben wurden. Matty ist leider nicht mehr da, die Magie aber schon.

Angekündigt hat die Band ihre Tour mit einer Videobotschaft und aufgenommenen Akustik-Performance für die Besucher*innen des Beach Motel van Cleef Festivals, das am 10. und 11. Januar in St. Peter-Ording stattfand. Vor Ort hatten die überraschten Fans bereits die Möglichkeit, die ersten Tickets für die Konzerte im September zu erwerben.

Zum Line-Up der Band für die kommende Tour gehören neben den Brüdern Andy und Chris Parmley (Gitarre und Schlagzeug) und Bassist Luke Evans auch Andy Bensley, der früher nicht nur Demos für die Band aufnahm oder sich um den Livesound kümmerte, sondern auch bereits als Gitarrist mit tourte. Am Klavier sitzt Danny Allison, der bereits seit vor dem „Crocodile“-Album mit der Band aufnahm und spielte. Die Position an den Leadvocals übernimmt der Liverpooler Sänger Tom Blackwell.

Die Band dazu: „Niemand kann Matty ersetzen. Er war einzigartig in jedem Sinne des Wortes, und wir spüren seinen Verlust immer noch unmessbar. Als die Idee entstand, das Ende von Young Rebel Set neu zu schreiben, ein Kapitel hinzuzufügen, war es klar, dass die Position am Mikrofon am schwierigsten zu besetzen wird. Wir wussten, dass wir jemanden finden müssen, der Matty nicht einfach kopiert, das ist unmöglich, sondern jemanden, den wir als Musiker respektieren und der seinen eigenen Stil und Stimme in unsere Songs bringen kann.

Mit Tom Blackwell haben wir genau diese Person gefunden: Er kommt ursprünglich aus Liverpool, und wir lernten in vor gut zehn Jahren in London kennen, als wir unser zweites Album aufnahmen. Wir verbrachten viel Zeit miteinander, und kürzlich heiratete er eine gute Freundin von uns und ist zu uns in die Nähe nach Teeside gezogen. Wir lieben Toms Stimme und seine eigenen Songs als Solo-Artist, er wird auch als Support bei den Konzerten im September spielen, und könnten nicht froher sein, dass er auf dieser Tour auch für uns am Mikrofon steht.“

Mark Evans, Lukes‘ Bruder, der ursprüngliche zweite Gitarrist der Band, wird zwar nicht mit auf Tour kommen, aber böses Blut gibt es keineswegs: „Natürlich hat Mark anfangs auch mit der Idee gespielt, mit uns auf Tour zu kommen, aber als die Pläne konkreter wurden, hat er entschieden sich stattdessen lieber auf sein eigenes Album zu konzentrieren. Wir haben gemeinsam viele seiner Solo-Songs aufgenommen, die bald erscheinen werden. Die Platte klingt großartig, haltet die Augen offen!“

Foto: Marie Lehmann

Sexschweiss sind nicht zu stoppen und legen im Jahr ihres Debütalbums GESTANK direkt ihr zweites Album DADA nach. Aktiv aggressiver Umgang mit Alltagsfatigue, höllische Abgründe des Nachtlebens durchsetzt vom Verlangen nach einem Funken Hoffnung umreißen die Eckpunkte des neuen Release der Vier.

es gibt immer beides
das andre und das eine
doch ich will immer beides und das
ist das gemeine
fick scheisse fick
fick scheisse dada

Draußen ist es kalt und die heiße Glut treibt den Hunden den Schweiss auf die Haut
Wärm dich auf mit Komissar Rex
Das rote Feuer brennt
Lass die Hunde nicht nur bellen sondern beißen

Wir rücken näher Stück für Stück
zu uns selbst und von uns weg
ein bisschen Mut ein bisschen Glück
zerschlag den Sinn vergiss den Zweck

Foto: Shakima Dela Galarza Bello

Am 28.12.25 konnten Fans TZK noch live im SO36 bei der „Wir spielen 2030 Columbiahalle“ Release-Party erleben. Jetzt wird es ernst: Der Vorverkauf für das Konzert am 28.12.2030 in der Columbiahalle startet ab sofort. Was für andere verrückt klingt, ist für TZK ein Statement mit Weitblick. Wer zuerst kauft, spart zuerst: Die ersten Tickets gibt es ab 15 € zzgl. Gebühren, allerdings nur als Hardticket bei Liveterminen (solange Vorrat reicht). Online folgen weitere Preisstufen, die sich Schritt für Schritt freikaufen lassen. Wertsteigerung in Echtzeit, ohne Broker, ohne Krawatte, dafür direkt im Bandshop, ohne Zwischenhändler. Kurz gesagt: Dieses Ticket ist ein besseres Investment als jeder Aktienhype und verlässlicher als jede Rolex.

Four accomplished Berlin-based musicians formed Lords of Lounge to channel some surf-inspired, easy-listening lounge classics. Their method is simple; Record everything while composing. No demos. No overdubs. Pure vibes and inspiration straight to tape. Dad-Rock, Surf-Pop, Meter-esque riffs, Indie-strumming…all included.

„Cultural Appropriation Candela“-Tour 2026: RÄGI stehen für eine neu gedachte Form der kulturellen Aneignung – und das ganz ohne schlechtes Gewissen. Die beiden weißen Cis-Teens aus Schorndorf und Görlitz wollen Reggae machen, der den Hatern wehtut und alles miteinander verbindet, was nie zusammengehören wollte. Lasst uns kiffen, ausgrenzen und inkludieren – oder kurz gesagt: einfach RÄGI sein.

Foto: Stephie Braun

Sein letztes Soloalbum „Wunderbare Welt“ ist zwar schon ein paar Tage her, aber untätig war er natürlich nicht. Seit geraumer Zeit arbeitet Fatoni mit Hochdruck an neuen Songs und hat nach eigener Aussage bereits ein paar „dreiste Hits“ in der Pipeline. Das klingt danach, als würde das nächste Album nicht mehr lange auf sich warten lassen. Damit nicht alle grün werden vor Neugier, lässt Fatoni sein Publikum in zehn handverlesenen Städten durchs Schlüsselloch schauen. Im März öffnet er den Vorhang und präsentiert eine exklusive Vorschau auf neues Material, ergänzt um ein Best-of aus den letzten Jahren.

Freunde des guten Geschmacks: Fatoni geht wieder auf Tour!

Fatoni steht seit Jahren für fulminante Live-Shows, die zwischen 808-Moshpit und Klampfenmelancholie keine Emotion ungespürt lassen. Die SNEAK PEEK TOUR ist seine bisher größte Solo-Tour und sie wird intergalaktisch. Punkt. Nachdem 2025 zusammen mit Juse Ju und Edgar Wasser auf Kollabo-Tour ein Club nach dem anderen auseinandergenommen wurde, schlägt er 2026 wieder Solopfade ein.

Foto: Ben Pearson

Für eine ganze Generation von 90s-Paaren ist es wohl der Lovesong: Sixpence None The Richer verzauberten mit ihrem Welthit „Kiss Me“ Millionen von Fans – und sind nun gefestigter, gereifter und mit ungebrochener Energie zurück. Die Band wurde von Sängerin Leigh Nash und Gitarrist Matt Slocum gegründet, die sich im texanischen New Braunfels kennenlernten, bevor sie gemeinsam nach Nashville – ins Herz der US- amerikanischen Musikszene – zogen. Nach dem Einstieg von Schlagzeuger Dale Baker nahmen sie ihr 1994 veröffentlichtes Debüt-Album „The Fatherless and The Widow“ auf. Ihre unverwechselbare Kombination von treibendem Indie-Rock und introspektivem Songwriting fand schnell begeisterte Fans. Nur ein Jahr später erschien direkt das zweite Album „This Beautiful Mess“, und 1997 komplettierte Bassist Justin Cary nach einigen Besetzungswechseln das feste Quartett. Spätestens mit ihrem selbstbetitelten Album und der dazugehörigen Single „Kiss Me“ gelang ihnen der internationale Durchbruch: Der Song wurde für einen Grammy nominiert, eroberte dank der Kult-RomCom „She’s All That” (in Deutschland unter dem Titel „Eine wie keine“ bekannt) die US-Single-Charts, und zählt bisher über 1,2 Milliarden Spotify- Streams. Ein Welthit, der bis heute anhält. 1999 legte die Band mit ihrer Coverversion von „There She Goes” (The La‘s) nach, die zu ihrer zweiten weltweiten Hit-Single wurde. Nach Label-bedingten Verzögerungen erschien 2002 schließlich „Divine Discontent“, erstmals mit Drummer Rob Mitchell, der Dale Baker ablöste. Um sich Solo-Projekten zu widmen, lösten sich Sixpence None The Richer 2004 zunächst auf. Doch schon 2007 fanden sie wieder zusammen und veröffentlichten „The Dawn of Grace” (2008) und „Lost in Translation” (2012), bevor es erneut ruhiger um die Band wurde. Im Oktober 2024 folgte dann – zwölf Jahre nach dem letzten Release – ihre gefeierte Comeback-EP „Rosemary Hill”. Gleichzeitig kamen sie mit einer großen US-Tour zum 25-jährigen Jubiläum auf die Bühne zurück – in der Originalbesetzung mit Leigh Nash, Matt Slocum, Dale Baker und Justin Cary. Im Oktober 2026 darf sich auch endlich das deutsche Publikum freuen: Bei vier exklusiven Konzerten werden Sixpence None The Richer beweisen, dass sie 25 Jahre nach ihrer Gründung besser denn je sind.

Foto: Jan Philipzen

Vor zehn Jahren brach »Harieschaim«, der Drangsal-Erstling, von Soundcloud über die Charts. Auf „Harieschaim“ wurden Post-Punk und Wave der Achtzigerjahre kontemporär interpretiert, eine Dekade später ist das erste Album des damals noch als Solokünstler agierenden Max Gruber selbst Inspirationsquell einer abermals brechenden Welle: Künstler wie Edwin Rosen und Flawless Issues nennen Grubers Debüt als Referenz für ihre eigene Arbeit.

Drei weitere Studioalben folgten, zuletzt im Juni 2025 »Aus keiner meiner Brücken die in Asche liegen ist je ein Phönix emporgestiegen«. Im September und Dezember 2026 feiert die mittlerweile zur Gruppe avancierte Formation zehnten »Harieschaim«-Geburtstag und lädt zu sechs Konzerten in sechs Städten ein, in deren Rahmen das Album erstmalig in voller Länge gespielt wird. Auch das Vorprogramm gestaltet Gruber zusammen mit Stella Sommer (Die Heiterkeit) als Die Mausis selbst.

Foto: Ingo Pertramer

Wie viele Bands können stolz von sich behaupten, zehn Studioalben veröffentlicht zu haben und dabei seit nunmehr über 20 Jahren eine der beliebtesten Live-Bands Deutschlands zu bleiben? Nicht viele – aber Madsen können sich schon bald dazu zählen. Am 29. Mai 2026 wird mit „Smile“ nämlich das zehnte Werk der Band aus Niedersachsen erscheinen. Das haben Madsen gerade erst auf ihrem ausverkauften Konzert in der Hamburger Sporthalle verkündet. Den ersten Vorgeschmack gab es vor Ort auch schon live zu hören – für den Rest der Welt wird der Titeltrack „Smile“ Ende Januar erscheinen.

Über 20 Jahre ist es her, seit die Brüder Sebastian, Johannes und Sascha Madsen gemeinsam mit Bassist Niko Maurer und dem ehemaligen Mitglied Folkert 2005 mit „Madsen“ ihr Debütalbum veröffentlicht haben, nachdem bereits mehrere Jahre zusammen musiziert worden war. Bereits ein Jahr später erschien mit „Goodbye Logik“ eines der bis heute wichtigsten Alben der Banddiskografie, auf das in starkem Takt weitere Veröffentlichungen nachgelegt wurden.

Der bis dato letzte Longplayer „Hollywood“ erschien im Jahr 2023 auf ihrem eigenen Label und war das erste Nummer-eins-Album der Band.

20 Jahre, in denen die Musiker von ihrem anfänglichen Punk- und Indie-Rock-Sound immer weiter ihre eigene musikalische Nische gefunden und unzählige Hits wie „Lass die Musik an“, „Du schreibst Geschichte“ oder „Macht euch laut“ hervorgebracht haben. Und vor allem: 20 Jahre, in denen sich die Gruppe von einer lokalen Live-Band im niedersächsischen Wendland auf die Headline-Festivalbühnen dieses Landes gespielt hat. Epische Mitsing-Refrains und Punkrock-Energie verleihen den Auftritten der Band seit Gründung das gewisse Etwas – genauso wie die enorme Fanbindung, die Madsen an den Tag legen. Kein Wunder also, dass die Gitarrenband mit ihrem neuen Album neben den bereits bestätigten obligatorischen Open-Air-Auftritten im Sommer gleich auch eine ausgeprägte Deutschlandtour für nächstes Jahr angekündigt hat. Stolze zwölf Mal bringen sie „Smile“ im Herbst 2026 auf die Bühne – und haben mit Sicherheit auch die anderen Highlights aus über zwei Jahrzehnten Bandbestehen dabei.

Foto: Alex Bruel Flagstad

Wenn Agnes Obel singt, scheint die Welt für einen Moment stillzustehen. Die dänische Ausnahmekünstlerin erschafft mit ihrer unverwechselbaren Mischung aus Folk, Neo- Klassik und Pop einzigartige Klangwelten, die zugleich zart, eindringlich und überwältigend sind – und begeistert damit seit Jahren ein stetig wachsendes, weltweites Publikum. Geboren 1980 in Kopenhagen, wuchs Obel in einem Zuhause auf, in dem Musik allgegenwärtig war: Ihre Mutter spielte ihr Chopin vor, ihr Vater sammelte seltene Instrumente. Kein Wunder also, dass sie früh zum Klavier fand. Inspiriert vom schwedischen Jazz-Pianisten Jan Johansson begann sie schon als Teenager eigene Stücke zu schreiben und gründete erste Folk-Bands. Nach ihrem Umzug nach Berlin entdeckte sie auch das Produzieren für sich, und veröffentlichte 2010 ihr Debüt „Philharmonics”, das in Dänemark sofort auf Platz Eins der Charts stieg und mehrfach mit Platin ausgezeichnet wurde. Spätestens mit „Aventine” (2013) und dem darauffolgenden experimentelleren „Citizens of Glass” (2016) etablierte sie sich als eine der spannendsten Künstlerinnen Europas. 2020 folgte „Myopia”, das beim Traditionslabel Deutsche Grammophon veröffentlicht wurde – ein atmosphärisches Werk zwischen kammermusikalischer Klarheit und elektronischem Sounddesign. Doch nichts kommt der Intensität ihrer Live-Auftritte gleich: Agnes Obel verwandelt jeden Konzertsaal in einen schwebenden Raum aus Licht, Spannung und filigranen Melodien. Ihre Stimme – elegant, nuancenreich und berührend intim – nimmt das Publikum mit auf eine poetische Reise durch ihre charakteristisch träumerische Welt. Nach gefeierten Auftritten in diesem Herbst, darunter in der renommierten Hamburger Elbphilharmonie, kehrt sie nun auf die deutschen Bühnen zurück. Hamburg, Berlin, Leipzig und Bonn dürfen sich auf vier außergewöhnliche Shows voller Intensität, feiner Magie und musikalischer Detailverliebtheit freuen.

Foto: Lee London

2023 war ein gutes Jahr für Snake Eyes aus Brighton, denn sie gingen auf ihre allererste Headliner-Tour in ausverkauften Venues in ganz Großbritannien. Das Trio spielte auch Konzerte in Deutschland, u.a. Supportshows bei Pabst und eine ganze Reihe von internationalen Festivals, z.B. Sets beim Truck, Ynot, Leopallooza, Teddy Rocks, Tiffcuff, Left of the Dial und vier Auftritte beim The Great Escape. Unterstützung erfuhr de Band außerdem von renommierten UK Radiostationen wie Radio 1 und Radio X, dem Clash Magazine, Fred Perry und sie sind seit 2024 Teil des aufstrebenden TRUST Artists rosters.

Snake Eyes haben den Beginn des Jahres 2024 vor allem damit verbracht, an neuen Songs zu arbeiten, nutzten aber auch die Möglichkeiten, eine Reihe von vollgepackten Headliner-Shows, eine Tour mit Oktober Drift, beim Beach Motel Van Cleef, Stag and Dagger, Sniester Festival und mehr zu spielen. Im Sommer warten weitere spannende Festivals auf das Trio, wie das 2000 Trees, Truck und Burger Jam und womöglich das Highlight des Jahres: Die bisher größten Shows der Bandkarriere, die in Deutschland auf sie warten.

Foto: Curtis Millard

Phosphorescent, das Alter Ego des amerikanischen Songwriters Matthew Houck, war immer eine Art Seismograf für jene feinen Risse, die sich durch das Leben ziehen. Sein aktuelles Album „Revelator“ beginnt mit einer fast beiläufig hingeworfenen Müdigkeitserklärung: „I got tired of sadness… I got tired of all the madness…“. Eine erschöpfte Bestandsaufnahme, gesprochen mit jener brüchigen Selbstverständlichkeit, die Houcks Werk seit Jahren auszeichnet. Doch dieses Mal wirkt etwas anders. Der Mann, der einst zwischen Alabama, New Orleans und Kalifornien als Straßenmusiker umherzog, der Kritiker*innen zu Vergleichen mit Neil Young, Will Oldham und sogar Kurt Cobain verleitete, scheint einen neuen Punkt erreicht zu haben: jenen Ort, an dem Erschöpfung zur Erkenntnis wird. „Revelator“ ist ein Album, das sich selbst erst spät zu erkennen gibt – und seinem Autor ebenfalls. Seit „C’est La Vie“ (2018) sind fünf weitere Jahre vergangen, in denen Houck sich durch die diffuse Nachgeschichte der Pandemie, familiäre Routinen und die Schatten früherer Erschütterungen bewegte. Die autobiografische Klarheit seines Vorgängers macht nun einer flirrenden, halboffenen Rätselhaftigkeit Platz. Die Melancholie bleibt, doch sie erscheint verschoben, zögerlicher, in Nebel gehüllt. Songs wie „Fences“, „Impossible House“ oder das von einem Traum inspirierte „Wide As Heaven“ kreisen um Nähe und Entfernung, um die Fragilität eines Lebens, das eigentlich gut sein müsste – und dennoch immer wieder dunkle Räume öffnet. Erstaunlich ist, wie organisch Houck all dies in jene ragged classicism- Ästhetik übersetzt, die Phosphorescent seit „Muchacho“ prägt. Man hört einen Musiker, der sich quält und zweifelt und weitersucht. „To Get It Right“, das epische Finale, wirkt wie ein vorsichtiger, aber dennoch trotzig gesetzter Schlussstrich: ein Bekenntnis zum Dranbleiben, zum Ringen um Wahrheit, zur Unmöglichkeit, je wirklich fertig zu sein. Und doch gewinnt man den Eindruck, dass Phosphorescent gerade live am vollständigsten existiert. Auf der Bühne wird aus Houcks introspektiver Schwere eine Art gemeinschaftliches Schweben – jene Mischung aus rauer Direktheit und ätherischer Wärme, die seine Songs seit jeher tragen. Tourneen waren für Houck immer Erprobungsräume: Orte, an denen Lieder atmen lernen und ihre Gestalt verändern, an denen Pathos plötzlich Humor annimmt oder eine beiläufig gespielte Pedal Steel den ganzen Saal vibrieren lässt. Nach Jahren der pandemischen Stille und des Rückzugs wirken seine jüngsten Auftritte wie eine Rückkehr zur alten, ungestümen Lebendigkeit. „Revelator“, im Studio ein suchendes Werk, entfaltet live jene Kraft, die Houck meint, wenn er sagt: „Yeah, we got this.“ Im Mai 2026 kommt Phosphorescent nach Deutschland – eine seltene Gelegenheit, diese neue Phase des Künstlers unmittelbar zu erleben.

Foto: Yaël Temminck

Der Titel ihres zweiten Albums „When You Come Back I Have So Much to Tell You“ klingt wie ein Versprechen – und zugleich wie eine Warnung. Für Dream, Ivory, das kalifornische Duo der Brüder Christian und Louie Baello, begann er als leises Flackern der Hoffnung: zwei Stimmen, getrennt durch Raum und Erfahrung, die einander am Ende eines dunklen Tunnels wiederfinden sollten. Doch je länger die Arbeit an den Songs dauerte, desto deutlicher schob sich ein anderer Ton in den Vordergrund. Was, wenn niemand zurückkommt? Was, wenn die Geschichten, die erzählt werden müssen, keine tröstlichen sind?

Aufgewachsen als Söhne philippinischer Einwanderer, zogen die Brüder durch halb Südkalifornien, immer begleitet von den Platten der Eltern – ABBA, Bee Gees, Beatles. Die familiäre Zwangsbeglückung am Klavier wurde zur kreativen Grundlage eines unverwechselbaren Sounds, der später Shoegaze, Surf-Rock und Pop-Punk verschmelzen ließ. Während Christian Produktionen schichtet wie seelische Sedimente, singt Louie mit eindringlicher Klarheit darüber, was unter der Oberfläche brodelt: Sucht, Selbstzweifel, verlorene Zeit.

Die Arbeit am neuen Album fiel in eine Phase der Entfremdung. Die Eltern zogen zurück auf die Philippinen, Louie nach Los Angeles, die Brüder erstmals als Erwachsene unter einem Dach – und kreativ völlig blockiert. Statt Songs entstanden Leere, Eskapaden, Abstürze. Erst Christians Entzug, der Versuch einer Rückkehr zu sich selbst, riss ein neues Fenster auf. „Lost Angeles“, später „At Zero“, markieren den Moment, in dem sich das Duo wiederfand und die eigene Melodramatik plötzlich ironisch spiegeln konnte.

Doch erst auf der Bühne wird aus dieser Innenschau eine gemeinsame Erfahrung. Bei ihren ausverkauften Shows 2025 in Paris, London und Los Angeles verwandelten Dream, Ivory ihre introspektiven Songs in flirrende, fast kathartische Abende. Das Publikum schien weniger Zeuge als Mitreisende einer Geschichte, die sich zwischen Sehnsucht und Versöhnung aufspannt. Live wirken die Brüder, als würden sie die Distanz des Albumtitels in Echtzeit überwinden – jede Zeile ein Versuch, ein unsichtbares Gegenüber zu erreichen. Im Sommer 2026 kehren Dream, Ivory für drei Konzerte nach Deutschland zurück – unterstützt von losers!, die als Support mit auf Tour sein werden.

Foto: Joel Palmer

Yonaka kündigen für Juni 2026 ihre Rückkehr auf die deutschen Bühnen an und laden mit drei Clubkonzerten zu einem intensiven Live-Erlebnis ein. Das britische Rocktrio aus Brighton präsentiert im Frühjahr sein zweites Studioalbum „Until You’re Satisfied“, das am 13. März 2026 erscheint. Mit neuer Energie, einem gewachsenen Selbstverständnis und einer Reihe frischer Songs im Gepäck setzen Theresa Jarvis (Gesang), George Edwards (Gitarre) und Alex Crosby (Bass) ein deutliches Statement für den nächsten Abschnitt ihrer Bandgeschichte. Nach einer Phase des Innehaltens, Hinterfragens und Wiederfindens kehren Yonaka stärker zurück als je zuvor. Bereits die vorab veröffentlichten Singles „Cruel“, „Problems“ und der aktuelle Track „Hit Me When I’m Sore“ geben einen eindrucksvollen Vorgeschmack auf ein Album, das sowohl emotional als auch musikalisch einen gewaltigen Schritt nach vorne macht. Produziert von Alex Crosby und Dimitri Tikovoi umfasst „Until You’re Satisfied“ dreizehn Songs voller Wucht, Mut und einer schonungslosen Auseinandersetzung mit der eigenen Geschichte. Theresa Jarvis öffnet lyrisch erstmals das Kapitel rund um das Thema Liebe – roh, ehrlich und ohne Beschönigungen. Yonaka haben sich in den vergangenen Jahren eine treue internationale Fangemeinde erspielt, angefacht durch ihr gefeiertes Debütalbum „Don’t Wait Til Tomorrow“, das Mixtape „Seize The Power“ mit über 200 Millionen Streams und die EP „Welcome To My House“. Trotz ihres Erfolgs stand die Band hinter den Kulissen kurz vor einem Wendepunkt. Die gemeinsame Entscheidung weiterzumachen, hat sie näher zusammengeschweißt und zu einem kreativen Neuanfang geführt, der auf „Until You’re Satisfied“ klar hörbar ist. 2026 bringen Yonaka diesen neu gewonnenen Drive endlich wieder nach Deutschland. Live ist das Trio bekannt für eine gehörige Portion Energie, direkte Emotionen und eine Bühnenpräsenz, die man nicht vergisst. Fans dürfen sich auf brandneue Songs, packende Höhepunkte aus ihrem bisherigen Werk und eine Band freuen, die ihre kommende Ära voller Überzeugung auf die Bühne bringt.

Goose ist eine amerikanische Rockband, die für ihren genreübergreifenden Sound, ihre improvisierten Live-Auftritte und ihre treue Fangemeinde bekannt ist. Die Band besteht aus Rick Mitarotonda (Gesang, Gitarre), Peter Anspach (Gesang, Keyboard, Gitarre), Trevor Weekz (Bass) und Cotter Ellis (Gesang, Schlagzeug). Ihre Musik – eine gekonnte Verbindung aus Indie-Rock-Hooks, ausufernden Improvisationen und treibenden Rhythmen – hat sie von Auftritten in Kellern in Connecticut zu Headliner-Auftritten auf einigen der renommiertesten Bühnen des Landes gebracht. Bekannt für ihre starke DIY-Ethik, ist Goose durch unermüdliche Tourneen und die Nutzung von Plattformen wie YouTube, Bandcamp und nugs.net, um Live-Auftritte zu teilen und mit Fans in Kontakt zu treten, organisch gewachsen.

Goose wird am 14. August ihr fünftes Studioalbum „Chain Yer Dragon“ veröffentlichen. Es erscheint nur vier Monate nach „Everything Must Go“, ihrer ersten Veröffentlichung seit dem von Kritikern hochgelobten Album „Dripfield“ aus dem Jahr 2022, das ihnen Platz 2 in den Billboard-Charts „Top New Artist Albums“ einbrachte und von Rolling Stone als „süße Ohrenschmeichelei für Kopfhörer und Grundlage für einen perfekten Live-Höhepunkt“ gelobt wurde.

Im Gegensatz zu seinem Vorgänger schöpft „Everything Must Go“ aus dem Gefühl der Live-Auftritte von Goose und enthält Songs, die in den letzten Jahren ihres Wachstums geschrieben wurden, darunter neu interpretierte Live-Klassiker und Songs, die ihren sich weiterentwickelnden, dynamischen Sound einfangen. Die erste Single des Albums, „Give It Time“, erreichte Platz 6 der AAA-Radio-Charts. Goose ist die einzige Band, die gleichzeitig zwei Songs („Give It Time“ und „Your Direction“) in diesen Charts platzieren konnte.

Nun heißt „Chain Yer Dragon“ die Zuhörer in einer reichhaltigen, vollendeten Welt aus Musik und vertrauten Charakteren willkommen und lädt sie ein, den Lichtern und Klängen durch schmuddelige Bars und lange Nächte auf der Straße zu folgen, die in der Klarheit eines frischen Morgengrauens verschwinden. Das Album zeigt die Vielseitigkeit von Goose und präsentiert Rocksongs im Stil der 70er Jahre, die sich vertraut anfühlen und durch Improvisation zum Leben erweckt werden. Das Album spielt mit der Form und wird durch einen natürlichen Produktionsstil getragen, der ihm erneut das rohe, freizügige Gefühl der elektrisierenden Live-Shows der Band verleiht.

„Everything Must Go“ wurde bei seiner Veröffentlichung im Frühjahr von den Medien mit großem Interesse aufgenommen, darunter mit ausführlichen Artikeln in der New York Times, Vulture und anderen Publikationen sowie einem unvergesslichen Auftritt und Interview mit Anthony Mason in der CBS Saturday Morning Show. Von SPIN als „eine breit gefächerte Demonstration der kreativen Begabung, die so hochkarätige Mitwirkende und eine wachsende Schar von Fans angezogen hat … 90 Minuten Musik, die organische Grooves mit einer zunehmenden Fähigkeit für melodische Hooks verbindet“ gepriesen, wurde „Everything Must Go“ von einer Vielzahl von Publikationen gelobt, darunter Uproxx, das es als „das bisher gewichtigste und befriedigendste Studioalbum der Band“ lobte, Guitar Player, das es als „melodisch und doch abenteuerlich, voller gerechter Grooves, aufwendiger E-Gitarrensoli und anderer musikalischer Spielereien“ bezeichnete, und PopMatters, das es einfach als „hervorragend … eines der besten Studioalben einer Jam-Band bis heute“ bezeichnete. Das Album ist sowohl eine Absichtserklärung von Goose als auch eine Art Ankunft – eine Reise für Fans und Neulinge durch die Vergangenheit, Gegenwart und unendliche Zukunft der Gruppe.

Seit ihren Anfängen, als sie 2016 „Moon Cabin“ in einer Scheune im Norden von New Hampshire aufnahmen, hat Goose ihren einzigartigen Ansatz beim Songwriting und Improvisieren weiterentwickelt und eine seltene Balance zwischen sorgfältig komponierten Songs, präziser Musikalität und emotionaler Ehrlichkeit gefunden. Goose hat viele Venues in den Vereinigten Staaten ausverkauft, darunter den Madison Square Garden, die Radio City Music Hall, das Red Rocks Amphitheater und das Forest Hills Stadium, und trat in Shows wie „The Tonight Show Starring Jimmy Fallon“, „Jimmy Kimmel Live!“ und „CBS Saturday Morning“ auf. Außerdem spielte die Band auf zahlreichen legendären Musikfestivals, darunter dem Bonnaroo Music & Arts Festival, ACL und vielen anderen. Durch ihr Engagement für den Fortschritt erinnert uns Goose immer wieder daran, dass Musik nicht einfach nur gespielt wird – sie wird gefühlt, gelebt und geteilt.

Foto: unbekannt

Der kanadische Folk-Pop-Sänger Forest Blakk hat sich zur Lebensaufgabe gemacht, Liebesgeschichten aller Art zu vertonen und konnte so bereits über 1,3 Milliarden Streams erzielen. Seine intime und eingängige EP „Every Little Detail“ mit seiner platin-zertifizierten Hit-Single „If You Love Her“ bescherte ihm sein offizielles US-Billboard-Chart-Debüt; sein nationales US-TV-Debüt in der ABC-Sendung „Live with Kelly & Ryan“ gab ihm einen Platz unter den Top 30 der Hot AC Radio Charts und eine Zusammenarbeit mit Meghan Trainor in einer atemberaubenden Duett- Version. Blakks nachfolgende, mit Gold ausgezeichnete Single „Fall Into Me“ (gemeinsam geschrieben mit Matchbox Twenty-Frontmann Rob Thomas und Gregg Wattenberg) erreichte die Top 30 der Hot-AC-Radio-Charts. Des Weiteren ist Blakks Katalog zu einem festen Bestandteil der Netflix-Serie „Love Is Blind“ geworden, deren Macher*innen ihn zum „Schutzpatron“ der Serie ernannt haben. Die Los Angeles Times schrieb dazu: „(Blakks) ernsthafte Midtempo-Liebeslieder sind in ‚Love is Blind‘ fast genauso oft zu hören wie die Moderatoren Nick und Vanessa Lachey“. Blakk wurde vom PEOPLE Magazine als einer der „talentierten Nachwuchskünstler, die die Musiklandschaft prägen“ hervorgehoben und von Billboard als „aufstrebender Künstler“ bezeichnet. Der aus Montreal stammende Musiker debütierte 2018 mit seiner EP „Minutes“ und legte 2020 mit seiner zweiten EP „Sideways“ nach – letztere entstand in Zusammenarbeit mit Will IDAP (Train, Florida Georgia Line), Nick Long (King Princess), Carl Ryden (Ricky Martin, David Guetta) und Ollie Green (Freya Ridings, Gavin James), um eine Liebesgeschichte aus einer realistischen und ehrlichen Perspektive zu erzählen. Die 6-Track- Sammlung enthielt die Singles „I Wish I Knew“ (von American Songwriter als „introspektiver Blick auf die Liebe und verlorene Liebe“ bezeichnet) und die mitreißende Hymne über die eigene Widerstandsfähigkeit „Put Your Hands Up“, die in einer Folge der Serie „Grey’s Anatomy“ debütierte. 2024 erschien seine EP „Undone (Love & Loss)“ mit dem Titel „The Anchor & The Kite”, der bei verschiedenen Filmfestivals sieben Auszeichnungen erhielt. Als mitreißender Live-Performer tourte Blakk ausgiebig als Support für James Blunt, James Arthur, NEEDTOBREATHE, Gavin James, Dean Lewis und viele mehr – zusätzlich zu seinen eigenen ausverkauften Headliner-Tourneen in Nordamerika und nun seiner anstehenden Deutschland-Tournee mit u.a. einem Konzert in Berlin!

HEAVY LUNGS liefern bei ihren Shows rohe, laute und kompromisslose Energie – inspiriert von den ungestümen, befreienden Live-Momenten der 80er- und 90er-Jahre. Vom Start weg ging es brutal schnell nach oben: Die Band teilte sich bereits die Bühne mit Weggefährten wie IDLES, The Oh Sees, METZ, JOHN und vielen mehr. HEAVY LUNGS stehen für explosiven, wahnwitzig spaßigen und eigenwilligen Punk. Ihr gefeiertes Debütalbum All Gas No Brakes erschien 2023 und brachte ihnen prominente Unterstützung – unter anderem von Steve Lamacq und Iggy Pop. HEAVY LUNGS sind wie ein Rock’n’Roll-Sandwich, von dem du nicht wusstest, dass du es brauchst – aber jetzt willst du es jeden Tag. Ob Tinnitus oder ein unaufhaltsamer Ohrwurm: Ein Konzert von HEAVY LUNGS bleibt definitiv hängen.

Foto: Sanel Pelko

Nach über 20 Liveshows im vergangenen Jahr, inklusive der ersten NAVACHA Tour, steht Nico nun vor dem Beginn seiner ersten Album-Kampagne. Während über NAVACHA privat wenig bekannt ist und Social Media wie Musikvideos Eindrücke aus einem bewegten Leben vermitteln, führen die 15 Songs der kommenden Platte in das schillernde Universum hinter den Oberflächlichkeiten des Alltages. Dort wird klar: das Leben ist ein Geschenk, keine Bürde. Und Ergebnis dessen, was wir fühlen. Im Geiste des gleichnamigen Albums lädt die „Überlebt“-Tour dazu ein, das Leben zu feiern. Im Regen zu tanzen, zusammen auf Sonne zu warten.

Entgegen schnelllebiger Trends schafft NAVACHA mit „Überlebt“ gefühlvolle Trips, introspektiv und melancholisch, mitreißend durch Grenzerfahrungen und Bilder eines bewegten Lebens. Intellektueller Horizont und emotionale Kompetenz werden oft begleitet von unverblümter Härte. Der wechselhafte Tanz zwischen rebellischem Zorn und sensibler Verletzbarkeit befriedigt die wachsende Sehnsucht nach Substanz, Sinnhaftigkeit und Tiefgang und verkörpert eine Sensation, der Menschen angehören wollen.

Foto: Max Bublak

KYTES sind zurück auf den Bühnen Europas. Das Trio aus München, bestehend aus den langjährigen Freunden Michael Spieler, Timothy Lush und Kerim Öke, hat sich über die Jahre zu einer festen Größe in der europäischen Indie-Szene entwickelt. Ihr Sound verbindet Leichtigkeit und Nähe mit treibender Energie. Mit der „Indie Rave Tour“ touren sie nun durch 35 europäische Städte.

Seit ihrer Gründung im Jahr 2015 haben sie eine stetig wachsende Fanbase aufgebaut. Der Mix aus Indie und elektronischen Beats entfaltet auf der Bühne seine volle Wirkung.

Ausverkaufte Venues, über 100 Millionen Streams und internationale Auszeichnungen sind der Beweis für das unbestreitbare Talent von KYTES. Mit der neuen Single „Cope“ greifen KYTES das Gefühl unserer Zeit auf: der tägliche Strudel aus schlechten Nachrichten, Endlosschleifen und Doomscrolling. Das kommende Album „Indie Rave“ knüpft daran an und richtet den Blick dennoch nach vorn.

Mit ihrem unverwechselbaren Mix aus eingängigen Hooks, treibenden Beats und euphorischer Live-Energie starten KYTES mit der „Indie Rave Tour 2026 & 2027“ nun also in das nächste Kapitel. Alte und neue Freunde sind eingeladen, um den Puls von Indie und Electro live und hautnah zu erleben.

Foto: Fernanda Augel

KAFVKA ist eine Band aus Berlin, die seit vielen Jahren politisch aktiv ist und sich für soziale Gerechtigkeit und gegen Rechts einsetzt. Der Untergrund-Hit „Alle hassen Nazis“ erreichte bis dato insgesamt knapp 10 Millionen Streams und ist von keiner linken Demo mehr wegzudenken.

Ziel von KAVFKA ist es, die Botschaft einer besseren Welt durch Musik zu verbreiten und Menschen zum Nachdenken und Handeln zu inspirieren.

… sagt KKT.

Foto: Silken Weinberg

Der irische Singer/Songwriter Dermot Kennedy, der einst zwischen Dubliner Straßenecken und kleinen Clubs seine ersten Zuhörer*innen fand, hat sich in den vergangenen Jahren zu einem der prägendsten Stimmen seiner Generation und Irlands entwickelt. Live beweist er am besten, warum er so viele Menschen erreicht: Nicht die Inszenierung steht im Zentrum, sondern die ehrliche, beinahe ungeschützte Präsenz, mit der er singt. So überzeugte er bereits auf ikonischen Bühnen wie in der O2-Arena in London oder im Madison Square Garden. Nach reduzierten Europa-Shows, dem von ihm kuratierten MISNEACH-Festival sowie internationalen Gastauftritten mit Künstlern wie Niall Horan, Noah Kahan und Zach Bryan, folgt 2026 ein neues Kapitel. Neben Fanfavoriten wird Kennedy auch gänzlich neues Material zum Besten geben.

Dermot Kennedy begann früh Gitarre zu spielen, suchte aber lange nach dem richtigen Ton. Den fand er schließlich: Songwriterpreise, über vier Milliarden Streams bei Spotify, das am häufigsten verkaufte Debütalbum Irlands in diesem Jahrhundert mit „Without Fear“. Schritt für Schritt arbeitete er sich heraus aus der lokalen Szene, ohne je das Gefühl zu verlieren, das seinen Songs innewohnt. Folk-Elemente treffen auf modernere Strukturen, poetische Bilder auf rhythmische Klarheit. Mit dem 2022 erschienenen zweiten Album „Sonder“ und der introspektiven EP „I’ve told the trees everything“ (2024) hat der Singer/Songwriter seinen authentischen Sound weiter geschärft. Im Frühjahr 2026 kommt Dermot Kennedy nun nach Deutschland. Als Support begleitet ihn die irische Folk-Band Amble.

Foto: Jeanette Friedrich

Mit einer markanten Stimme, tiefgehenden Lyrics und warmen Indie-Klängen zählt Philippa Kinsky als eine der spannendsten deutschen Newcomerinnen im englischen Indie-Pop. Die deutsch-österreichische Künstlerin verbindet ehrliche, introspektive Texte mit organischen Arrangements und erschafft so eine Musik, die nahbar, zeitlos und emotional berührend ist. 2022 veröffentlichte sie mit ihrer Debüt-EP „born in the teens“ erstmals eigene Songs. Ihr Sound bewegt sich zwischen DIY-Charme und modernen Indie-Produktionen, inspiriert von Sad-Indie-Pop-Künstlerinnen wie Clairo, Phoebe Bridgers und Lizzy McAlpine.

2023 zeigte Philippa mit Singles wie dem Pop-Punk-Track „prove you wrong“ und dem Feature „self-esteem“ auch in ihrem eigenen Projekt zunehmend diverse Facetten ihres Songwriting-Talents. Sie ist nicht selten auch für andere Artists und Projekte im Einsatz – u. a. in Zusammenarbeit mit etablierten Writing-Namen wie Michael Patrick Kelly und Daniel Bryer (One Direction, Niall Horan, Rag‘n‘Bone Man).

2024 zeigte sie mit der EP „smalltown stories“ eine neue musikalische Tiefe – melancholisch, verträumt und doch mit klarer Handschrift, während sie live immer mehr Bühnen für sich gewinnen konnte. Nachdem sie im letzten Jahr neben eigenen Shows auch zahlreiche Acts als Support begleitete, darunter LEA, Chris James und ihre internationalen Indie-Idole Tommy Lefroy, stand sie 2025 bereits als Support für Carter Vail auf der Bühne. Das nächste Kapitel schlägt sie 2025 nach den beiden Singles „Haven“ und „Neverland“ auf – endlich ein Debut Album das Anfang 2026 erscheinen wird. Den Auftakt macht “Somebody Who Loves” – ein Song, der in vieler Hinsicht ein Meilenstein ist.

Musikalisch betritt er eine neue Soundwelt – mit 80s Synths, hymnischen Chören und Melodien, die einem im Gedächtnis bleiben. Es geht um Heilung, um das Überwinden von Schmerz und darum, wie wichtig es ist, seine Verletzungen nicht weiterzugeben, sondern zu vergeben. Der Sound, die Größe sowie auch das Thema geben einen Vorgeschmack auf Philippas Debut Album. Philippa Kinskys Musik erzählt von ehrlichen menschlichen Erfahrungen, der Suche nach Wahrheit und nach dem, was Menschsein wirklich ausmacht, egal wer man ist und woher man kommt – von der Tiefe zwischenmenschlicher Beziehungen und von der Hoffnung auf das Gute.

Foto: Karo Jackowska

Mariybu veröffentlicht am „Herrentag“, den 14. Mai 2026, ihr Album „FRECH“, das mit tanzbarem Technogeballer die Herrenwelt aufs Korn nimmt. Es handelt von Alpha-Feministen, Fodsen & Schlampen und dem Eisprung-High. Musikalisch bewegt es sich im Bereich des technoiden Hyperpop mit Hardstyle-Elementen. Ab September 2026 ist Mariybu mit ihrem Album auf Tour.

Neuer Name, gleiche Leidenschaft: Aus filmrausch wird der feinrausch: filmabend! Ab November 2025 heißt es wieder: Jeden ersten Sonntag im Monat verwandeln wir das Passage Kino in unseren ganz persönlichen Lieblings-Filmclub.

Die Lieblingsfilme deines Liebslingsartists: Musiker*innen zeigen Filme, die eine besondere persönliche Bedeutung haben – sei es als Inspiration für Songs und Musik, für die eigene Entwicklung/Prägung, oder einfach „nur“ als Lieblingsfilm. Vor dem Screening erzählen die Künstler*innen was der Film für sie oder ihn besonders macht und wie er das eigene künstlerische Schaffen beeinflusst hat. Danach wird gemeinsam geschaut – in der entspannten und gemütlichen Atmosphäre des Passage Kinos. Die Reihe läuft von November bis April – sichere dir jetzt Tickets über feinrausch.de

Foto: Elizabeth Miranda

Amerikas bekannteste Rock’n’Roll Botschafter, Foo Fighters, sind zurück und bringen ihre energiegeladenen Shows mit maximaler Lautstärke auf europäische Bühnen. Nachdem kürzlich die neue Single „Asking For A Friend“ erschien, kündigt die Band nun ihre große „TAKE COVER TOUR“ an, die sie im Sommer durch die Stadien Europas führt. Vom 10. Juni in Oslo bis zum 10. Juli in Lissabon werden Dave Grohl, Nate Mendel, Pat Smear, Chris Shiflett, Rami Jaffee und Ilan Rubin ihre Hymnen in die Stadien, Arenen und auf die Festivalbühnen Europas und Großbritannien bringen.

Damit knüpfen die Foo Fighters an den Erfolg der „Everything or Nothing at All Tour“ (2024) an, die ihnen vom britischen Guardian ein Lob für ihre „thrilling intensity“ einbrachte, während der Evening Standard die Foo Fighters zu den „unangefochtenen Königen des Stadionrocks“ kürte. Im Sommer 2026 kommen die Foo Fighters auch nach Deutschland. Am 01. Juli nach Berlin – gemeinsam mit IDLES und Fat Dog.

In a world gone mad it’s hard to think right

Eine Drohne schlägt in einen Unterstand ein, verrauschte Bilder zeigen die letzten Sekunden eines Soldaten, unterlegt von kämpferischer Phonk-Musik. Schnitt. Ein Rapper hält seinen ersten, eigenen Eistee in die Kamera und grinst. Schnitt. Eine nächtliche Großstadt, grünstichig. Hell und klar hebt sich der Schweif einer Rakete ab, die in ein Hochhaus einschlägt, man hört die Detonation, Alarmsirenen und aufgeregtes Hundegebell. Ein etablierter Indiepop-Artist singt seinen bekanntesten Song, die Kamera schwenkt, auf einmal kommt der Crazy Frog ins Bild, gut gelaunt und nur mit seiner prägnanten weste bekleidet. Er legt den Arm um den bekannten Sänger und beide stimmen den Refrain ihres neuen, gemeinsamen Songs ein. Schnitt. Schnitt. Schnitt.

Das neue Album von Grim104,„No Country For Old Grim“, ist eine irrwitzige, finstere Collage aus all diesen Bildern, die in den letzten Jahren sowohl das Weltgeschehen als auch unser persönliches Empfinden beeinflusst haben:

Mit den Kriegen und Gräueln der letzten Jahre hat sich die relative Gemütlichkeit der Zehnerjahre endgültig aufgelöst, das Gefühl von politischer und wirtschaftlicher Sicherheit ist in den letzten Jahren erodiert. Und auch im Nahbereich beginnen die Dinge zu rutschen: Die „Arm, Aber Sexy“-Utopie von Berlin ist ausgeträumt und eine obskure, neue Klassengesellschaft ist entstanden – die, die den Smoothie bestellen und die, die den Smoothie in einem kaputten Mitsubishi Colt liefern. Dazwischen all die Überlegungen, die man sich als Mittdreißiger macht, wenn man es nicht mehr in die Smoothie-Klasse geschafft hat: Oder doch nochmal was Richtiges machen? Oder doch noch mal wegziehen? Oder nicht?

Diesen Tanz auf Messers Schneide bringt Grim104 ab April 2026 auch auf die Bühne. In 10 Städten entladen sich Wut und Ekstase in einer energetischen, rohen Live-Show, in der immer wieder melancholische und irrwitzige Lichter aufblitzen. Wer die Konzerte der vergangenen Touren besucht hat, weiß dass Grim104 sein Publikum auch mit diesem Album zum Toben bringen wird – und wer zum ersten Mal vorbeischaut, kann sich auf einen denkwürdigen Konzert-Abend freuen.

Das Rolling Stone Magazin nennt ihn „die Zukunft indischer Musik“ – und wer Anuv Jain einmal gehört hat, weiß warum. Der Singer/Songwriter gehört mit gerade einmal 30 Jahren schon zu den großen Stimmen der modernen Indie-Szene. Was 2012 als YouTube-Projekt eines zurückhaltenden Studenten begann, hat sich zu einer internationalen Erfolgsgeschichte entwickelt. Seit seinem Durchbruch mit „Baarishein“, das mittlerweile über 800 Millionen Streams verzeichnen kann, berührt Jain mit seiner Musik Millionen von Menschen auf der ganzen Welt.

In seinen bislang 14 veröffentlichten Songs gelingt es ihm immer wieder, persönliche Erfahrungen in Musik zu verwandeln, die weltweit Menschen bewegt: Sein 2023 erschienener Hit „Husn“ wurde in Indien zum zweitmeist gestreamten Song des Jahres und erreichte zudem die Top 100 der internationalen Spotify-Charts – ein Beweis für die universelle Sprache seiner Musik.

Mit jeder Note vermittelt Anuv Jain eine leise Intensität, die unter die Haut geht – intim und verletzlich zugleich. Seine Songs sind schlicht, ehrlich und von einer berührenden Ruhe geprägt. Eine warme Baritonstimme und minimalistische Gitarrenmelodien genügen, um mitreißende Geschichten zu erzählen. Die Texte wirken oft wie ein stilles Gespräch mit sich selbst: Es geht um das fragile Gleichgewicht zwischen Nähe und Freiheit, um Liebe, Verlust, Erwachsenwerden, Trauer und Selbstfindung.

Auch live hat sich Anuv Jain längst einen Namen gemacht. Seine Konzerte sind tiefgehende, fast meditative Erlebnisse. Wenn er allein mit seiner Gitarre auf der Bühne steht, entwickelt sich eine spürbare Nähe zwischen ihm und seinem Publikum – ein stiller Moment der Verbundenheit, der lange nachhallt. Nach seinen restlos ausverkauften Tourneen „Dastakein“ (2021) und „Guldasta“ (2023) folgt nun der finale Teil der Trilogie: „Dastakhat“. Und dabei kommt Anuv Jain 2026 erstmals nach Deutschland und bringt seine Songs, die lange in Erinnerung bleiben werden, nach Berlin.

Foto: instagram.com/mrpharmacist72

Es gibt nur wenige Stimmen, die tiefer in die Ikonographie und Mythologie des amerikanischen Indie-Rock eingebettet sind als die von Chan Marshall. Unter dem musikalischen Namen Cat Power veröffentlicht Marshall seit fast 25 Jahren Musik und ihr Können als Songwriterin, Produzentin und vor allem als Stimme ist mit der Zeit immer einflussreicher geworden.

Geboren in Atlanta, Georgia, begann sie ihre Karriere in der New Yorker Underground-Szene und veröffentlichte 1995 ihr Debütalbum Dear Sir. Der Durchbruch gelang ihr wenige Jahre später mit Moon Pix (1998), einem von Kritiker:innen gefeierten Werk, das sie in Australien mit Mitgliedern der Dirty Three aufnahm. Das Album gilt bis heute als ein Meilenstein introspektiver Songkunst – roh, verletzlich und poetisch zugleich.

In den folgenden Jahren entwickelte sich Cat Power zu einer der charismatischsten und wandelbarsten Künstlerinnen ihrer Generation.

Alben wie You Are Free (2003), The Greatest (2006) oder Sun (2012) zeigten ihre Fähigkeit, musikalische Stile zu durchbrechen und sich immer wieder neu zu erfinden – von minimalistischen Balladen bis zu soulgetränkten Arrangements und elektronisch gefärbten Soundlandschaften. Neben ihrem eigenen Werk ist Marshall auch für ihre außergewöhnlichen Coverversionen bekannt, in denen sie Songs anderer Künstler:innen in radikal neue emotionale Kontexte überführt. Ihr 2022 erschienenes Album Covers fasst diese besondere Gabe eindrucksvoll zusammen.

Mit ihrer unverwechselbaren Stimme – mal sanft und brüchig, mal kraftvoll und leidenschaftlich – hat Cat Power über die Jahre eine treue Fangemeinde und großen Respekt in der Musikszene gewonnen. Ihre Songs erzählen von Einsamkeit, Sehnsucht, Heilung und der unermüdlichen Suche nach Authentizität. Ob solo mit Gitarre oder Klavier, oder begleitet von einer Band: Cat Power steht für eine radikal ehrliche Form von Songwriting, das tief berührt und lange nachhallt.

Foto: Jo Hannes Klingelhoefer

Goldene Sonnenstrahlen auf makellosem Teint, rote Lippen an kalten Drinks, Flirts mit dem Crush und Goodbye in der Lobby: Anaïs liefert den Soundtrack zur Zeit unseres Lebens. Sie kleidet große Gefühle wie kleine Momente mühelos in Lyrics und Harmonien – und klingt dabei so smooth wie Samt am Meer. Ihre Musik folgt ihrem Charme, zwischen classy und lässig, indie und urban, Jetset und Heimweh. Zwischen all dem schafft sich Anaïs ihre eigene Kategorie. Das wird spätestens klar, wenn sie auf der Bühne zwischen ihren Performances locker ein paar cheesy Jokes in die Menge streut – und die Herzen angesichts ihrer warmen Art so schnell schmelzen wie Pistazieneis im Hochsommer.

Anaïs’ Sound ist vielfältig: Von organischen Mellotron-Samples und dreamy Gitarrenriffs bis boomy Basslines und bouncy Backbeats. Aber spätestens, wenn ihre Stimmharmonien smooth wie Chardonnay durch den Klangteppich in die Gehörgänge sickern, ist klar, wohin die Reise geht: Riviera, Berlin, Paris, in Städte der Liebe und bei Sehnsucht ans Meer. Ihre Musik ist facettenreich aber eingängig, berührt, bleibt im Ohr. Anaïs hat keine Berührungsängste mit Pop, mit Indie, mit HipHop. Sie steht über den Dingen, schwebt über den Melodien, immer selbstbewusst und Herrin der Lage, in Bild und Ton. Sie liebt es, ihre Videos, ihre Visual Identity, ihre Karriere selbst zu gestalten.

Von Anfang an vergeht alles wie im Zeitraffer: Anaïs schreibt und veröffentlicht ihren ersten Song im Jahr 2021, mitten im Studium, wird entdeckt, sichert sich ihren ersten Label-Deal, dann erste Studio- Sessions, weitere Releases folgen. Dann Auftritte als Support Act für Cro, Nina Chuba, Giant Rooks, Provinz, Features mit Bruckner, oddworld, Dominik Hartz, MAJAN und vielen weiteren. Sie schreibt auf Französisch, Englisch und Deutsch, webt Sprachwitz und Tiefe multilingual zwischen die Zeilen. Damit trifft sie die Gefühle und Gedanken eines jungen internationalen Publikums, zwischen Girls und Jungs, Studium und Karriere, Aufbruch und Heimweh.

Anaïs macht Indie Pop mit Seele und Optimismus für wilde Herzen, die sich und das Leben feiern, mit allen Ups and Downs, ohne schlechtes Gewissen. Das hier ist unser Film, unsere Leinwand. Zeit für Dolce-Vita-Vibes und Großstadtgefühle, Weiblichkeit und Empowerment. Sie liebt das Leben, lebt Hedonismus, aber lässt auch schweren Themen ihren Platz, bis sie leicht werden und sich in seidenen Toplines auf sommerlichen Beats in Luft auflösen. Und wir, Release für Release auf Wolken, eingehüllt von geschmeidigen Dauerschleifen, entdecken dabei immer wieder Neues zwischen ihren Zeilen. Zum Beispiel uns selbst – in der Blütezeit unseres Lebens.

Foto: Nat Traxe

Nach einer intensiven kreativen Phase kehrt LOTTE zurück und kündigt für 2026 ihre „Wenn du tanzen willst“ Tour an. Jetzt beginnt für die Künstlerin eine neue Ära – musikalisch wie visuell. Es ist eine Rückkehr, endlich wieder auf die Bühne, dorthin, wo sie am liebsten tanzt: mitten unter ihren Fans. Mit neuen Songs, frischen Geschichten und einem Gefühl von ungebremster Leichtigkeit meldet sich die Sängerin aus Ravensburg zurück.

Die letzten Jahre haben LOTTE persönlich und künstlerisch geprägt. Und mit dem Release der ersten neuen Songs ihres vierten Albums Anfang 2026 gibt die Künstlerin ihren Fans Einblick in ihre eigene kleine Welt.

Wo das echte, sehnsüchtige, ungezähmte, lebendige Miteinander zelebriert wird. Große Melodien treffen auf intime Momente, tanzbare Beats auf berührende Texte. Ihre Konzerte sind mehr als nur Musik: LOTTE tanzt, lacht, erzählt und schafft Augenblicke, die man so schnell nicht vergisst.

Die Tour ist eine Einladung ins echte Leben – mit neuem Sound zwischen Dreampop und 70er-Ästhetik. Gemeinsam mit ihrer Band bringt LOTTE die neue Musik auf die Bühnen des Landes und verwandelt jeden Abend in ein Erlebnis voller Energie, Herz und Freiheit. Im Herbst 2026 heißt es: „Wenn du tanzen willst“, dann tanz mit LOTTE!

Foto: Johan Bergmark

Acclaimed Swedish indie-pop band Peter Bjorn and John are bringing their iconic album Writer’s Block back to life on a highly anticipated tour. This commemorates the 19th anniversary of the band’s breakthrough LP, originally released in 2006. Writer’s Block is widely regarded as one of the most influential albums of the mid-2000s. The LP was one of Pitchfork’s „Best New Music“ picks and had The Guardian calling it „A delight, from start to finish.“ The album’s single „Young Folks,“ featuring Victoria Bergsman, became an era-defining anthem, earning widespread and long-lasting acclaim. The song’s infectious whistling has been spotlighted in numerous cultural discussions and earlier this year The New York Times featured „Young Folks“ in their „In Praise of Whistling in Pop Music“ newsletter and playlist „The Amplifier.“

In addition, the song was featured prominently in two of the periods biggest TV shows — Gossip Girl and How I Met Your Mother. Furthermore, several album tracks caught the ear of some very well-known rappers. Kanye West rapped over „Young Folks“ for his 2007 mixtape Can’t Tell Me Nothing, and in 2009 Drake sampled „Let’s Call It Off“ on his track of the same name and Azealia Banks rapped over „The Chills,“ retitling the track „The Chill$.“ This milestone tour offers fans a chance to relive Writer’s Block in its entirety, along with other beloved hits from Peter Bjorn and John’s extensive discography. The band’s innovative approach to songwriting and their knack for crafting timeless melodies have solidified their place as indie pop pioneers, and this tour promises to celebrate their enduring legacy.

HC-Punk lebt – den Kids geht’s gut! Reunion? Keine Spur – die machen ihr eigenes Ding. Eine junge Generation von Bands hat der Szene einen frischen Anstrich und messerscharfe Relevanz verpasst. Musikalisch extrem spannend, live der totale Ausbruch: Körper fliegen, Fäuste gereckt, der Laden steht Kopf. Nie sah die Szene diverser und besser dabei aus. HC-Punk hat sich weiterentwickelt, hat Mauern gekickt, Türen geöffnet und frischen Wind reingelassen. Die Besetzung von Bands und Publikum ist heute so vielfältig wie nie. Das ist gut und hat HC gefehlt!

Berlin Breakout! gibt diesem progressiven Schwung neuer Bands jetzt ein festes Zuhause in der Stadt. Denn ohne (Comm)Unity ist es nur Musik. Sie holt zusammen und schafft ein verbindliches Momentum. Und so ist HC: Teilnehmen meint stets auch, Teil zu sein. Berlin Breakout! auf dem RAW-Gelände: Konzerte in drei verschiedenen Venues, Marktplatz und tasty vegan Food.

Foto: Patricia Rosingana

Als die Post-Punk/Electronic-Formation Chalk aus Belfast im Jahr 2022 seine Debüt-Single „Them“ veröffentlichte, hat die breite Begeisterung nicht lange auf sich warten lassen. Ganz nach dem Motto „best of both worlds“ treffen bei Chalk musikalische Welten aufeinander. Zum einen die rohe Gitarren- Gewalt des ungeschliffenen Post-Punks und zum anderen treibende Club- und Electronica- Beats. Ein Konzept, das schnell Anklang findet – und in Kombination mit der starken visuellen Seite der Kunst von Chalk ein düsteres Gesamtkonzept schafft, das einnehmend und neuartig ist. Dass Ästhetik bei Chalk eine ebenso große Rolle spielt, wie die Soundebene selbst, ist beim Betrachten ihrer Bandhistorie nicht verwunderlich. Gründungsmitglieder Ross Cullen (Gesang), Benedict Goddard (Gitarre/Synthesizer) und Luke Niblock (Schlagzeug) haben sich bei ihrem gemeinsamen Filmstudium kennengelernt. Inspiriert von der Clubszene ihrer nordirischen Heimat Belfast sowie der Bandkultur des benachbarten Dublins, kreierten sie einen Sound, der kompromisslos Elemente verschiedener Genres miteinander vereint und an Bands wie Idles oder Nine Inch Nails, aber eben auch an Bicep oder Daniel Avery erinnert. Bereits ein Jahr nach Veröffentlichung der Debütsingle startete die Band ihr „Conditions“-EP-Projekt, von dem in den vergangenen Jahren drei Werke erschienen sind – zuletzt Anfang dieses Jahres die „Conditions III“-EP. Seither sind mit „Pain“ und der gerade veröffentlichten „Can’t Feel It“ zwei weitere Singles erschienen, in denen Chalk sich gewohnt kraftvoll und vielseitig inspiriert zeigen – und die sie mit Sicherheit auch auf ihrer kommenden Europa-Tournee spielen werden. Denn ergänzt wird die vielschichtige Soundseite von einem Live-Spiel, das seinesgleichen sucht, wie Chalk bereits auf einer ausverkauften Headline-Tour sowie bei diversen großen Festivalauftritten im Sommer bewiesen haben. Treibende Performances, energiegeladene Atmosphäre und hohe Intensität zeichnen von Beginn an die Konzerte der Belfaster aus. Im November begeben sie sich auf ihre erste USA-Tour, bevor sie im kommenden Jahr ihre bis dato größten Headline- Shows in UK und Europa spielen. Wer sich davon einmal selbst überzeugen will, bekommt im April nächsten Jahres die Chance dazu. Dann kommen Chalk für einen Auftritt nach Berlin, um einen Ist-Stand ihrer aktuellen Diskografie vorzutragen.

The Belgian artist, composer and multi-instrumentalist Tsar B (Justine Bourgeus) rearranges the DNA of pop, classical-baroque, and club beats into a rush of life at a breakneck velocity, teeming with astonishment, devotion and curiosity. Throughout her career, Bourgeus has bridged her work into visual mediums such as film, dance and fashion. In the wake of EP (2016), her debut LP The Games I Play, the 2020 EP Unpaintable and to the stars (2023), Bourgeus polished off high-profile collaborations with the likes of Alexander Chung, Oscar and The Wolf and Nova Twins. During the pandemic Tsar B inhabited one of Salvador Dalí’s legendary cookbooks for the stunning concert film Les Diners de Gala. Over the past few years, Bourgeus emerged as a sought-after film composer and producer, while continuing her impressive individual output. Her forthcoming third album The Writer is released on January 30 2026.

Foto: Eric Daniels

Für The Sophs beginnt alles im September 2024, als Sänger Ethan Ramons die ersten Demos an seine Lieblings-Labels verschickt – unter den Adressaten: der Indie-Riese Rough Trade. Bis hierhin keine ungewöhnliche Herangehensweise in der heutigen Musikindustrie. Dass Ramon bereits nach einem Tag eine Rückmeldung von den Rough- Trade-Gründer Geoff Travis und Jeannette Lee persönlich erhalten sollte, hören jedoch selbst alte Musikbranchen-Koryphäen nicht alle Tage. Travis und Lee waren sofort von der Kreativität, der schonungslosen Ehrlichkeit und dem Schaffensdrang der Band begeistert. Die Vertragsunterzeichnung habe sich daraufhin, laut Ramon, wie eine „Handlung aus vollem, gegenseitigem Vertrauen“ angefühlt. Im Mai 2025 erschien dann die erste Single „SWEAT“. Darin erzählt die Gruppe vom Unbehagen im Moment eines Kontrollverlusts und verhandelt somit die Machtfrage unserer eigenen Gefühlswelt. Im Laufe des Songs bricht Ramons umfangreiche Stimme aus, bis er aus vollem Halse schreit. „SWEAT“ erinnert daher nicht nur gesanglich an Legenden wie The Strokes oder Radiohead, sondern auch durch Ramons charismatisches Auftreten und durch das gekonnte Zusammenspiel der gesamten Band. Doch das Sextett ist keine klassische Indie-Rock-Band. Ethan Ramon, Sam Yuh (Keyboard), Austin Parker Jones (E-Gitarre), Seth Smades (Akustikgitarre), Devin Russ (Schlagzeug) und Cole Bobbitt (Bass) überzeugen vielmehr durch ihre Experimentierfreude: Sei es, sich in unterschiedlichen Genre-Kategorien musikalisch heimisch zu fühlen, ob Indie- Rock, Pop-Punk oder sogar Funk, oder sich offen für explosive Stimmungswechsel zwischen laut und leise zu zeigen. Gleichzeitig setzen sie sich inhaltlich mit ernsten Themen und Gedankenspiralen auseinander. Die brutale Ehrlichkeit ist eines der Wiedererkennungsmerkmale der Band: Sich einbrennenden, intrusiven Gedanken den Raum geben, bevor jene Überhand nehmen – so das Kredo von The Sophs. In ihrer kurzen Bandgeschichte spielten sie bereits eine Woche nach Labelkontaktaufnahme Shows im heimischen Westen der USA, gefolgt von solchen an der Ostküste; in Europa prämierten sie 2025 u.a. in London und Paris. Mit ihrer sehnsüchtig erwarteten Debüt-EP „GOLDSTAR“ gehen The Sophs 2026 erneut auf Streifzug durch Europa.

Als im Frühjahr 2011 die ersten Akkorde von „If You Wanna“ durch das britische Radio liefen, war schnell klar: Diese Band würde bleiben. The Vaccines – vier junge Londoner mit Hang zu eingängigen Refrains, Surf- Riffs und jugendlicher Überheblichkeit – füllten damals ein Vakuum, das der Indie-Rock der Nullerjahre hinterlassen hatte. Ihr Debütalbum „What Did You Expect from The Vaccines?“ schoss direkt auf Platz vier der britischen Charts, wurde mit Platin ausgezeichnet und gilt heute als eines der prägenden Gitarrenalben des Jahrzehnts.

Fünf Alben, mehrere Umbesetzungen und unzählige Touren später, steht die Band um Sänger Justin Young und Bassist Ãrni Ãrnason kurz vor einem neuen Kapitel: Zum 15-jährigen Jubiläum ihres Erstlings geht es 2026 auf große UK-Tour. Das Album wird in voller Länge gespielt, flankiert von Klassikern aus dem restlichen Katalog. Die Nachfrage war überwältigend, Zusatzshows in London und Manchester mussten kurzfristig angesetzt werden. Natürlich schließen die Briten dem Erfolg auch EU-Dates an.

Dass The Vaccines mehr sind als ein nostalgischer Rückblick auf die goldenen Indie-Jahre, zeigte zuletzt ihr sechstes Studioalbum „Pick-Up Full of Pink Carnations“ (2024). Entstanden in Los Angeles, klingt es nach Westküste, nach Spätjugend und Aufbruch zugleich –

– ein Album, das seine Wurzeln nicht verleugnet, aber reifer, größer und reflektierter wirkt. Justin Young, mittlerweile in den USA zuhause, singt über Verlust, über das Erwachsenwerden in einer Branche, die ewig jung bleiben will, und über das Suchen nach Momenten, die Bestand haben.

Doch erst auf der Bühne entfaltet diese Musik ihre ganze Energie. Die Konzerte der Band sind heute kleine Zeitmaschinen: Wer in Berlin, London oder Melbourne in den letzten Monaten dabei war, hat erlebt, wie ein Publikum nach den ersten Takten von „Wreckin’ Bar (Ra Ra Ra)“ oder „Post Break-Up Sex“ kollektiv in Ekstase verfällt. The Vaccines beweisen, dass Gitarrenmusik auch 2024 noch Menschen zusammenschweißen kann – ohne Retro- Pathos, sondern mit ehrlicher Hingabe.

Nach einer restlos ausverkauften Tour 2024 und einem gefeierten Festivalsommer kehren The Vaccines im Frühjahr 2026 endlich nach Deutschland zurück, um das 15-jährige Jubiläum von „What Did You Expect from The Vaccines?“ auch hierzulande zu feiern. Das ist nicht nur Nostalgie: Das ist eine Band, die immer noch weiß, wie man Herzen höherschlagen lässt.

Der erfolgreiche amerikanische Singer/Songwriter Brookln Dekker stürzt sich tief in sein neues, bisher ambitioniertestes und unmittelbarstes Album: „Neither Up Nor Down“, das am 26. September 2025 erscheint. Aufbauend auf einem bedeutsamen Jahr 2024 mit 70 Millionen Streams und Dutzenden von Konzerten vor einem stetig wachsenden Publikum in ganz Europa hat Dekker (wie er besser bekannt ist) für die 11 Songs umfassende LP eine reiche persönliche Ader erschlossen. „Neither Up Nor Down“ trotzt sowohl dem pechschwarzen als auch dem blendenden Licht langjähriger Liebe, des Göttlichen und der Beziehung des menschlichen und tierischen Selbst.

Getragen wird dies von Dekkers bisher kühnstem und reinstem Songwriting – unterstützt von seinem langjährigen Freund und Weggefährten, dem Berliner Schlagzeuger Stefan Wittich, und gemischt/gemastert von Zach Hanson (Bon Iver, The Staves, Low, Waxahatchee). Mehrere Songs von Neither Up Nor Down wurden bei jüngsten Konzerten unter Dekkers charakteristischem breitkrempigen Hut getestet. „Familiar Beat“, eine der bereits veröffentlichten Singles des Albums, fühlt sich mit seinem fröhlichen „Boom Ba/Boom Ba“-Refrain, der zum Mitwippen einlädt, bereits wie ein Dekker-Klassiker an. Die erste Single „Not Feeling Up“ ist der melancholischste Spaß, den man in einem dreiminütigen Pop-Muntermacher haben kann. Dekker fordert ironisch: „I’m not feeling up now / Not feeling up now / Can we get down?“

Derweil ist der karge, herzzerreißende Falsett-Zusammenbruch von „Photograph“ einer der einfachsten und zugleich erschütterndsten Tracks, die Dekker je gemacht hat:

… seine schmelzende Mischung aus Liebe und Angst bildet den Kern von „Neither Up Nor Down“. Die zerbrochene Schönheit und Komplexität gelebter Beziehungen wird im Meilenstein des Albums, „The Dove“, unerschrocken auseinandergenommen. Dekker singt darin im Duett mit Ruth, seiner Frau seit 22 Jahren und Bandkollegin bei Rue Royale. Die beiden singen: „Sind wir noch verliebt?“ Dekker erinnert sich: „Ruth sang mit mir die Refrains von ‚The Dove‘. In diesen Momenten war die Welt in Ordnung.“

„Let Me Take You“ offenbart eine unbeschwerte, aber entschlossene Absicht: „Ich will unsere zweite Hälfte sehen / Ich will sie mit dir Hand in Hand sehen / Ich will dich zum Lachen bringen / Ich will bis zum Ende bei dir bleiben.“ Dekker sagt: „Da war eine Verzweiflung, eine Traurigkeit, die ich verarbeiten musste. Die Musik hat mich in den letzten Jahren umgehauen. Sie taucht immer wieder für mich auf; sie zieht mich heraus, holt mich heraus und führt mich auf einen besseren Weg.“ Dieses „Auftauchen“ führte zu vier Dekker-Alben in nur fünf Jahren, darunter „Neither Up Nor Down“ direkt auf „Future Ghosts“ (2024), das auf „I Won’t Be Your Foe“ (2022) und „Slow Reveal: Chapter One“ (2020) folgte.

Der vielseitige Songwriter wuchs im Mittleren Westen der USA auf und zog in Ruths britische Heimat, nachdem das Ehepaar die Indie-Folk-Band Rue Royale gegründet hatte. Das Duo tourte von 2008 bis 2014 ausgiebig durch Europa, bevor es eine Pause einlegte, um eine Familie zu gründen. Dekker nahm 2018 mit dem deutschen Komponisten und alten Freund Lambert „We Share Phenomena“ bei BMG auf. Im selben Jahr veröffentlichte die neu formierte Rue Royale „In Parallel“, bevor Dekkers Soloreise 2019 ernsthaft begann.

Foto: Lamia Karic

Wenn man Girl Scout zum ersten Mal hört, spürt man sofort dieses merkwürdige Vibrieren zwischen Leichtigkeit und Schwere. Ihre Songs klingen, als stünden sie in einem Raum zwischen den Zeiten – zwischen College-Nostalgie und Weltuntergangsstimmung, zwischen Tanzfläche und Therapie. Aus dieser Schwebe hat das Stockholmer Trio ein ganzes Album gebaut: „Brink“, das im März 2026 erscheint, ist ihr längst überfälliges Debüt – und zugleich ein Statement darüber, wie es sich anfühlt, jung zu sein in einer Welt, die ständig zu kippen droht.

Dabei begann alles ziemlich unspektakulär. Emma Jansson und Viktor Spasov studierten Jazz am Königlichen College of Music in Stockholm, spielten Coversongs für ein paar Kronen in Bars, holten bald ihren Freund Per Lindberg am Schlagzeug dazu – und schrieben ihre ersten eigenen Lieder. Noch bevor die Band überhaupt ein Stück veröffentlicht hatte, standen sie auf Festivalbühnen in Skandinavien und begleiteten Holly Humberstone auf Tour. Es folgten zwei gefeierte EPs und eine Welle von Euphorie, die Girl Scout weit über die schwedische Szene hinaus bekannt machte. „Brink“ ist nun mehr als eine bloße Sammlung von Indie-Rock-Songs. Es ist ein Protokoll des Dazwischenlebens – zwischen Aufbruch und Erschöpfung, Zweifel und Sehnsucht.

Die Stücke handeln nicht vom Leben am Rand einer Katastrophe, sondern vom Gefühl, festzustecken: zu spüren, dass Veränderung nötig ist, aber nicht zu wissen, wohin sie führt. Janssons Stimme trägt diesen Widerspruch – mal flirrend, mal brüchig, aber immer aufrichtig. Und doch: Wer Girl Scout wirklich verstehen will, muss sie live sehen. Ihre Konzerte sind keine perfekt polierten Shows, sondern kleine Eruptionen. Man sieht drei Musiker*innen, die sich in ihre Songs hineinwerfen, als wollten sie sie im selben Moment wieder neu erfinden. Da wird das melancholische „Weirdo“ zum kollektiven Aufatmen, das hymnische „I Just Needed You To Know“ zu einer Einladung, alles Ungewisse für einen Moment zu vergessen.

Vielleicht ist das das Geheimnis ihres Erfolgs: Girl Scout erinnern uns daran, dass Musik kein Rückzugsort ist, sondern ein Ort, an dem man die Welt aushalten kann. Im Frühjahr 2026 kommt die Band für drei Konzerte nach Deutschland – wer dabei ist, wird nicht nur eine Show sehen, sondern ein Stück Gegenwart fühlen, das sich am Abgrund besonders lebendig anfühlt.

Traumatin kennen wir alle als das 2021 ins Leben gerufene synth-geladene Epos-Projekt von Fabsi Cremanns. Aber eben auch als laute, kompromisslose Shoegaze-Band mit denselben Songs. Also, was jetzt? Das Schöne ist, nichts davon ist falsch, weil es sowohl Cremanns als auch seiner Band darum geht Spaß zu haben und ziemlich bewusst auf alles andere zu pfeifen.

Mit Songs wie „Verdien dich nicht“ und „Nur zu weit“ wurde Traumatin 2021 bis 2023 ungewollt und ungeplant zu einer der Galionsfiguren der frisch ins Leben gerufenen NNDW. Jawohl, genau diese NNDW mit den traurigen, jungen Menschen, die zusammen unverblümte Texte singen und zu DAF-esquen Basslines tanzen. Fast forward drei Jahre später: Diverse Konzerte alleine, ausverkaufte Touren als Band und neue Veröffentlichungen. Diese jungen Menschen werden langsam erwachsen und das hört man!

Mit neuem Sound kommt *neues Glück* – und genau so heißt auch die 2025 erscheinende EP von Traumatin sowie die Tour im November und Dezember. Es ist also alles wie immer und alles ist anders. Wir dürfen immer noch mitsingen, wir dürfen immer noch tanzen, wir dürfen auch immer noch traurig sein. Zu unverhohlenen Texten, deren Ehrlichkeit immer noch schmerzt und deren Sarkasmus doch ab und an zwickt. Zu neuen Melodien, eingängig wie gewohnt, verzerrt wie nie.

Neues Glück ist die Gefühlswelt, die wir schon kennen und lieben und doch ist hier alles anders. Traumatin ist eine Band geworden – jedenfalls klingt das so. Und Traumatin ist erwachsen geworden – das ist einfach so. Tschüss DAF und hallo alles, was Gitarrenmusik sein kann!

Foto: Danny Kötter

2026 wird die Antilopen Gang nur ein eigenes großes Konzert spielen: DAS GOLDENE ANTILOPEN AIR. Am 15.08.2026 in der Zitadelle Spandau. Nachdem die ANTILOPEN AIRS, die bandeigenen Open Air-Konzerte der Gang, im vergangenen Sommer eine neue Ära in der Antilopen-Livegeschichte einläuteten, soll das Ganze nun erneut getoppt werden. Es wird die einzige Chance sein, die Band in absehbarer Zeit noch mal live zu sehen.

Das GOLDENE ANTILOPEN AIR soll das größte und schönste Konzert werden, das die Antilopen Gang je gespielt hat. Die Antilopen lassen wissen: “Wir werden noch mal alles aus uns rausholen. Wir werden irgendwelche krassen Sachen machen, die wir noch gar nicht geplant haben. Es wird denkwürdig, es wird geschichtsträchtig, es wird legendär. Ihr solltet euch das antun.”

Foto: Jaxon Whittington

Vom Kinderzimmer auf die großen Bühnen der Welt – was für viele wie ein unerreichbarer Traum klingt, hat der britische Singer-Songwriter Cavetown zu seiner Realität gemacht. Hinter Cavetown steckt Robin Daniel Skinner, 1998 in Cambridge geboren. Schon als Kind erfand und illustrierte er eigene Geschichten, später brachte ihm seine musikalische Familie – ein Chorleiter und eine Musiklehrerin – die Akustikgitarre bei. Mit 14 startete er einen YouTube-Kanal, auf dem er zunächst Coverversionen und erste eigene Songs veröffentlichte. Heute folgen ihm dort über zwei Millionen Menschen, viele von ihnen sind buchstäblich mit ihm gemeinsam groß geworden.

Von den frühen Covervideos über das selbstbetitelte Debüt-Album mit 17 bis zu den gefeierten Alben „16/04/16“ (2016), „Lemon Boy“ (2018), „Sleepyhead“ (2020) und „Wormfood“ (2022): Cavetowns Songs waren für sein Publikum stets mehr als nur Musik. Sie sind Rückzugsorte – sicher, tröstend und ehrlich. Orte, an denen man lachen, weinen und sich verstanden fühlen darf. Seine vielseitige Mischung aus zarten Ukulele-Balladen und atmosphärischem Bedroom-Indie-Pop unterstreicht Texte voller Verletzlichkeit, Wärme und Authentizität. Sie erzählen vom Erwachsenwerden, Unsicherheiten, familiären Wunden und seiner eigenen queeren Reise.

Im Januar 2026 erscheint sein sechstes Album „Running With Scissors“. Es ist das vielleicht persönlichste bisher – entstanden in einer Zeit voller Veränderung, Liebe und neuer Verantwortung. Robin verliebte sich zum ersten Mal und wurde gleichzeitig großer Bruder eines 26 Jahre jüngeren Geschwisterkindes. Diese Erfahrungen prägen das Album: Es ist reifer, reflektierter, aber immer noch mit dieser unverwechselbaren Wärme, die Cavetown so besonders macht.

Wer Cavetown schon einmal live erlebt hat, weiß: Diese Magie ist kaum zu beschreiben. Gemeinsam mit seiner Live-Band erschafft er ein inniges Gefühl von Nähe, Gemeinschaft und Leichtigkeit, das jeden Raum füllt. Seine Konzerte sind ein Zuhause, wo alle willkommen sind. Wer das selbst erleben möchte, bekommt im Frühjahr 2026 die Gelegenheit dazu!

Polarise hat sich in den letzten Jahren leise, aber unüberhörbar seinen Platz im Rap-Kosmos erarbeitet. Mit Texten, die zwischen Gesellschaftskritik und Straßenpoesie pendeln, und einer Bühnenpräsenz, die jeden Raum sofort in Beschlag nimmt. Wer ihn bisher live erlebt hat – sei es auf dem Splash oder als Support von Tom Hengst – weiß: Hier steht jemand auf der Bühne, der nicht einfach nur Songs runterspielt, sondern Momente erschafft.

Im März 2026 geht Polarise jetzt auf seine erste eigene Tour. Mit der gleichnamigen EP „Geld ist nur Papier“ im Rücken performt er eine Mischung aus alten Hits und brandneuen Banger – kompromisslos, direkt und mit der Energie, die seine Fans längst von ihm gewohnt sind. Jede Show verspricht ein intensives Erlebnis, das Rap in seiner pursten Form feiert. Schweiß, Bass und Texte, die hängen bleiben. Die „Geld ist nur Papier“-Tour ist ein Pflichttermin für alle, die Deutschrap live fühlen wollen.

Foto: Diane Sagnier

Ein Sound, der nach endlosen Jugendsommertagen riecht – warm, nostalgisch, leicht verworren und doch voller Glück: Die Musik von Melody’s Echo Chamber entfaltet mit kunstvoll arrangiertem Psychedelic Pop ein ganzes Spektrum guter Gefühle. Hinter dem Projekt steht die Französin Juliana Melody Prochet, geboren und aufgewachsen im romantischen Puyricard in der Provence. Nach einer klassischen Ausbildung an der Violine gründete sie zunächst die Band My Bee’s Garden. 2010 begleitete sie mit dieser Tame Impala auf deren Europatour – ein Zusammentreffen, das vieles veränderte: Frontmann Kevin Parker begann, Prochets Solostücke zu produzieren und Melody’s Echo Chamber war geboren.

2012 erschien ihr selbstbetiteltes Debüt-Album, eine feine Mischung aus Dream Pop, Psychedelic Rock und French Pop, das internationale Anerkennung fand und sie auf Konzerten um die Welt führte. Parallel entstand das Album „Unfold“, das nach der Trennung von Parker jedoch zunächst in der Schublade verschwand.

Stattdessen begann Prochet, selbst zu produzieren und ihre eigene musikalische Handschrift zu entwickeln. Davon zeugt ihr zweites Album „Bon Voyage“ (2018), das sie eigentlich als Abschied geplant hatte – die Jahre davor waren kräftezehrend. Doch ein Umzug aus Paris in die französischen Alpen und die erzwungene Ruhe der Pandemie führten zu neuen Songs.

Das Ergebnis: „Emotional Eternal“ (2022). Im selben Jahr erschien schließlich auch das lang verschobene „Unfold“, dessen Stücke sie über die Jahre neu interpretiert hatte.

Nun ist Prochet mit ihrem neuen Album „Unclouded“ zurück. Wie ihre früheren Werke strahlt auch dieses Album Wärme und eine verträumte, fast märchenhafte Atmosphäre aus. Es ist ein Blick nach innen, ein Tagtraum über das Erwachsenwerden und die Suche nach Klarheit. Der Titel greift ein Zitat des japanischen Regisseurs Hayao Miyazaki auf: „You must see with eyes unclouded by hate“. Unterstützt wurde Prochet dabei von einer handverlesenen Runde talentierter Musiker*innen: Violinistin Josefin Runsteen, Gitarrist Daniel Ögen, Bassist Love Orsan, Schlagzeuger Malcom Catto und Co-Produzent Sven Wunder.

Konzerte von Melody’s Echo Chamber sind in den letzten Jahren selten geworden – und gerade deshalb unvergleichlich. Auf der Bühne leuchtet Prochets Persönlichkeit auf: Warm, anmutig und voller spürbarer Liebe zur Musik. Wer sich im April 2026 schon auf den kommenden Sommer einstimmen möchte, hat nun die Gelegenheit: Zwei Deutschland-Konzerte versprechen Wärme, Farbenpracht und Psychdelia par excellence.

Pablu ist ein Wahlberliner New-Wave-Artist, dessen Indie-Pop-Sound man irgendwo zwischen tanzbaren Gitarrensound und Folk/Singer/Songwriter wiederfindet. Mal im ruhigen Setting, werden uns intime Piano- und/oder Gitarren-Balladen präsentiert – da zeigt sich Pablu als ein Erzähler des Mitte-Zwanzig-Wirrwarr, den Bierchen im Skatepark, der einen Großstadt, die man so lala mag, und natürlich vom Du und Ich.

Gemischt mit Uptempo-Indie-Nummern, die einem das melancholische Sommerfeeling am Silbertablett servieren, bietet Pablu einen facettenreichen Indie-Sound gemacht für Bluetooth-Boxen im Park oder Autofahrten in Richtung „Keine Ahnung aber lass mal losfahren“. Inklusive Kopfkino natürlich. Er schreibt Songs wie Notizen aus Momenten, die zu schnell vergehen. Seine Musik klingt nach einem Tag zwischen Zug-Fensterblick und Sonnenaufgang auf der Bettkante. Irgendwo zwischen Indie Pop, melancholischen Folk und leiser Euphorie erzählt er Geschichten über Nähe, die immer ein Stück zu weit weg ist.

Mit einer warmen, vertraut klingenden Stimme und Lyrics, die zwischen Alltagsrealität und Poesie pendeln, schafft Pablu eine Welt aus verblassten Polaroids, Zigarettenrauch und halb offenen Fenstern. Seine Songs fühlen sich an wie Gespräche, die man nicht mehr führt, aber nie vergisst.

Nach zwei restlos ausverkauften Touren wagt Pablu den nächsten Schritt: Im Mai 2026 geht er auf seine bisher größte Tour durch Deutschland mit Abstecher nach Österreich – „auf gut Glück“. Der Titel ist Programm: Mit dem Rückenwind der letzten Jahre und dem Glück auf seiner Seite zieht es ihn in noch größere Venues. Der Sound bewegt sich zwischen Indie-Folk und Pop, getragen von Geschichten über Nähe, Fernweh und das Erwachsenwerden.

Foto: Dan Trautwein

Die Zeit der post-pandemischen Flimmerjahre ist vorbei. Nils Keppel hat Bilanz gezogen und daraus sein kompromisslosestes Werk geschaffen: „Super Sonic Youth“ – ein Debütalbum, das den Geist einer zu schnell gelebten Jugend in supersonic Sound verwandelt. Zwischen dringlichen Riffs und organischen Drums entfaltet sich ein Sound, der sich den Fängen der Zeit entreißt. „Super Sonic Youth“ ist das Monument einer Generation, die der Katastrophe ins Gesicht lächelt. Es geht um den großen Traum und das kleine bisschen Hedonismus in Endzeiten.

Nach ausverkauften Shows in Kult-Clubs wie dem SO36 oder dem Molotow in Hamburg kündigt der Wahl-Leipziger Musiker für März 2026 seine nächste Headliner-Tour an. Dreizehn Städte in Deutschland, Österreich und der Schweiz, dreizehn kathartische Nächte. Keppel bietet das Gegenteil einer kalkulierten Pop- Show: den Charme einer Zeit, in der es noch möglich war, im Moment zu leben.

Foto: Bella Lieberberg

Christin Nichols veröffentlicht ihr neues Album „Christin Nichols“ am 24. April bei [PIAS] Recordings Germany. Ab April 2026 geht die Deutsch-Britin auf „Heute ist mal wirklich alles gut“-Tour. Mit dem neuen Album definiert die Musikerin und Schauspielerin Christin Nichols ihr ganz ureigenes Genre weiter: „Hopecore“ nennt sie ihren zwischen Indierock, Postpunk, Pop und Shoegaze changierenden, mit Selbstermächtigung, Empowerment und Selbstbehauptung befeuerten ganz eigenen Stil. Christin Nichols-Songs sind ganz wie die Musikerin selbst: mutig, selbstbewusst, facettenreich, direkt und bezaubernd zugleich. In ihren Live-Konzerten ist Christin Nichols der absolute Fixpunkt in jedem Raum. Rockstar, Role Model, mystisches Wesen – Christin Nichols füllt all diese Rollen mit dem ihr ganz eigenem authentischem Charme auf der Bühne aus.

Foto: Travis Shinn

Vier Jahrzehnte sind eine lange Zeit, und doch wirken die PIXIES, diese widerspenstige Band aus Boston, als hätten sie sich der Schwerkraft der Geschichte immer wieder entzogen. 1986 beginnt ihre eigene Geschichte mit einer unscheinbaren Zeitungsanzeige: Charles Thompson, besser bekannt als Black Francis und Gitarrist Joey Santiago suchen eine Bassistin, die Hüsker Dü ebenso schätzt wie Peter, Paul and Mary. Kim Deal meldet sich – ohne Bass, ohne Erfahrung, aber mit einer Haltung, die den Sound der kommenden Jahre prägen sollte. Gemeinsam mit Schlagzeuger David Lovering formieren sie eine Band, deren Name zufällig aus dem Wörterbuch gefischt wird: PIXIES. Von den ersten Proben in Loverings Garage bis zur ersten Veröffentlichung „Come On Pilgrim“ vergehen nur wenige Monate. Schon bald klingen die PIXIES nach nichts, was es zuvor gegeben hat: surreal, laut, aggressiv, doch zugleich voll merkwürdig schöner Melodien. „Surfer Rosa“ und vor allem „Doolittle“ machen sie Ende der Achtzigerjahre zu Pionier einer neuen Rock-Ästhetik, deren Einfluss unübersehbar bleibt. Kurt Cobain etwa bekannte später, er habe bei „Smells Like Teen Spirit“ schlicht versucht, die PIXIES zu kopieren.

Doch das, was die Band so außergewöhnlich macht – das fragile Gleichgewicht zwischen Francis’ eruptivem Songwriting, Santiagos kantigen Riffs und Deals unverwechselbaren Gesangslinien – droht sie auch zu zerreißen. 1993 ist Schluss, die PIXIES hören auf. Für viele Fans ein Schock, für die Musiker eine notwendige Zäsur. Als sie 2004 wieder zusammenfinden, ist das Erstaunen groß: Die Band spielt größer als je zuvor, erntet Begeisterung bei alten wie neuen Generationen und setzt eine zweite kreative Phase in Gang. Seitdem erscheinen neue Alben und Tourneen folgen Schlag auf Schlag. Vor allem live bleibt die Band ein Ereignis. Von den frühen, chaotischen Clubshows, in denen sie Rockkonventionen sprengten, bis zu den heutigen Festivals: Die PIXIES haben das Live- Erlebnis neu definiert. Keine Anekdoten, kein Smalltalk, dafür eine geballte Wucht aus Song auf Song, ein Sound, der zugleich rau und präzise wirkt. Hier geht es nicht um Nostalgie, sondern um unmittelbare Intensität. Mit der „P40 – Celebrating 40 Years“-Tour feiert die Band 2026 nun ihr Jubiläum. Nach Stationen in Großbritannien und ganz Europa sind auch drei Deutschlandtermine bestätigt. Im Sommer 2026 werden die PIXIES zeigen, warum sie nach vier Jahrzehnten immer noch zu den wichtigsten Bands der Gegenwart gehört.

Foto: Julia Tiemann

Marlo Grosshardt singt schön provokant über die Welt, die ihn umgibt. Der vierundzwanzigjährige Hamburger packt seine kritischen Texte in ein raues Pop-Gewand. Seine kraftvolle Stimme trägt uns durch nostalgische Melodien und mitreißende Rhythmen. Wer ihn schon einmal live erlebt hat, weiß: Hier passiert mehr als ein Konzert. Da stehen nicht einfach ein paar Leute vor der Bühne und hören Musik – da entsteht ein Raum, in dem man sich plötzlich weniger fremd fühlt. Ein Wir, das sich nicht erklären lässt, nur spüren. Genau dieses „Wir“ nimmt Marlo 2026 mit auf Tour. Jedes Konzert ein neuer Anfang für etwas, das größer ist als der Abend selbst.

Foto: John Rankin

Confronting the raw, and often uncomfortable, truths of life with her rock-edged indie pop cuts, Mary Middlefield finds catharsis in creativity. As a classically trained violinist since age five, the Switzerland-based musician defies the lines of genres as she explores the full spectrum of emotional experience. Indulging in dramatic tendencies with string-laden instrumentals and strikingly candid lyricism, Middlefield is architecting her vision with effortless precision.

From 2023 debut album ‘Thank You Alexander’ to her critically acclaimed second project ‘Poetry (for the scorned and lonely)’, Middlefield has gained glowing appraise from Wonderland, The Line of Best Fit, and Clash, alongside BBC Introducing and BBC Radio 6. With further performances at Glastonbury Festival, Paris 2024 Summer Olympics, Montreux Jazz Festival, and support slots with The Beaches, Middlefield is making impressive strides in the lead-up to her third project.

Foto: Alexa Viscius

Es gibt Bands, die Alben veröffentlichen. Und es gibt Bands, die ganze Welten erschaffen. Big Thief gehören zur zweiten Sorte. Gegründet 2014 in Brooklyn, haben sich Adrianne Lenker, Buck Meek und James Krivchenia in nur einem Jahrzehnt von einem Geheimtipp zu einer der prägendsten Stimmen der amerikanischen Indie-Szene entwickelt. Vier Grammy-Nominierungen, Millionen Streams, Kritikerlob von allen Seiten. Und dennoch wirkt ihre Musik nie kalkuliert. Im Gegenteil: Sie bleibt rau, verletzlich, durchlässig – wie ein Notizbuch, das man zufällig in einem Straßencafé findet.

Das neue Album „Double Infinity“ bestätigt dieses Bild eindrucksvoll. Entstanden in der warmen Holzvertäfelung des legendären Power Station Studios in New York, während draußen der Winter die Straßen von Brooklyn in Eis verwandelte, klingt es nach Intimität und Weite zugleich. Drei Wochen lang spielten Big Thief, wie sie es am liebsten tun: gemeinsam in einem Raum, neun Stunden pro Tag, ohne doppelten Boden, ohne digitale Perfektion. Minimaler Overdub, maximale Unmittelbarkeit. Das Ergebnis ist eine Sammlung von Songs, die sich um die großen Themen drehen – Kindheit, Vergänglichkeit, das Ringen mit der eigenen Endlichkeit. Und dabei trotzdem das Licht suchen.

Adrianne Lenker, die fragile, aber unerbittliche Stimme dieser Band, beschreibt den Kern von „Double Infinity“ so: „Es geht um das Leiden am Menschsein, aber auch um die Freude daran – um Momente, in denen Schmerz und Ekstase nebeneinander existieren.“ Es sind Lieder, die einen in Bewegung versetzen, nicht laut, nicht aufdringlich, sondern so, wie sich eine Landschaft verändert, wenn das Licht kippt.

Doch Big Thief sind vor allem eine Live-Band. Wer sie einmal gesehen hat, weiß, was das bedeutet: Kein Konzert gleicht dem anderen, jedes Stück wird neu geboren, verwandelt sich, improvisiert. „Das Aufregendste daran, Big Thief auf Tour zu sehen, ist die Regelmäßigkeit, mit der Wunder geschehen“, schrieb die britische i Paper. Auf der Bühne entfaltet sich eine Freiheit, die in Zeiten der durchchoreografierten Pop-Shows fast anachronistisch wirkt. Songs dehnen sich, stürzen ineinander, als würden die Musiker*innen ein gemeinsames Traumtagebuch aufblättern.

2026 bringen sie diese Magie zurück nach Europa. Mit der „Somersault Slide 360“-Tour spielt die Band einige der größten Headline-Shows ihrer Karriere – darunter auch vier Konzerte in Deutschland. Für Fans, die diese Ausnahmemomente live erleben wollen, gilt: Besser jetzt schon vormerken. Denn wenn Big Thief die Bühne betreten, ist alles möglich.

Foto: Mala Kolumna

LUKAS OSCAR ist ein aufstrebender Sänger, Songwriter und Musikproduzent mit philippinischen Wurzeln, der in Wien lebt. Mit seiner kraftvollen, melancholischen Stimme zieht er Hörer:innen vom ersten Ton an in seinen Bann. Schon als Kind zeigte Lukas ein natürliches Gespür für Musik: Mit sechs Jahren begann er Klavier zu spielen – inspiriert von der Karaoke-Leidenschaft seiner Mutter und den Songs von Alicia Keys. Mit 14 tauchte er in die Musikproduktion ein, mit 17 schrieb und produzierte er bereits für andere Künstler:innen – und pendelte dabei zwischen seiner Heimatstadt und Wien.

2020 war LUKAS OSCAR Mitautor des bulgarischen Beitrags „Tears Getting Sober“ für den Eurovision Song Contest – ein Song, der viel Lob erhielt, bevor der Wettbewerb pandemiebedingt abgesagt wurde. Doch Lukas ließ sich nicht entmutigen und entwickelte sich stetig weiter. 2022 erschien seine Debüt-EP Colors of A VOID, eine ehrliche, ungeschönte Auseinandersetzung mit seinem Innersten – voller emotionaler Texte und soulgetränkter Melodien.

Mit seinem ersten Album The Fun Never Ends!, das bereits veröffentlicht ist, sorgt LUKAS OSCAR nun für noch mehr Aufsehen. Die Platte behandelt Themen wie Selbstkritik, Obsession, existenzielle Fragen und den Druck von Wettbewerb – und trifft damit einen Nerv. Zwei Singles daraus, Bloodhound und Life Keeps Flashing, haben es in die Charts geschafft und Lukas’ musikalischen Einfluss weiter gestärkt. Zum Release spielte er gemeinsam mit seiner Band sein erstes Headline-Konzert – ein ausverkauftes Haus und ein unvergesslicher Meilenstein in seiner Karriere.

Trotz all dieser Erfolge bleibt seine Musik introspektiv und zugleich empowernd – eine Einladung an das Publikum, ihn auf einer Reise voller Selbstreflexion und emotionaler Aufrichtigkeit zu begleiten. Mit The Fun Never Ends etabliert sich LUKAS OSCAR als eine der spannendsten neuen Stimmen der aktuellen Musikszene.

Foto: Pietro Agostini

Geboren in der italienischen Schweiz und heute in Zürich lebend, verbindet VALENTINO VIVACE Italo-Disco, French Touch und Indie-Pop zu einem retro-futuristischen Sound: glitzernde Synths, eingängige Hooks und italienischsprachige Texte mit Gespür für Stimmungen zwischen Euphorie und Melancholie. Sein Debütalbum „Meteoriti “ veröffentlichte er 2022 völlig unabhängig – ohne Label oder Management – und setzte damit ein starkes Statement. Die Mischung aus DIY-Attitüde, Stil und musikalischer Tiefe brachte ihm eine Nominierung für den Swiss Music Award („Best Talent“) sowie Airplay bei SRF 3, Couleur 3, Rete Tre und Deutschlandfunk Kultur. Auf Spotify zählt er inzwischen über 100.000 monatliche Hörer:innen.

Live überzeugte VALENTINO VIVACE schnell: Er bespielte große Schweizer Bühnen – vom Montreux Jazz Festival übers Gurtenfestival bis zum Openair St. Gallen – sowie internationale Slots (u.a. Eurosonic Festival, MS Dockville, Fusion Festival, Appletree Garden oder Waves Vienna) mit energiegeladenen Shows, visuell durchdacht und voller liebevoller Details – ein Mix aus Performance, Party und choreografierter Ekstase. VALENTINO VIVACE verwandelt Konzerte in Abgeh-Happenings. Der Schweizer weiß, wie man Disco macht – nämlich mit Live-Hula-Hooping, Choreos, Bühnenbild, Lichtinstallation und einer sagenhaften Performance, die das Publikum aus der Puste bringt.

Mit dem Januar 2025 beim Mailänder Boutique-Label Fluidostudio erschienenen Album- Zweitling „Discoteca Vivace“ erzählte VIVACE, inspiriert von ikonischen italienischen Clubs der 80er, die Geschichte einer durchtanzten Nacht, von der ersten Begegnung bis zum Sonnenaufgang. Pulsierende Beats, glamouröse Sinnlichkeit und fragile Introspektion verschmelzen zum Gesamtkunstwerk, entstanden mit den Mitmusikern Arnaud Paolini und Mathieu Nuzzo zwischen Zürich, Sestri Levante und Mailand. „Insieme“, „Baia degli Angeli“ oder „Hulahoop“ landeten international in Radios, Playlists und Clubsets, und die größtenteils ausverkaufte „Discoteca Vivace Tour 2025“ führte ihn durch Deutschland, Italien, die Schweiz, Frankreich, Kroatien, Österreich und Mexiko.

Seinen erfolgreichsten Sommer krönt er im September 2025 mit der Single „Granello Di Speranza“ – ein atmosphärisches Finale seines Live-Sets und Fan-Favourite: Eine wuchtige Wall of Synths trifft auf subtile Melancholie. Classic VIVACE! Für Frühjahr 2026 ist neue Musik angekündigt – neue Tracks gibt es bereits auf der „Primavera Vivace Tour 2026“ zu hören, die ihn nach Deutschland und Österreich führt.

Foto: Dominik Leingartner

LUVRE47 ist den meisten Leuten vermutlich ein Begriff, seit Star-Comedian Felix Lobrecht angekündigt hat, dass er am Soundtrack für den Film „Sonne und Beton“ beteiligt ist und zudem die Figur Marco, den großen Bruder des Protagonisten Lukas, verkörpert. Fans der Berliner Rapszene sollte der gebürtige Gropiusstädter aber schon länger bekannt sein. LUVRE47 steht für modernen Straßenrap – aus dem Süden Neuköllns. Er versteht es, Wortwitz mit Ignoranz zu kombinieren. Clever verpackt LUVRE47 Gesellschaftskritik in eigenen Erfahrungen. LUVRE47 lässt seine Kunst für sich sprechen und sagt über seine musikalische Laufbahn, dass ihm etwas Nachhaltiges sowie konstantes Wachstum wichtiger seien als der schnelle Drang in den Mainstream.

Foto: Karl Kindermann

Flo Naegeli is a singer, multi-instrumentalist, and songwriter from Dresden, Germany. With a distinctive blend of indie soul and pop, his music draws inspiration from artists like Jordan Rakei, Stevie Wonder, and Benny Sings. Flo’s musical versatility shines through, whether it’s delivering smooth vocals, laying down funky guitar riffs, or crafting infectious bass lines, synth pads, and drums. His ability to seamlessly write, arrange, and perform gives his sound both authenticity and wide appeal. Currently signed to Amsterdam-based Label Vokall Records, Flo has quickly made waves in the music industry, amassing over 1 million unique listeners on Spotify and attracting more than 145,000 followers on Instagram. His talent and dedication have recently earned him a publishing deal with Warner Chappell, marking an exciting new chapter in his career. With a fresh live show in the works and several highly anticipated tracks slated for release this year, Flo Naegeli is set to continue his rise as one of indie soul pop’s most exciting new voices. Los geht’s!

Foto: Konrad Schmidt

Seit über 15 Jahren formen Hundreds – das Geschwisterduo Eva und Philipp Milner, gemeinsam mit Schlagzeuger Florian Wienczny – ihren unverkennbaren Sound zwischen elektronischem Art-Pop, symphonischer Wucht und emotionaler Tiefe. Musikalisch reicht ihr Spektrum von minimalistischer Elektronik über vielschichtigen Synth-Pop bis hin zu orchestraler Dramatik. Nach ihrem gefeierten Debüt (2010, Sinnbus) entwickelten sie auf „Aftermath“ (2014) und „Wilderness“ (2016) einen immer reiferen, detailverliebteren Sound. Das vierte Album „The Current“ erschien 2020 – mitten in die Corona- Pandemie hinein – und wurde zuvor bereits als Liveshow in der Hamburger Elbphilharmonie aufgeführt. Mit „Sirens“, dem neuen und fünften Studioalbum (VÖ: Anfang 2026), kehren Hundreds in die märchenhafte Welt von Evas Kindheit zurück:

Inspiriert von Mythen, Natur und Wandelwesen verknüpft das Trio darin mystische Bilder mit aktuellen Themen – Migration, Verlust, Hoffnung. Trotz aller konzeptioneller Tiefe und klanglicher Komplexität bleibt für Hundreds eines zentral: die Bühne. Von Anfang an verstand sich die Band als Live-Projekt, das Musik visuell und emotional intensiv erlebbar macht. Die Shows der Band – mit eigenen Lichtkonzepten und viel dramaturgischem Feingefühl – wachsen mit jedem Album, ohne sich dem Mainstream zu beugen. Wer in vielschichtigen Indietronica-Arrangements schwelgen will, und obendrauf noch Lust auf eine virtuose Live-Show hat: Hundreds sollte definitiv auf die 2026-Bucketlist gesetzt werden!

Foto: Annemone Taake

Ohne Worte sprechen vier virtuose Nerds eine musikalische Sprache aus Dub, HipHop, karibischen und afroamerikanischen Beats, manchmal trappy. Based und Tchamp (Seeed), Mo’Leen O’Swald und Berger (himself!) erzeugen eine akustische Dramaturgie, die den Menschen als ganzheitlich wellenfühlendes Wesen wahrnimmt: 100% bounce mood! „Dazu der Griff in die Spielkonsole – Feiersounds und Aufwecker sind immer eine Maßnahme!“ so Tchamp und Based, die bei Seeed spielen, seit sie sich erinnern können. „Das ist Teil des großen Erbes jamaikanischer Soundsystems, ohne das geht Nix!“. Im Herbst 2022 erschien die erste Vinyl-EP „Jackie“. Die ersten Ideen zu den Tracks sind im Rahmen der letzten Seeed-Produktion „Bam Bam“ entstanden -damals noch mit Gründungsmitglied El Gris am Bass.

„Wir haben gemerkt, dass wir auch als Trio gut harmonieren und eine ähnliche musikalische Vision teilen. Damit war klar, dass wir ein langfristiges Projekt starten“, so die Band. „Wir wollten diese vier Perlen einfach als reine Instrumental-EP veröffentlichen und mit dem Sound auf die Straße!“ Komplett mit Dirk Berger (The Krauts) an der Gitarre ist die Band seitdem live unterwegs. Und spielt eigene hochintensive Clubkonzerte genauso wie druckvolle Supportshows für Peter Fox (2023) und die Beatsteaks (2024). Mo´Leen O´Swald hat El Gris am Bass beerbt, der inzwischen in den Weiten Patagoniens beim Fliegenfischen neue Inspirationen sammelt. „Mo hat die großen Füße und den fetten Sound, um Tobis riesige Fussstapfen auszufüllen, das hat sofort gepasst“, bestätigt Based. Tutti Bounce steckt momentan in ihrem Kreuzberger Studio und schraubt an neuen Tracks.

Foto: Rufus Engelhard

Niemand geht nur ein einziges Mal zu einem BOSSE-Konzert. Wer einmal erlebt hat, wie dieser Charismatiker auf der Bühne arbeitet und den Menschen seine einzigartige Mischung aus Indie- Rock, Alternative und Pop entgegenschmettert, wie er bei Hits wie „Der letzte Tanz“ oder „Schönste Zeit“ mit dem Publikum verschmilzt, wie er die Massen euphorisiert, der will das wieder erleben und möglichst viele Freunde mitnehmen. Die leidenschaftlichen Live-Performances sind aber nur eine Seite des Künstlers – die Basis dafür schafft er mit seinen liebevoll ausgearbeiteten Alben, die klassisches Singer-Songwritertum in Richtung Pop und Indierock erweitern. Auf denen gießt er seine Gedanken in Songs, verdichtet komplexe Gefühle in einer Sprache, die nah am Leben ist, ausgestattet mit Refrains, die im Kopf bleiben, ohne ihn zu verkleben. Oft geht es darin um das Überwinden von Widerständen, ein positives Lebenskonzept trotz Selbstzweifeln und die Gewissheit, auch in miesen Zeiten nicht allein zu sein.

Und er ist selbst das beste Beispiel dafür, dass Aufgeben meistens die schlechteste Option ist. Sein langer Weg an die Spitze beginnt mit seiner Geburt 1980 im hügeligen Umland von Braunschweig. Er manifestiert sich mit einer starken Musikzentrierung in der Kindheit und erfährt einen ersten Höhepunkt, als er noch zu Schulzeiten mit seiner Band einen Vertrag bei einer großen Plattenfirma abgreift. Der frühe Erfolg entpuppt sich allerdings als Blase, der Deal zerbricht, wie auch die Band, und Axel steht schnell wieder allein mit seinem Talent da.

Jedoch ist eine seiner Kernqualitäten sein unerschütterlicher Glaube an die eigenen Fähigkeiten, seine Beharrlichkeit und sein Durchhaltevermögen. Nichts in seiner Karriere ist BOSSE geschenkt worden, er war nie Teil eines Hypes, einer Castingshow oder einer Marketingkampagne, er hat einfach immer weiter gemacht und jedes Konzert gespielt, als ginge es um sein Leben – sei es vor zehn Zahlenden in einer Provinzkaschemme oder vor Zehntausenden auf einer Festival-Mainstage.

Den Wendepunkt in seiner Karriere schafft 2009 das mit seinem letzten zusammengekratzten Geld und der Hilfe von Freunden produzierte Album „Taxi“, getrieben durch die Single „3 Millionen“, das erstmals in die Top 100 einsteigt. Plötzlich potenzieren sich die Gäste bei den Konzerten, BOSSEs legendärer Ruf als Rampensau spricht sich herum und die Plattenfirmen stehen Schlange, um sich die Zusammenarbeit zu sichern.

Von da an geht’s nur noch nach oben: 2011 das Album „Wartesaal“ auf Platz 9 in den Charts, 2013 „Kraniche“ auf Platz 4, beide später mit Gold ausgezeichnet. Ab dann schafft es jedes Album mindestens in die Top 5, „Engtanz“ und „Alles ist jetzt“ auf die 1. Die Single „Schönste Zeit“ wird zur Hymne der Generation X und holt Platin, „Der letzte Tanz“ dominiert wochenlang die TikTok- Charts.

Parallel explodiert BOSSE als Live-Ereignis. Mehr als 700 Konzerte haben aus dem ohnehin hochmotivierten Performer Axel Bosse einen Entertainer und Bandleader im Stil eines Robbie Williams oder Bruce Springsteens gemacht, der sich zu jedem Moment bewusst ist, was seine vielköpfige Band gerade macht, und trotzdem immer die Verbindung zum Publikum hält. BOSSE schafft es, auch bei Arena-Konzerten jede(n) Besucher(in) direkt anzusprechen und bei Clubshows eine Stimmung wie auf einer Privatparty zu erzeugen. Er erweckt universelle Gefühle für mehrere Generationen, rüttelt auf, tröstet und motiviert mit seinem Optimismus. Den nutzt er stets auch für politische Arbeit. Sein Engagement für die Trinkwasser-Hilfsorganisation Viva Con Agua besteht seit Jahren, dazu kommt Unterstützung für Hanseatic Help, Jamel rockt den Förster, Dein Topf und natürlich immer eine stabile Haltung gegen jegliche rechte Tendenzen.

BOSSE ist ein Star ohne Allüren, nahbar, aber nicht alltäglich, schlau, aber nie verklausuliert, zugänglich, aber nicht anbiedernd, und auch auf lange Sicht ohne Konkurrenz im Spannungsfeld zwischen Deutschpop und Indierock.

Foto: Robert Eikelpoth

„Im fünften Jahrzehnt nach unserer Gründung verspüren wir eine Lust und einen Hunger auf Konzerte wie selten zuvor. Vielleicht liegt das auch an unserer Lebenssituation:

Wir wissen, dass wir mit unserer Karriere auf der Zielgeraden sind und solche Reisen irgendwann auch ein Ende haben. Deshalb wollen wir noch einmal mit alten und neuen Liedern losziehen und jeden Abend so spielen, als wäre es unser letzter!“

Foto: Gerhard Kühne

„Spidergawd servieren brachialen Rock, der gleichzeitig groovt. In ihrer Heimat gehören die Norweger, die 2013 als Nebenprojekt zweier Mitglieder der legendären Band Motorpsycho starteten, schon lange zu den wichtigen Rockgrößen.“

(Text geklaut/geliehen/kopiert beim WDR Rockpalast)

Spidergawd is a rock band formed in Trondheim, Norway in 2013. The founding fathers of the beast was Per Borten (Cadillac and Moving Oos) on guitars and vocals, Bent Sæther (Motorpsycho) on bass, Rolf Martin Snustad (Hopalong Knut) on saxophones and Kenneth Kapstad (Monolithic and Motorpsycho) on drums. On June 1 2016 it was announced that Bent Sæther was leaving the band to have more time for his main band. The band brought on Hallvard Gaardløs as a fulltime bassist, and after falling in love with the young bassplayer from Toten, he stayed put from the first strum. In 2019 the band thought it was a good idea to add some more guitar sound, and so the very much appreciated Brynjar Takle Ohr became a full time member of the band, which makes them a five piece band with a massive wall of sound. They released their debut album Spidergawd on 31 January 2014, their sophomore album Spidergawd II on 16 January 2015. The third album, appropriately called Spidergawd III, was released 22 January 2016. Spidergawd IV on the 24th february 2017. Spidergawd V on 11th of january 2019, and Spidergawd VI was out on 9th december 2021.

upr/ulepuschkinrose ist die kombination aus cyndholz, hermann eff und partizan. sozusagen als „band“ spielen sie genreübergreifend im weitesten sinne rap tracks und geben sich mühe süß zu performen. es kann gelacht, geweint, getanzt und gepogt werden. es kann alles und das meiste wird.

upr/ulepuschkinrose ist die kombination aus cyndholz, hermann eff und partizan. sozusagen als „band“ spielen sie genreübergreifend im weitesten sinne rap tracks und geben sich mühe süß zu performen. es kann gelacht, geweint, getanzt und gepogt werden. es kann alles und das meiste wird.

Foto: Michi Schunck

Wer Kinder im Alter von 4-12 hat, kommt an ihnen nicht vorbei: Deine Freunde.

Florian Sump, Lukas Nimscheck und Markus Pauli begeistern seit 2011 mit einer einzigartigen Mischung aus Family Entertainment, Hip-Hop und Popmusik nicht nur die Kleinen, sondern eben auch deren Eltern. Die drei Hamburger haben haben das längst totgeglaubte Genre der Kindermusik kräftig aufgemischt und füllen in Deutschland die ganz großen Hallen.

Ihr braucht einen kleinen Lichtblick, bevor es wieder so richtig kalt, grau und ungemütlich wird? Deine Freunde haben da was: 2026 gibt es mehr. Mehr Konzerte, mehr Sonne, mehr neue Songs. Genau so wie es sich gehört, wird es nach dem Winter in der Halle einen Sommer an der frischen Luft geben, damit ihr euren Vitamin-D- und euren Vitamin-DF-Speicher ordentlich vollknallen könnt. Also macht euch bereit für KINDSKÖPFE IM PARK 2026 mit Deine Freunde – es wird garantiert wieder heiß heiß heiß!🔥🔥🔥

Foto: Eric Joel Nagel

2024 hat Paula Carolina ihr neues Album veröffentlicht – ein selbstbewusstes Ausrufezeichen, das in Sound und Aussage nichts zurückhält. Auch ältere Tracks wie „Trophäe“ machen deutlich: Sie sammelt keine Preise – sie hinterlässt Spuren. Mit Millionen Streams, ausverkauften Shows in Deutschland, Österreich und der Schweiz und einer stetig wachsenden Fangemeinde macht sie klar: Sie ist gekommen, um zu bleiben! Eine Paula-Carolina-Show ist dabei kein einfaches Konzert. Es ist ein Aufruhr, eine Explosion mit moshpitkompatiblen Basslines und rebellischem Indie-Pop, bei dem Tanzwut auf Haltung trifft. Paula springt, schreit, strahlt. Und mit ihr eine Crowd, die jede Zeile zurückwirft wie ein kollektiver Mittelfinger ans System. Es wird laut. Es wird politisch. Es wird Paula Carolina. Nach über zwei Jahren auf der Überholspur, zahllosen Festivals und zwei gefeierten Headline-Touren ist klar: Das muss nochmal wiederholt werden. Im Frühjahr 2026 geht Paula Carolina deshalb auf „ICH WAR HIER – TOUR 2026“– ein Manifest, ein Stempel, eine Ansage.